QPH?

Recomendación: Brian Harnetty & Bonnie Prince Billy - Silent City

2011-06-24T23:13:00.003+02:00

En los tiempos que corren, en los que el consumo rápido se ha vuelto la norma y en la que los discos tienen poco margen para conseguir que el oyente vuelva a ellos y les dé la oportunidad de enamorarle, recomendar este disco constituye una auténtica temeridad.

Si, además, os digo que se trata de un disco de folk en estado puro, donde el amigo Oldham se asocia con Brian Harnety, un musicólogo experto en la música folk primitiva americana, quizá esté dándo más argumentos para huir que para experimentar... y lo sé.

Pero para los pocos que le den una oportunidad y para los menos que, habiéndosela dado, logren conectar, de algún modo, de alguna forma, con lo que Brian y Will nos proponen, estoy convencido de que la escucha de este disco no será una escucha más y que su forma de afrontar la creación minimalista de sentimientos e ideas será sumamente enriquecedora.

Lo dicho: no es un disco para todo el mundo y, menos, para los tiempos que corren. Motivo de más para escucharlo.

A vueltas con la lista de los discos de la década

2011-06-02T18:11:00.012+02:00

Y ahora es cuando todos os dais cuenta de lo zumbado que estoy y de lo mucho que me gusta hacer listas y entretenerme haciendo estadísticas con ellas...

Lo anuncié en el programa y era verdad. Aquí están los gráficos que "destripan" la lista por años, por mitades de década, etc...

En este primer gráfico observamos el resumen de la lista por años, es decir, a qué años pertenecen los discos que entraron en la lista. Aquí ganan por goleada el año 2000 (10), el año 2006 (8) y e año 2001 (7).

Este segundo gráfico hace exactamente lo mismo, pero siendo más selectivo: sólo tiene en cuenta el Top 25. Aquí siguen ganando los años 2000 y 2001 (con 6 y 4 discos respectivamente).

Si analizamos el Top 10, vemos que la hegemonía de los dos primeros años de la década se torna total: entre los dos suman 6 de los diez discos totales.

Si analizamos el Top 3, vemos que los años que coparon el podium fueron el 2000, el 2002 y el 2004.

Un análisis que a mi me interesaba bastante era comparar los dos tramos de la década: el primero (2000 - 2004) contra el segundo (2005 - 2009), para ver cuál nos había parecido mejor; ¿la década empezó rompiendo y se fue diluyendo o empezó floja y fue mejorando? ¿votamos más los discos de los últimos años porque los tenemos recientes o la nostalgia y haber anudado los discos a los recuerdos es más poderoso? Los datos son apabullantes en este sentido: la primera parte de la década (2000 - 2004), gana por goleada.

Elocuente, ¿verdad? 29 a 24. Pero es que la diferencia se va a haciendo mayor según analizamos los Top 25, 10 y 3:

Aquí la diferencia ya es mayor: 15 - 10...

Bufff... un 8 a 2... esto ya es goleada...

Pero es que el Top 3 contesta, por humillación, a la pregunta: votamos con la memoria remota (y sentimental) y no con la memoria inmediata...

Pues eso, que lo sé: estoy zumbado...

La década de los '00 en 50 discos (IV y V)

2011-06-01T22:16:00.004+02:00

Fernando, Rafa, Ángeles, Raúl, José Carlos, Patricio, Eduard, Miguel, Pablo, Juanma y Fernando... es decir, unos cuantos locos de la música a quienes les encanta hacer listas y que se liaron la manta a la cabeza para hacer una pretenciosa, innecesaria, contradictoria, efímera y divertida lista de los mejores discos de la década pasada...

El resultado lo habéis ido escuchando durante las semanas anteriores. Tras una semana de parón, os traemos ahora los dos últimos programas de esta serie de cinco que dedicamos a desgranar los resultados. Repasamos, pues, los mejores, los más grandes, influyentes, talentosos, emocionantes y preciosos discos de la década que ya fue... dos programas de lujo, aunque sólo por la música que suena.

Unos estarán de acuerdo con la lista, otros notarán ausencias, posiciones muy bajas... es normal, todos los que hemos hecho la lista pensamos lo mismo, pues ya sabéis que cuando más de uno vota para una lista, al final el punto medio, el mínimo común denominador, es el que triunfa...

Pero también nos queda, más allá de esta divertida excusa para hablar, escuchar música, polemizar y reir, lo bien que nos lo pasamos, las largas llamadas telefónicas para decirle a otro que no se olvidase del disco x, las trampas vía facebook para influir en el voto de los otros, las horas grabando los programas... pero, sobre todo, el nacimiento de una complicidad, el notar que eres parte de un momento en el que se está gestando algo bonito e importante. Una cosa a la que llamamos 'Tropicalia', por la necesidad que tenemos los humanos de ponerle nombre a todo y que, en resumidas cuentas, no es más que la amistad de un grupo de gente que comparte gustos musicales y muchas cosas más.

Sólo por esto, merició la pena. Gracias, por ello, lista de discos de la década...

Más abajo tenéis los programas incrustrados via Ivoox y aquí encontraréis la lista de discos, por si queréis ir siguiéndola visualmente, en nuestra página del RYM.

Muchas gracias a cuantos habéis seguido esta cuarta temporada de QPH (primera en Ivoox) y os esperamos el curso que viene con la quinta temporada... sed felices hasta entonces...

Pequeños apuntes desde mi universo musical...

2011-05-09T22:30:00.015+02:00

Ya estoy metido -de nuevo- en la actualidad musical... pasados los primeros meses del año, en los que me pierdo en sonidos de otros tiempos, en investigaciones interminables en busca de nuevos viejos discos y en los que deambulo por el atemporal mundo de la música, vuelvo de nuevo a caer en el ajetreo que constituye la tónica de la mayoría de mis momentos musicales: el repaso de los discos que van saliendo y que, nota a nota, van dibujando el sonido del año, de la década y del siglo... No sé lo que tiene la actualidad musical, que consigue cautivarme tanto. Quizá sea el ansia de conocer lo que se hace, de desentrañar por dónde van caminando los músicos que están escribiendo el futuro de la música o, quizá, la vanidad de estar a la última y jugar a conocer la mayor cantidad de discos posibles y pretender ser una especie de gurú musical...

El caso es que como cada año por estas fechas, me encuentro en plena voragine musical. Por mi inseparable Rhythmbox van desfilando discos y más discos, descubiertos de las maneras más diversas posibles: a través de Disco Grande, a través de las sugerencias que día a día se acumulan en mi Google Reader gracias a mis páginas web preferidas; también a través de las sugerencias del Last FM y las horas que dedico a "cotillear" que escuchan mis contactos y, sobre todo, y como siempre, a través del boca a oreja que me gusta practicar con mis amigos melómanos...

El caso es que he empezado a escribir este post para contaros que ando escuchando últimamente. La idea es hacer una breve reseña de estos discos (cinco en concreto), a modo de "noticia", pues lo que guía estas líneas no pretende ser el ansia de fundamentar una pose cool, sino de descubrir a quienes no los conozcais, los nuevos discos que se van agolpando en este 2011.

Jeniferever - Silesia (2011)

Este disco lo descubrí gracias al programa 'Disco Grande' de Radio 3. Estaban de gira en España y aprovecharon para hacer una visitilla a Julio Ruiz y marcarse un "a gato". Me gustó lo que escuché y me decidí a darles una oportunidad. Lo que encontraréis será un grupo que va madurando y que en ese madurar está tratando de encontrar un sonido propio más allá del post rock en el que se le suele clasifcar. Llevo pocas escuchas, pero suena interesante. La canción que cierra el disco (Hearts) es muy grande.

The Feelies - Here Before (2011)

Que podemos decir de ellos. Los Feelies, con el gran Glenn Mercer (autor de uno de los discos más interesantes y, a la vez, más injustamente olvidados de los últimos tiempos) no necesitan a estas alturas de la película, ningún tipo de presentación. Pero lo noticiable en este caso no es que uno de los grupos clásicos haya sacado disco después de tanto años sin publicar, sino lo bueno, lo extremadamente bueno que es el disco que han sacado. Nada de disco para nostálgicos o de mero pretexto para hacer una gira y que estos últimos abarroten las salas de conciertos. Este 'Here before' es un disco como la copa de un pino y es una muy interesante y lógica continuación en su carrera. Este es el disco que más puestos está ganando en mi lista personal del año (ya va cuarto) y, sin duda, es el disco que, de momento, más estoy disfrutando. Como se diría gafapastosamente, este disco es un must (forma pija de decir el "hay que oirlo" de toda la vida).

Okkervil River - I am very far (2011).

De todos los discos publicados este año que llevo escuchados, este es sin lugar a dudas el disco más polémico, por la cara que a todos los seguidores de la banda se les habrá quedado al darle al play de los reproductores, pues pocos son los que se podrían haber esperado este cambio de registro tan marcado. Yo llevo pocas escuchas y no me puedo pronunciar aún sobre si me gusta y, lo que es más importante, si el cambio mejora en algo el proyecto musical de Okkervil River. Lo mejor, como siempre, es escucharlo uno mismo y decidir...

Keren Ann - 101.

Lo sé: tengo debilidad por ella. No tiene sentido que, después de esto diga nada más. Tan sólo invitaros a descubrirla. Con este u otro de sus discos (si es el primero, mejor que mejor). Eso sí, advertencia a navegantes: en este disco se nota la ausencia de Benjamin Biolay en la composición y arreglos de los temas. Aún así, os invito a descubrirla.

Kurt Vile - Smoke Ring for my halo (2011)

Los que nos leáis y escuchéis desde hace tiempo, sabréis de nuestro gusto por la banda 'The War on drugs'. Lógicamente, ello hace que sigamos con especial interés los proyectos paralelos en los que se va involucrando su guitarrista, Kurt Vile. Tras una serie de EPs muy interesantes, publica este disco, marcado por un sonido envolvente que encierra una apuesta sonora que, aunque cercana por necesidad al grupo madre, contiene matices hipnóticos, que recrean ambientes densos, sucios y grises, gracias a esas guitarras que descibren melodías circulares e inacabables. Uno de los discos que mejor me está entrando este año. Creo que lo votaré alto al final para la lista QPH.

Bueno, y hasta aquí la lista de cinco recomendaciones de discos de 2011.

Cuidaros.

Vetusta Morla, mapas, y la ventaja de cantar en inglés (y de algo más)

2011-05-06T11:32:00.003+02:00

Que conste que los de Vetusta Morla me caen bien. Digo en plan irracional, como el juicio que se hace del tipo: no me gustan estos porque son unos niños pijos, porque son unos macarras, unos guaperas, porque "van de ......", o algo similar. Si fuera por eso diría, "me gustan, parecen normales, no van de indies, tampoco de mainstream, ni renuncian a su personalidad, está claro que hacen la música que les gusta, no niegan sus influencias ni desdeñan cierta fama pero buscan su propio mensaje". Ya, pero, eso lo digo sin apenas prestar atención a su música o, mejor, a sus letras. El problema es que Vetusta Morla cantan en castellano y, claro, les entiendo perfectamente, mucho más que a otros grupos que cantan en inglés y que no siempre hacen las cosas fáciles y que obligan a más de una escucha. Vetusta cantan en un castellano tan comprensible para mí como el catalán-mallorquín de Antonia Font, como el castellano de Sr. Chinarro, Parade o La Bien Querida. Y claro, al cantar en mi idioma social, me entero perfectamente de lo que dicen en sus canciones, y no sólo oigo sino que escucho cosas como las siguientes: "como un funambulista imposible leyendo en braille los pasos del siguiente mortal", "ya está aquí, quién lo vio bailar como un lazo en un ventilador, quién iba a decir que sin carbón no hay reyes magos", "el futuro se vistió con el traje nuevo del emperador", "voy a hacer en tu honor inventarios de pánico, voy a hacer en tu honor un safari botánico y poner a secar tus semillas de plástico", etc. He de reconocer que ha habido algún momento musicalmente interesante en la escucha del nuevo disco de Vetusta Morla, Mapas, como el final de la canción "los días raros", como el título "baldosas amarillas" que me recuerda a la maravillosa Dorothy a mis hijas, o como algún otro sonido sacado del kid A, Amnesiac u otro de Radiohead (bueno, en realidad todo el disco me lo recuerda y busca que sea así) que me ha hecho recordar que tengo que volver a escuchar The King of Limbs. Pero han sido las letras que he entendido perfectamente o, mejor, que que he escuchado pero no comprendido ni interesado en ningún caso, lo que me ha llevado a abandonar, a dejar el disco en la séptima canción, a escuchar tan sólo una vez más alguna canción con la intención de recopilar alguna de esas frases que me habían impresionado para escribir este post.

Lo cierto es que el disco de Vetusta Morla me ha hecho pensar si es una desventaja, para un grupo español, cantar en castellano. Partiendo de este caso, y haciendo algo de deducción-juego hipotético-inducción, me he planteado que si cuando he escuchado las letras de Vetusta me he dado cuenta de que no me transmiten nada, quizás si no las hubiera escuchado no tendría tal sensación, por lo que es posible que sea peor cantar en castellano para determinados grupos. SIn embargo tal planteamiento se contrapone con mi convicción de que lo mejor de los grupos españoles que me gustan, lo que yo más valoro y aquello que los hace tan especiales para mí, es precisamente el que al cantar en castellano o catalán soy capaz de comprender lo que dicen sin el esfuerzo, aunque no sea excesivo, que requiere el inglés y, así, emocionarme de forma inmediata. Pienso en lamparetes y en letras como la de "me sobren paraules", donde el gran Joan Miquel Oliver después de hablarnos de poligraf, boligraf, pi, mama, ñu, o llum estroboscópica, utiliza un maravilloso estribillo "ella tenia dues llunes a tota la seva cara, les obria i les tancava, i tenia les dues cares de la lluna, una planca i l´altra obscura", y al escucharlo comprendo lo egoísta que es por naturaleza el ser humano y que el mundo y todo lo que lo conforma es casi irrelevante cuando uno está enamorado. Lo mismo, esa empatía producida por la escucha y la comprensión, me pasa con Parade o con La Bien Querida, por poner ejemplos de grupos que acaban de publicar en castellano y que me transmiten belleza y otras emociones.

No es, pues, una desventaja general cantar en castellano, aunque quizás lo sea en algún caso. Más bien es posible que sea ventajoso en muchos casos el cantar en inglés, concretamente cuando no es tan importante lo que se tiene que transmitir. No se produce, al no comprender las letras, el rechazo inmediato que conlleva la incomprensión, y se desvía la atención hacia la música, muy capaz por sí sola de transmitir emociones y sentimientos. Quizás, pues, la ventaja sea cantar en inglés, si lo que se pretende es transmitir algo. Si lo que se hace con la música, por el contrario, es desnudarse, es arrojarse al mundo, pensando de forma egoista sin pensar en el receptor y ofreciendo una visión del mundo egoista e individual que después, sin embargo, se convierte en general y universal al ser percibida y comprendida por el receptor, lo lógico es hacerlo en el lenguaje materno, como hacen, aunque sin el éxito de la segunda parte, en mi caso, Vetusta Morla.

No entiendo a Vetusta Morla, no sé qué quieren contar, no empatizo con su supuesta angustia, con sus mensajes artificiosamente poéticos, si bien les reconozco que al cantar en su lengua son honestos y se muestran como son. Quizás si cantaran en inglés tuvieran ventaja: me gustaría el sonido y no percibiría que con sus letras buscan más al oyente, a un público determinado, que a sí mismos.

Lo dicho, para escuchar pop en castellano, en catalán, en mis lenguas, vamos, tengo muchos otros que escuchar, aunque los chicos de Vetusta Morla no me caigan mal y prefiera mil veces su éxito al de otros a los que, además de no gustarme su música, tampoco me caen bien.

Fernando QPH.

Episodio 1 Temporada 1... es decir, el episodio piloto

2011-04-26T22:13:00.003+02:00

Parece mentira que hayan pasado ya cuatro años desde que QPH? inició su andadura. Hace cuatro años, Fernando se animó a idear y dar vida a un programa de música que sirviera como válvula de escape a las muchas horas que dedica a escuchar música, a leer cómics... a cultivar sus aficiones. Un lugar, pequeño y privado desde el que decirle al mundo que hay sonidos, que hay ideas que, aunque alejadas de los canales mediáticos generales, merecen la pena ser escuchadas y ser vividas.

Después llegamos el resto: CJ Navas, con su 'Fuera de series', que pronto se independizó y ganó el protagonismo que sin dudas merecía, yo mismo (que poco a poco me he ido invlucrando más y más en el proyecto), Raúl, José Carlos, Josele, Ángeles, Manolín, Rebeca, Esperanza y tantos y tantos "locos" que hemos ido pasando por el programa... el blog, Optiks...

Pero todo empezó un 24 de octubre de 2007 con un "bienvenidos todos a las ondas de este programa que se llama, ¿que puedo hacer?"...

Pues eso, larga vida a QPH?

Discos de 2011

2011-04-26T21:31:00.005+02:00

Cada año, cuando éste termina y comienza uno nuevo, me suelo tomar unos meses de descanso musical; un tiempo en el que huyo de la actualidad musical, después del intenso proceso de creación de las listas de lo mejor del año para QPH?. Es una especie de tiempo muerto para recuperar la sensibilidad, para redescubrir en la música algo que me emociona y olvidarme de la "obligación" de escuchar discos, puntuarlos, etc...

Pero como el hombre es una animal de costumbres y a mi, en el fondo, esa tarea me encanta, llega el momento en el que, naturalmente, sin forzarme ni planearlo, me empieza a picar el gusanillo de escuchar qué cosas nuevas se han publicado. Esa época en la que vuelvo a hablar con mis amigos de los discos actuales, voy tomando notas de lo que me recomiendan, empiezo a hacer tímidas escuchas... y finalmente llega el punto de inflexión: el día en el que creo en el RYM (el mejor aliado para el melómano 2.0) mi lista de discos del año.

Es una lista muy informal. Voy poniendo en ella los discos que llevo escuchados, ensayo una somera clasificación, muy débil e informal todavía... pero es una lista al fin y al cabo... y es una lista que ya me acompaña el resto del año. Como una hormiguita pongo en ella todos los discos que escucho, tratando de no olvidar ninguno...

Su utilidad, la de siempre: servirme de guía para saber qué he escuchado, qué es lo que más me ha interesado y cómo lo he puntuado...

La utilidad para quien quiera ir consultándola: espero que , como todas las listas, descubrir nuevas músicas que le puedan emocionar.

Pues eso, quien quiera ir siguiéndola, aquí la tiene.

Más tropicalia...

2011-04-20T12:25:00.003+02:00

Y como no hay dos sin tres, recordamos la anterior edición de Tropicalia, con los grandes Raúl Cornejo y José Carlos Lledó.

Inventando el concepto de Tropicalia express... fantástico...

Indie de más... Tropicalia rules!

2011-04-20T09:33:00.005+02:00

Tropicalia vuelve a tomar las emisiones de QPH. Ángeles Gómez, Raúl Cornejo y un servidor pasando el rato y hablando de música, de Sufjan Stevens y Bob Dylan, de la Universidad, de Francia y de muchas cosas más, todo durante cuatro horas "de ná".

Tropicalia rules!

Recomendación de la semana: Atlas Sound - Logos (2009)

2011-04-18T23:46:00.007+02:00

Llevo ya una hora sumido en la escucha de este disco. La imagen es la de lo que denomino "una escucha de calidad" (es decir, a oscuras, con los auriculares Pioneer puestos, tumbado en el sofá y sin nada más que pueda distraer mi atención de lo que estoy escuchando). Y en este estado, alcanzo finalmente a captar la esencia total de este disco, tras muchas escuchas en estos dos años.

'Logos' no es un disco que se pueda explicar ni racionalizar, pues lo que es es, ante todo, un estado de ánimo: es un dejarse llevar a un estado lisérgico, a un estado de dulce inconsciencia, a ese momento en el que estamos despiertos, pero a punto de caer inconscientes y en donde nuestra consciencia empieza a desaparecer para flotar, volar, abondonar la lógica del espacio y del tiempo que siempre tiende a dominarnos... Es un puro ejercicio de libertad musical, pero no referida a la libertad creativa del artista, sino a la libertad vivencial del receptor. Por mi cabeza se deslizan imágenes recurrentes de ingravidez, y empiezo a pensar que el mundo es ligero, que yo soy ligero... o que todo a mi alrededor es más pesado... Y lo asocio (como no) a la insoportable levedad del ser...

En este sentido, no conozco un disco que me transmita mejor ese momento / esa vivencia...

Ah, sí... espera... a eso lo llamaban Psicodelia, ¿verdad?

Pues eso, al final he captado la esencia del disco, no porque lo pueda explicar o lo haya consiguido racionalizar, sino porque lo he conseguido sentir y hacer mío. He descubierto que éste es el mejor disco de psicodelia electrónica que he escuchado en todo este tiempo.

Y lo ha venido a hacer el líder de Deerhunter, una banda nada psicodélica, por cierto (al menos en apariencia...).

Hebe Magazine ahora es Opticks Magazine

2011-04-14T09:11:00.004+02:00

Nuestra revista de cabecera, esa que con cada número nos depara horas y horas de emociones, motivos para reflexionar y excusas para crecer emocionalmente, cambia de nombre. Utilizando el título de un libro de Newton, ahora es Opticks Magazine.

No olvides que su dirección web ha cambiado: www.opticksmagazine.com

Mismo contenido, mismos objetivos, nuevo nombre. Nos leemos en Opticks.

La década de los '00 en 50 discos (III)

2011-04-13T22:51:00.003+02:00

Los que vengáis escuchando los últimos programas de QPH? ya conocéis la dinámica y lo que os encontraréis en el podcast: un servidor, Raúl Cornejo, José Carlos Lledó, Ángeles Gómez y las canciones correspondientes a los discos situados en los puestos 30 a 20 de nuestra pretenciosa, pero subjetivamente infalible, lista de los mejores discos de la década. La fórmula es ciertamente sencilla, pero lo bien que nos lo pasamos haciendo el programa no tiene precio...

Tenemos mucha música, mucha buena música, lo que no tenemos es tiempo... sonríe...

La década '00 en 50 discos (II)

2011-03-30T20:11:00.005+02:00

Continuamos repasando la tropica-LISTA de lo mejor de la década pasada, con la presencia de lo mejor de nuestra incipiente isla-Estado: nuestro líder (Raul 'vivirodando' Cornejo), Ángeles (El espacio / Feedback) y José Carlos (de él no sabemos si es "El bueno, el feo o el malo')... una hora de diversión, risas, complicidades y sobre todo, y como siempre, mucha buena música...

No tenemos tiempo, comenzamos...

Una década en 50 discos

2011-03-28T22:11:00.002+02:00

El mundo tropicalista no tiene límites y en él cualquier cosa es posible, como por ejemplo, liarse la manta a la cabeza y ponerse a hacer una lista -necesariamente innecesaria y totalmente subjetiva- sobre los 50 mejores discos de la década pasada (2000 - 2009). El resultado es una lista llena de buen rollo, variedad, congruencias, incongruencias, acuerdos, desacuerdos, discos extraños, discos evidentes... y sobre todo (como siempre intentamos) con programas llenos de mucha y buena música.

Con todos Vds, la última producción QPH - Tropicalia:

QPH y el Punk!

2011-03-27T20:20:00.001+02:00

Con la ayuda de Rebeca Bautista, nos adentramos en el repaso a un estilo musical -el punk- que hasta ahora no había asomado a nuestro programa como, sin duda, merecía.

Buena música, mucha buena música, pues...

Reconstruyendo a Springsteen (QPH? del 17 de febrero de 2011)

2011-03-21T22:11:00.003+01:00

Con algo de retraso con respecto al ritmo de emisión de los programas (os pedimos perdón, pero ya sabemos que más vale tarde que nunca), os traemos el programa que se emitió el pasado 17 de febrero y en el que, acompañados de Raúl (el jefe de vivir rodando) y José Carlos (la mitad de 'El bueno, el feo y el malo') repasamos los cuatro primeros discos de Bruce Springsteen.

Un viaje en el tiempo a la década de los años setenta y a la historia del principal representante del sonido de Jersey y su Asbury Park. Un viaje apasionante que abarca desde 1972 (con el 'Greetings from Asbury Park, NJ') hasta 1978 (con el 'Darkness on the Edge of Town') pasando por los esenciales 'The Wild, The Innocent & the E Street Shuffle' (1973) y el 'Born to run' (1975).

Esperamos que lo disfrutéis...

Hebe Magazine - Número 6 (Rompecabezas)

2011-03-10T22:51:00.004+01:00

Ya venía anunciando desde hace tiempo que Febrero era su mes, y HEBE ha cumplido plenamente, dejando una sexta entrega muy intensa, llena de novedades, contenidos excitantes y una fórmula basada en el adecuado contrapunto entre propuestas de autores consagrados y jóvenes promesas.

En el apartado de cómic y música, este nuevo número de HEBE (titulado con el fascinante e inquietante 'rompecabezas' y con una portada evocadora) vuelve a traer una propuesta que consideramos ecléctica y que esperamos os guste.

De esta manera, Fernando estuvo conversando con Paco Roca, premio nacional de cómic y candidato a varios "goyas" del cómic este mismo año. El resumen de las impresiones y confesiones que deparó esa entrevista constituye una de las partes centrales de la revista.

En música, el nuevo número de HEBE se compone de dos propuestas. En primer lugar, recogemos la lista de los mejores discos de 2010, con un comentario (breve) de cada uno de ellos y una enmaquetación (está mal que lo digamos nosotros) de la que estoy sinceramente enamorado. En segundo lugar, acercamos a los lectores de HEBE (que aun no los conozcan) al Universo sonoro del grupo más internacional de nuestra escena musical: Delorean, con quienes estuvimos charlando durante su estancia en Elche con motivo del concierto que ofrecieron en La Llotja de Elche.

Y muchas cosas (buenas) más: Fernando Trueba, arquitectura, fotografía, literatura, poesía... en definitiva, arte con mayúsculas.

HEBE 6, número llamado Rompecabezas, pero que en realidad nos ayuda, un poco más, a entender muchas de las cosas que pasan a nuestro alrededor.

Si todavía no lo habéis leído, pinchando aquí podréis empezar a disfrutarlo. Si ya lo habéis hecho, podéis redescubrirlo...

Rafa QPH.

Ring, ring: discurso tropical sobre lost in translation y otros asuntos...

2011-01-19T11:54:00.005+01:00

Tropicalia sigue a los mandos de este blog, gobernado por su firme y sabio dictador Cornejo, cuya vida guarde Tropicalia muchos años...

En este programa, ya sabéis, puro tropicalismo: 3 horas de música, cine, tertulia, risas... y sobre todo, Gainsbourg y Sofia Coppola, con su película sobre"la soledad pija" (Ángeles dixit...)...

Tropicalia. Eres tan técnico

2011-01-18T09:37:00.003+01:00

Tropicalia irrumpe en QPH y toma los mandos de la página... casi tres horas de tropicalismo...

The Decemberists - The king is dead (2011)

2011-01-15T22:37:00.007+01:00

El programa en el que presentamos la lista de los mejores discos de 2010 marca una evidente frontera musical, de manera que desde ya nos hallamos inmersos (entre otros proyectos de los que os iremos informando) en el repaso de la actualidad que tímidamente ya va generando el recién estrenado 2011.

De entre todos los lanzamientos musicales que se han producido, he de reconocer que el que más esperaba y el que, por lo tanto, primero me he lanzado a disfrutar, es este 'The King is dead', de mis adorados The Decemberists.

El que más esperaba porque últimamente los de Colin Meloy nos vienen deleitando con grandes discos, manteniendo un nivel muy alto en todas sus composiciones. Pero sobre todo, el que más esperaba porque últimamente también los lanzamientos de los Decemberists son de lo más inesperado. Como si les gustase jugar al perro y al gato, como si no les gustase ser encasillados, como si quisiesen seguir creciendo a costa de investigar su capacidad para hacer buena música en distintos escenarios sonoros, hace tiempo que han abandonado -sin haberlas abandonado en realidad- sus señas de identidad y el cómodo remanso que constituye quedarse a vivir en lo que se espera de uno. Así, hace dos años sorprendieron a propios y extraños lanzando una ópera rock ('The Hazards of Love) cumplimiento sobradamente lo que requiere este género... y este año, cuando nadie sabía a que dedicarían su talento creativo, lanzan un album de country / folk a la antigua usanza.

Guitarras, violines, ritmos countrys y dejes vocales folk es lo que encontraréis en este 'The King is dead', alejados empero del sonido americana y más próximos al folk / country tradicional, pero lógicamente visitados desde el punto de vista decembérico...

Sobre el resultado no puedo avanzaros mucho. Mejor dicho, no quiero avanzaros mucho, pues me considero fan y lo que pudiera deciros ahora, que llevo pocas escuchas, estaría escrito más desde las vísceras que desde el cerebro, así que prefiero simplemente recomendároslo y dejar que cada uno decidáis si os gusta o no...

A mi de momento me tiene (como no) encantado...

Os dejo el link disco en el Spotify: The Decemberists – The King Is Dead

Rafa QPH?

2010 en cuarenta discos...

2011-01-12T22:22:00.014+01:00

Por fin ha llegado uno de nuestros momentos preferidos del año: el programa en el que repasamos la lista de los discos que más hemos escuchado y más nos han gustado a lo largo de 2010. Una lista que tiene todos los ingredientes que tiene que tener una buena lista (subjetividad, coherencia, contradicciones, pasión, olvidos, sobrevaloraciones, hipérboles...) y que tan sólo pretende ser, en realidad, un instrumento para repasar buena música y, quizá, para que descubráis vuestro nuevo disco favorito...

A diferencia de lo que hicimos en otros años, esta vez hemos dedicado un solo programa a repasar nuestra lista, por lo que el programa (cuyo podcast os dejamos más abajo y en el que estuvimos muy bien acompañados por Raúl 'vivirrodando' Cornejo) más que un repaso al uso, es una mera aproximación. Precisamente por eso, os dejamos aquí la lista completa de los 40 mejores discos del año.

¿coincidís con nosotros?

1. Joanna Newsom - Have one on me

2.Ariel Pink's Haunted Graffitti – Before Today
3.Clem Snide - The Meat of Life
4.Sun Kil Moon - Admiral Fell Promises
5.Sufjan Stevens - All Delighted People EP /The Age of ADZ
6.LCD Soundsystem - This is Happening
7.Deerhunter - Halcyon Digest
8.Damien Jurado - Saint Barlett
9.The Black Keys - Brothers
10.The Soft Pack – S/T
11.Arcade Fire - The Suburbs
12.Beach House - Teen Dream
13.Caribou – Swin
14.Bonnie 'Prince' Billy and the Cairo Gang - The wonder show of the world
15.John Grant - The Queen of Denmark
16.Grinderman - 2
17.She & Him - Volume Two
18.Sam Amidon - I see the sign
19.Dr. Dog – Shame, shame
20.Here we go magic - Pigeons
21.Stanley Brinks – Hoots
22.Leisure society - The sleeper
23.The Walkmen – Lisbon
24.Midlake - The Courage of others
25.Cloud Cult - Light Searchers
26.Nacho Humbert y la compañía - Ay...
27.The New Pornographers – Together
28.Frightened rabbit - The Winter of mixed drinks
29.Band of Horses - Infinitive arms
30.Vampire Weekend – Contra
31.The National - High Violet
32.Giant Sand - Blurry Blue Mountain
33.Klaus and Kinsky - Tierra trágalos
34.The Drums – Summertime
35.Edwyn Collins - Losing sleep
36. AM - Future sons & daugthers
37.Syd Matters – Brotherocean
38.Firska viljor - For new beginnings

39.Ra Ra Riot - The Orchad
40.The Wave Pictures - Susan rode the cyclone

Tropicalia. Number Two.

2010-12-28T13:00:00.003+01:00

Un programa que no se emite, pero se puede escuchar. Algo que no existe, pero que ha venido para quedarse...Un programa con colaboradores que están, o no...

Bienvenidos al loco mundo de Tropicalia...

Por la senda del neo-country (y III)

2010-12-16T11:29:00.002+01:00

Concluimos nuestro recorrido por el neo-country /americana. Ha sido un placer hacer estos tres programas, con los que nos hemos divertido mucho. Espero que los hayáis disfrutado tanto como nosotros... Esta semana con The Jayhawks, Calexico, M Ward, Devendra, Eef Barzelay...

Por la senda del neo-country (II)

2010-12-09T23:33:00.003+01:00

Continuamos nuestro viaje a través de los caminos musicales del neo-country, esta vez de la mano de Fernando.

¿Breve? repaso de 2010

2010-11-26T14:09:00.006+01:00

Aprovechando que el año se acerca a su fin y que nos hallamos en plena vorágine de la lista de lo mejor del año (ese momento en el que Fernando y yo nos pasamos discos, nos recomendamos cosas y terminamos defendiendo los discos que más nos gustan y hasta desgañitándonos por nuestros favoritos), he elaborado una lista de reproducción de Spotify con una serie de canciones de esos discos.

El criterio es claro: una canción por disco. Eso sí, como en el catálogo de Spotify -aunque completo- no está todo, echaréis de menos algunos discos, algunos grandes discos -Joanna Newsom, Clem Snide, Arcade Fire, Sufjan Stevens...- Pero bueno, aunque importantes, estas ausencias se suplen adecuadamente con las más de tres horas de música que os proponemos.

Para escuchar la lista de reproducción, sólo tenéis que hacer click aquí.

Espero que lo disfrutéis...

Rafa QPH?.

QPH? - Temporada 4, Programa 1 - Por la senda del neo-country

2010-11-25T17:46:00.005+01:00

Wilco, Mazzy Star, Camper van Beethoven, Pernice Brothers, Will Oldham, Giant Sand... iniciamos la cuarta temporada de QPH? -hay que ver cómo pasa el tiempo- con el primero de los tres programas que dedicaremos a repasar uno de nuestros géneros musicales preferidos, el americana o, por centrarlo mejor, el neo-country.

En este primer programa nos centramos en bucear por los orígenes, en rastrear qué es y cómo nace este estilo.

Ya sabéis, tenemos mucha música, mucha buena música, lo que no tenemos es tiempo...comenzamos...

AM - Future Sons & Daughters (2010)

2010-11-18T22:01:00.004+01:00

A través de mis interminables viajes por la red he descubierto este excelente disco, que ha pasado (o al menos a mi y a quienes me rodean musicalmente nos ha pasado) relativamente desapercibido, a pesar de lo bien -de lo realmente bien- que suena desde la primera pista. La propuesta consiste en una mezcla extraña, pero resultona, de muchos y en principio muy variados elementos: sonidos de la costa oeste (pues aunque originarios de Tulsa, AM están afincados en California), ciertas dosis de psicodelia por momentos, una gran dosis de R&B y música negra y, sobre todo, un envoltorio incondicionalmente dedicado a rememorar la música de los setenta, influencia innegable que ellos tampoco esconden, como pone de manifiesto la portada del disco, que encabeza esta entrada.

Poco, o mejor dicho, nada más puedo deciros de estos músicos, pues tampoco resulta muy abundante la información disponible sobre ellos en la red (por no estar, su disco no está ni en el spotify). Lo único que puedo deciros es que llevo dos días escuchándolos en bucle, lo que quienes me conocen saben que, entre lo inquieto que soy y la gran oferta musical que existe, no suele ocurrir más que con los discos que tienen ese "algo" tan difícil de encontrar.

Creo que estoy (musicalmente) enamorado...

Rafa QPH?

Gigi - Maintenant (2010)

2010-11-04T16:00:00.006+01:00

Escribo esta entrada para hablaros de uno de los discos que más estoy escuchando últimamente. Se trata de este "Maintenant", disco de debut del grupo canadiense (de verdad, ¿qué comen en Canadá para hacer tan buena música?) Gigi.

'Maintenant' (Ahora) es un disco que no enamora de primeras. En primer lugar, porque no es un disco que siga las últimas tendencias o las evolucione. Al contrario, es un larga duración de aire muy retro, en concepto y sonido. Cuando lo escuchas tu mente se sitúa musicalmente (o al menos eso me ocurre a mi) en los '60, en los sonidos de 'grupos de chicas', en el dudua, o más recientemente, en el twee pop o el chamber pop.

En segundo lugar, porque no es un disco con grandes canciones que inviten a moverse, saltar, cantar... que transmitan ilusión y alegría... cercanos en este punto a Camera Obscura (¿imposible referencia?), el sonido que destila el disco es mucho más otoñal, un sonido de desamor, de anhelos incumplidos, de melancolía.

Así las cosas, el disco se 'limita' a recrear una fórmula que nos resultará conocida, que es casi tan antigua como la historia de la música pop, como las canciones a dos voces chico-chica. Y todo ello lo hace apuntando muy buenos modos. La primera parte del disco, con las escuchas y una vez que la propuesta me ha enganchado, me parece muy eficaz, con canciones sumamente logradas y trabajadas, que discurren por una aparente sencillez musical, pero que muestran un grupo con mucho estilo y talento.

Quizá el defecto del disco, motivo por el que no termina de parecerme un grandísimo disco, es la irregularidad que presenta y la sensación de "cuesta abajo" que tiene a partir de la segunda mitad del disco.

En definitiva, un disco que me ha gustado mucho, me sigue gustando cada vez más y que quería recomendaros. Os dejo el link del Spotify para quien quiera escucharlo: 'Maintenant' by Gigi

Rafa QPH.

Bunbury & Vegas – Liceu BCN (30 de noviembre de 2006)

2010-10-15T12:49:00.008+02:00

Escribir a estas alturas de la película una entrada sobre Nacho Vegas y confesar en ella lo mucho que me fascina tanto el personaje como su música, no supone realmente una gran novedad y tampoco sé si aporta realmente algo al blog; pero es que hace poco me pasaron el DVD que inmortaliza el concierto que Bunbury y Vegas ofrecieron en el Teatre del Liceu de Barcelona y finalmente lo vi ayer.

Aprecio a Bunbury y alguna de sus canciones me parecen soberbias (“Anidando Liendres”, por ejemplo), pero tampoco es un artista que me apasione. Demasiado estridente quizá para mis gustos y, sobre todo, falto de continuidad. Lógicamente, el motivo que me llevo a ver el citado DVD fue Nacho Vegas (suele ocurrir esto en los discos de colaboración, que cada uno se acerca a él por uno de los participantes).

Y la verdad es que, como siempre, Nacho no defrauda. Desde los momentos iniciales, en los que sin su presencia la banda toca “Días extraños”, hasta que casi al final entona la que ya es su canción emblemática (“El hombre que casi conoció a Michi Panero”), el concierto no tiene desperdicio y es un ejercicio de estilo por parte de los dos músicos, pero especialmente por parte de un Nacho Vegas que llena el escenario con su voz y sus tristes historias de remordimientos, temores, culpas e incomprensiones.

Y es que a mi, personalmente, la música de Nacho Vegas me tiene atrapado. Con un set list que no incluía ninguno de sus himnos (salvo el reseñado “El hombre...”), cuidadosamente seleccionado para ofrecer una unidad de coherencia con el repertorio de Bunbury, también muy bien seleccionado, el peso del proyecto Vegas es apabullante y se aprecia tras cada frase, tras cada silabeo. Canciones como “La fin”, “Gang Bang”, “Ahora”, no dejan en absoluto indiferente, aunque no se comparta esa visión dolorosa, quebrada y desesperanzada de la vida y las personas.

Y no pudo tampoco de dejar de sorprenderme, como me ocurre cada vez que veo a Nacho Vegas en directo, la enorme valentía que se debe tener para sacar todos los demonios personales que se tienen dentro y cantarlos ante cientos de desconocidos. Tímido, frágil, con la única ayuda de su guitarra, que usa como una especie de escudo y con la mirada siempre baja, mirando al suelo, la imagen que proyecta Vegas es un complemento indispensable de sus letras.

Lo dicho, esta entrada tiene por objeto que sigáis comprobando que soy muy fan de Nacho y que no os demoréis en ver este DVD, en el que, por cierto, también canta Bunbury y lo hace muy bien...

Sufjan Stevens - All Delighted People EP (2010)

2010-08-24T19:07:00.005+02:00

Si inicio este post diciendo que Sufjan Stevens es uno de mis músicos favoritos, no estaré sorprendiendo a quienes me conocen, pues lo saben de sobra, pero estaré advirtiendo a los que no me conozcan que reduzcan el entusiasmo de esta entrada en un cuarto.

Como por todos es de sobra sabido, un día el bueno de Sufjan estaba en su casa, con toda su familia, celebrando una de las innumerables fiestas que tienen los americanos para reafirmar su identidad nacional, dada su ausencia de historia reciente (no sé, la verdad, si era el Día de Acción de Gracias, el Día de la Independencia, el Día de la Bandera o el Día en conmemoración de la retirada de Joe Montana), cuando su padre le recriminó su poco patriotismo por estar en la habitación tocando la guitarra en vez de bajar a trinchar el pavo. Se ve que eso incomodó al pobre Sufjan y para demostrar su compromiso nacional les contestó que iba a dedicar un disco a cada estado de EE.UU. (o sea, que iba a grabar 51 discos monotemáticos).

El primer disco del "proyecto de los 50 estados" fue dedicado a Michigan y, la verdad es que es un disco como la copa de un pino. Animado, publicó al año siguiente (para seguir el ritmo y poder acabar el proyecto antes de 52 años) el disco dedicado a Illinois. Y como ya sabéis, le salió una obra maestra de las que marcan época, alabada por público y crítica, lo que le encumbró por méritos propios al estrellato indie y le valió el sobrenombre del príncipe del indie (destronando a Beck en este título, por cierto).

Y ahí se quedó. Sí, vale, publicó un disco de villancicos, una banda sonora inventada y un disco de descartes de Illinoise... todos ellos magníficos discos. Pero parecía como si la responsabilidad de publicar un disco original después de marcarse semejante obra le pesase demasiado y por ello la continuación de Illinoise se ha hecho esperar cinco años.

En este tiempo, las bromas han sido muchas ('no le va a dar tiempo a acabar el proyecto de los 50 estados', 'no espabila', 'está bloqueado'...) y la verdad es que hasta los más fans empezábamos a impacientarnos y a tener dudas.

Y de repente ayer nos despertamos con la noticia sorpresa de que en su página Web, Sufjan acaba de publicar un EP (de una hora de duración) llamado "All Delighted People", que se puede comprar por la módica cantidad de cinco Euros.

Llamar a un disco de una hora de duración "EP" es significativo y manifiesta quizá esa intención de salir al paso de la responsabilidad sin publicar, formalmente, un LP tras Illinoise...

Pero es que el disco es una genialidad, una nueva obra maestra que demuestra el dominio absoluto que Stevens tiene sobre el arte de la composición. Canciones de hasta 17 minutos que se hacen cortas, arreglos imposibles, instrumentaciones grandiosas, canciones que se retuercen y pasan del pop, al rock, a la psicodelía, al post rock, al folk...en la misma pista...

El tiempo pondrá en su sitio a este disco y nos dirá si es o no mejor que el 'Illinoise' (los foros de internet están plagados de usuarios que están convencidos de esto), pero desde luego hay algo que es indudable: esto si que es saber quitarse la presión saliendo por la puerta grande.

Larga vida a Sufjan, el nuevo principie del indie...

El disco lo podéis escuchar en su página Web, aquí

QPH? estrena Twitter

2010-08-18T12:14:00.003+02:00

Pues eso, esta nueva temporada estrenamos Twitter, para que no tengáis excusa y nos podáis seguir puntualmente...

Si queréis añadirnos: http://twitter.com/qphacer

Alister - Aucun mal ne vous sera fait (2008)

2010-08-18T10:28:00.005+02:00

Una de las cosas que más me gusta del mundo de la música es que es, en muchos aspectos, inabarcable. Uno se dedica todo un año a escuchar música, hace su lista de lo mejor del año y para ello escucha más de 200 discos... y cuando pasan dos años descubre un disco de ese año que, no sólo no había escuchado ni había oído hablar de él, sino que además se convierte en un disco que habría ocupado un lugar privilegiado en aquella lista, de haberlo conocido.

Como ya hemos comentado alguna que otra vez, Francia no vive sólo de la chanson, el estilo musical propio de ese país, con el que tendemos a identificar su música. En nuestro país vecino se hace mucha y buena música en todos los ámbitos y también en el pop de vertiente más gamberro.

"Aucun mal ne vous sera fait" (No se os hará ningún daño) es el disco de debut y de momento único larga duración de Alister, un artista polifacético, que toca varios sectores del arte y que en el caso de la música lo borda. Su música tiene muchas y evidentes conexiones con cantantes como Katerine o la música americana de finales de los sesenta. Pero sobre todo, en Alister destacan, como suele ocurrir en todos los ámbitos de la música francesa, cualquiera que sea el estilo, la enormidad y calidad de sus letras.

Y es que en un mundo dominado absolutamente por la influencia anglosajona, a la que tanto debemos ciertamente en materia musical, uno no puede evitar pensar a veces cómo sería este mundillo bajo el influjo de otras culturas, entre ellas la francesa...

Os dejo el link del disco en el Spotify: Alister – Aucun Mal Ne Vous Sera Fait

Rafa QPH.

Math & The Physics Club - I Souldn't Look as Good as I do (2010)

2010-08-16T17:31:00.006+02:00

Pues ya estamos de vuelta. El verano pasó, las pilas están recargadas y, la verdad sea dicha, tenemos unas ganas locas de contaros todas las cosas que hemos descubierto durante estos días, que han sido muchas, muy variadas y, todas ellas, muy recomendables.

Y para ir abriendo boca, uno de los discos con los que más he disfrutado estos días. Un disco alegre, muy adecuado para unos días desenfadados y alegres, como se suponen que deben ser los días de verano. 'I shouldn't look as good as I do' es el segundo disco de estos chicos de Seattle (¡qué tendrá Seattle para que salgan tantos buenos músicos de ahí!), con uno de los mejores nombres que recordamos en mucho tiempo.

Pop suave y liviano, con evidentes reminiscencias inglesas (con los Smiths como referencia innegable) que hará las delicias de quienes quieran huir un poco de tanta vanguardia y sonidos electrónicos.

Lo dicho, esto es un aperitivo, en breve, la nueva temporada de QPH? en radio y web.

Edito para dejaros el link del Spotify: Math & The Physics Club

Estamos de vacaciones ¿No os habíais dado cuenta?

2010-07-15T00:29:00.010+02:00

Pues eso, que nos pillamos vacas. Lo cierto es que julio está siendo un mes de muchísimo viaje (entre otros sitios a la playa de la imagen ;) ) y trabajo (en serio), y dentro de poco vienen las vacaciones de verdad, así que mejor paramos, nos atrincheramos en la música y los cómics, y seguimos más adelante.

En todo caso algunas recomendaciones para el verano en forma de cómics:

Chew (la gran sorpresa del año, no porque sea una obra maestra, que no llega, pero si por que es un cómic de una gran frescura. Sorprendente!)

Pluto (ya termina con el número 8 la genial colección de Urasawa sobre la base de una historia original del Astroboy de Tezuka)

Takemitsu Zamurai (El nº 3 de este genial cómic no baja un ápice el nivel)

Fin de Siglo (La recopilación de dos clásicos de Enki bilal y Pierre Christin, "las falanges del orden negro" y "partida de caza". Muy recomendable)

AIDP 1946 (El mejor mignola de hace muchos años: como iba a titular en el post que ya escribiré, "Dejad que los nazis se acerquen a Mignola". Grande.)

¿Quién ama a las fresas?: ¿quién no ama a Clara Tanit?

2010-06-27T00:46:00.001+02:00

Resultará significativo, y puede parecer incluso cruel, que comience a hablar del nuevo cómic de una autora refiriéndome a su obra anterior. Podría justificarme diciendo que nunca escribí nada de Wassalon (aunque sí lo cité en el programa de radio como uno de los cómics del año), una joya que me encontré en una buena tienda de cómics, cuyo nombre no recuerdo, en Bilbao, por el único motivo de que en aquellos momentos no tenía el Blog. Pero lo cierto es que aunque lo hubiera tenido y ya hubiera posteado previamente sobre el que es uno de mis cómics favoritos de los últimos años, volvería a hablar de él ahora como marco de inevitable e inalcanzable referencia para hablar del nuevo cómic de la joven, talentosa y guapa Clara Tanit. Y es que "¿Quién ama a las fresas?" es un cómic tan de Clara Tanit y Clara Tanit es tan Wassalon, que es difícil, a mí me resulta imposible, hablar de él sin referirme a la que fue su primera obra, la que abrió las puertas del difícil mercado editorial del cómic a una chica genial. Es cierto que podría tratar de hacer un ejercicio de hipótesis, y plantearme mis impresiones sobre ¿Quién ama a las fresas? si no existiera Wassalon, pero es mi blog, y lo que me apetece es expresar lo que yo sentí al leer este cómic, y lo que sentí estaba totalmente determinado por mis impresiones y sentimientos derivados de Wassalon.

La primera sensación al leer ¿Quién ama a las fresas? es que siendo el dibujo muy similar al de Wassalon, y existiendo similitudes de personajes en uno y otro cómic (una lavadora protagonista vs una fresa protagonista, ambas jóvenes, femeninas y desubicadas, aunque por diferentes motivos), el tono era claramente distinto: la frescura agradable y graciosa que uno sentía al pasar las primeras páginas de Wassalon, se transforman aquí en cierta inquietud y trascendencia. ¿Quién ama a las fresas? empieza, al fin y al cabo, en la sala de un hospital, y si bien la sonrisa es inevitable al ver las pruebas de rayos de la cabeza de la fresa, tal expresión se borra pronto pues no puede uno más que pensar que estamos ante una madre que aguarda en la sala de espera noticias de su hija en coma.

"Las escenas dulces y divertidas se suceden con otras no exentas de desesperación y crueldad", dicen los de Astiberri en la contraportada. Es cierto. También lo es que eso ya aparecía en Wassalon, pero siempre con un tono "más dulce que agri" y, sobre todo, con un aroma de ingenuidad que impregnaba todo el cómic que hacía que hasta lo serio y trascendente, incluso hasta lo triste, fuera no sólo soportable sino incluso bello por sencillo y sensible.

Y es que la segunda impresión que uno tiene cuando lee ¿quién ama las fresas? tras haber leído Wassalon, es que Clara ha tratado aquí de ser más trascendente que en Wassalon, donde el único propósito era: hacer un cómic, y casi ni eso. La sencillez de la historia de la lavadora con carácter y sus amigos (patoconejo y el monstruo de la picha fuera que me encantaba pero no se como se llama), se convierte aquí en una complicada búsqueda de sentido de la pérdida de memoria de una adolescente que a su vez está enfrascada en una complicada búsqueda de sentido de su propia vida, muy en relación con la de su madre que tampoco encuentra del todo sentido a su propia relación con su hija. La búsqueda de la identidad en la adolescencia, la influencia en nuestro devenir de las decisiones que tomamos en ella, la necesidad de reconocerse a uno mismo como único, son temas preciosos que están aquí tratados con cariño e inteligencia, pero también son temas complejos difíciles de abarcar por medio de una trama que pasa del sueño a la realidad, del pasado al presente y que no siempre acaba de funcionar.

Esto no ocurría en Wassalon, donde no había apenas trama, donde las cosas sucedían una detrás de otra, o una al lado o encima de otra, donde lo único que importaba era que volviera a salir la lavadora y que le pasaran cosas, donde no parecía pretenderse contar nada y se acababan contando muchas cosas. De hecho se hablaba de las mismas: de la búsqueda de la identidad, de lo complejo que es reconocerse a uno mismo, de la necesidad que todos tenemos en nuestra adolescencia de dar vueltas como una ídem sobre nosotros mismos, y de tantos otros temas trascendentes pero, siempre, de una forma aparentemente intrascendente, suave, delicada, nada pretenciosa y dominada por la dulzura y el humos.

Es cierto, en todo caso que esto último no lo ha perdido Clara Tanit: la dulzura y el humor, aunque en ¿quién ama a las fresas? esté algo más abajo y sea menos visible. Yo, en todo caso, y creo que esto no se contradice con lo afirmado en mi Post, creo que Clara Tanit es lo mejor que ha pasado en España desde Paco Roca, y nadie dibuja mejor lavadoras y fresas que ella, por lo que seguiré comprando todo lo que haga y leyéndolo como única forma de disfrutar de una persona que, por lo que escribe y dibuja, debe ser maravillosa.

Nuevo número de Hebe: Damien Lott y el primavera, cosas de música

2010-06-27T00:33:00.005+02:00

Ya está aquí el número 4 de Hebe, el maravilloso Magazine en Internet en el que colaboramos desde QPH? La verdad es que el número es una auténtica delicia, lo cual podría, dado el nivel de los números anteriores, calificarse como "no es ninguna sorpresa", si no tuviéramos en cuenta lo sorprendente que es que un proyecto de estas características siga adelante y vaya aumentando progresivamente el nivel. Los ilustradores de este número son realmente asombrosos, mereciendo un capítulo aparte la ilustradora que ha diseñado la portada, una auténtica joya sencilla pero cautivadora. También las fotografías, la poesía y todo lo que hay en esta delicia de revista virtual que merece que pasemos un rato con ella.

En lo musical puede decirse que el número 4 de Hebe incluye dos lujos: el primero, uno de los cantantes valencianos más interesantes del panorama actual, Damien Lott, pequeño genio del power-pop más elegante, surgido aparentemente de la nada pero, en realidad, nacido del trabajo, esfuerzo, talento y empeño creativo sin los cuales no podría haber surgido un disco tan magnífico como el que Hebe nos presenta. El artículo corre a cargo de nuestro Rafa Simons, que da rienda suelta a su pluma en un artículo que se acompaña por maravillosos temas de Damien Lott.

Junto a ello Hebe incluye un pequeño artículo mío titulado Primavera todo el año, en el que hago la crónica del Primavera Sound. Los que sigáis este blog podréis pensar que ya estáis sobrados de información sobre el primavera dado que en QPH? dimos buena cuenta de los dos días de festival que cubrimos. Hay, sin embargo, una razón por la que creo que merece la pena que entréis: se trata de la música de fondo que podéis pinchar y escuchar mientras leeis la crónica o cualquier otra cosa, y que es un bootleg que grabé "grabadora en mano" del solo (y después acompañado) de guitarra de Nels Cline y Wilco en Impossible Germany. A mí me sigue pareciendo acojonante. Que lo disfrutéis.

Concierto de Joe Henry (L'escorxador, Elche, Junio 2010)

2010-06-15T22:12:00.013+02:00

Como a estas alturas sabréis (o, cuanto menos, imaginaréis muchos de vosotros, viendo las magníficas entradas sobre el Primavera Sound elaboradas por Fernando) este año -el año del cartel definitivo, en muchos sentidos- no pude asistir al mismo y me he tenido que conformar con disfrutarlo en la distancia a través de las sensaciones que nos ha dibujado este blog. A pesar de ello, y a riesgo de que la entrada que hoy os traigo palidezca frente a la avalancha de información de las anteriores crónicas, no he podido evitar tratar de compartir con vosotros el mágico momento que hace unos días tuve la ocasión de experimentar a resultas de la visita que Joe Henry realizó a la sala L'Escorxador de Elche.

Elche tiene la gran suerte de contar con una excelente sala de cultura, polivalente y funcional, y con una persona o equipo (de quienes desconozco su nombre) con un excelente gusto y criterio a la hora de elegir a los músicos a quienes contratan para dar conciertos en ella. En los últimos tiempos han desfilado ante sus micrófonos artistas de la talla de Clem Snide, Bill Callahan y Parade, entre otros muchos. La programación de L'Escorxador, muy por encima de la oferta cultural media de la provincia, demuestra la importancia de apostar, también, por la cultura, por la calidad y por las necesidades intelectuales de una minoría (quienes nos interesamos por la música entendida como arte y no como mero entretenimiento hecho para bailar).

El caso es que el pasado jueves le tocó a Joe Henry visitar los escenarios de esta sala, en un concierto que, además, era gratuito. Cuando llegué, me llevé la grata sorpresa de que los organizadores habían decidido hacernos un regalo y aprovechar el excepcional tiempo de la ciudad para programar el concierto en el patio de entrada de L'Escorxador, situando el escenario en plena puerta de entrada, al aire libre. Como luego se vio, cuando la luz de la tarde se fue apagando y se dio paso a las luces del atardecer y la noche, que quedaron fundidas con el pop en clave de jazz de Henry, esa decisión fue uno de los elementos determinantes para crear la atmósfera propicia para un gran concierto.

Y es que quien conozca a Joe Henry y haya escuchado alguno de sus trabajos, puede imaginarse sin excesivas dificultades el tipo de concierto que nos ofreció la mezcla de ambos elementos -musicales y contextuales-.

Quien a estas alturas no conozca a Joe Henry (como le ocurría a muchas de las cerca de 200 personas que se acercaron a ver el concierto) tendríamos que empezar por comentarles que es uno de los productores más reputados de la escena musical, habiendo producido a gente como Elvis Costello, Ramblin' Jack Elliot, Loudon Wainwright III, Annie di Franco o Jakob Dylan, entre otros; deberíamos también señalar que ha participado en colaboraciones con otros artistas, como Madonna (de quien es cuñado, al estar casado con una de sus hermanas)...

Pero sobre todo, a quien nunca haya escuchado a Joe Henry habría que señalarle que a través de sus nueve discos publicados, Henry ha creado un universo sonoro personal de un valor incalculable, al haber explorado la difícil línea sonora que separa (o une, depende de como se mire) el pop americano más genuino con otros estilos típicamente americanos, como son el americana, el folk, el blues o, especialmente, el jazz y la música de club.

Del folk y el americana, Joe Henry toma muchos elementos, entre los que especialmente destacan el uso de la guitarra folk y la pose. Y es que, en efecto, en un mundo como el de la música pop, en el que la pose y la imagen es tan importante para transmitir parte del sentimiento que se pretende expulsar, la imagen que crea Henry en el escenario, como tuve ocasión de apreciar en el concierto, es la propio del mismísimo y grandísimo Woody Guthrie; ataviado con vaqueros oscuros y una camisa negra, y portando una guitarra gastada que, según dijo, "tenía muchos años", la actitud que dibujó fue la de un trobador, la del contador de historias de amor, desamor, violencia, lucha, victorias y derrotas, perdedores y marginados que han forjado el universo del folk a través de su historia y dónde Woody Guthrie es el principio y el fin de todo; el auténtico redentor.

Del jazz y la música de club, sin embargo, Henry toma otros elementos; algunos evidentes (como son el piano al que se colgaba con ocasión de algunas canciones o el conjunto de músicos -absolutamente excepcionales en la ejecución de cada nota- de los que se rodea, integrados por un chelo, un saxofón y un batería en la más pura escuela clásica del jazz). Debido a esto, muchos de los sonidos, de la forma de arreglar las canciones de espíritu folk que escribe, son puramente jazzisticos, con el sonido fresco y experimental que esto depara para los que tan sólo de forma ocasional y tangencial nos hemos acercado al mundo del jazz.

Del blues (el estilo al que de forma más recurrente termina recordando), Henry adopta el poso profundamente melancólico que emanan de sus letras y de la forma, dolorosa y extrema, que tiene de interpretarlas; ese sentimiento de pérdida, amargura y, sin embargo, optimismo vital con que los esclavos negros impregnaron la música popular americana y que se encuentran en la génesis de todos los estilos musicales actuales. Si la pose de Henry recuerda a Guthrie, su forma de cantar (excepcional, dicho sea de paso) recuerda a un Blind Henry.

En estos tiempos en los que tan de moda está hablar (y en muchos casos sobrevalorar) la fusión de estilos, concediendo a muchos artistas que mezclan tópicos musicales descontextualizados (no voy a descender en nombres, aunque muchos sabréis en quienes estoy pensando) el carácter de nuevos genios, inventores de la fórmula de la Coca-Cola, a muchos nos da auténtica pena (por no decir rabia) que la extraordinaria carrera de un auténtico genio musical, que ha sido capaz de lograr plasmar en sus discos la alquimia musical de sus predecesores, como Guthrie, Dylan, Waits, Coltrane o Muddy Waters, esté pasando relativamente desapercibido, incluso en los ámbitos musicales más cultos.

Y es que el concierto al que tuve la suerte de asistir me situó en una noche ilicitana ante un artista capaz de transmitir como pocos, capaz de crear con cuatro instrumentos y el don de su voz todo un universo sonoro que me transportó en lo musical ante los fundamentos de la música a la que tantas horas dedico y, en lo emocional, ante historias contadas como sólo los grandes contadores de historias (músicos o no) saben hacerlo: de manera sencilla y directa, dejando entrever muchas más cosas de las que dicen, abriendo a la imaginación una historia de la que sólo se dan pinceladas, lanzando mensajes y reflexiones sobre situaciones vivenciales a las que, en mayor o menor medida, todos nos hemos visto expuestos.

Decía Joe Henry en un momento del concierto que sentía no hablar español para que el publico pudiese entender lo que decían sus letras... y estaba en lo cierto, a Joe Henry hay que escucharlo entendiéndolo, pues ahí está parte de la magia de su música.

Escuchar a Joe Henry en concierto me recordó nuevamente el motivo por el que vivo enamorado de la música, el motivo por el que sigo teniendo el hambre voraz que me lleva a deglutir horas y horas de música al día: porque la música es la creación humana que más y mejor consigue emocionarme y alimentar mi alma.

Muchas gracias por la experiencia, Joe.

Crónica del Sábado en el Primavera (Parte II)

2010-06-08T18:12:00.005+02:00

Lo primero es que he de reconocer mi absoluta ignorancia, dado que no sabía que era Jeffrey Lewis el que estaba detrás de The Bundles. El caso es que al no tener previsto en un principio quedarme el sábado, no me había informado de quienes estaban detrás del citado nombrecito, pero al llamarme la atención el nombre y no tener nada más interesante que ver (The Slits, tampoco me apasionaba la idea), decidí acercarme hasta el escenario Vice y ver a los tales The Bundles. Desde el escenario ATP hasta el vice hay que subir primero una cuesta y después bajar unas escaleras hasta llegar al lateral vallado del escenario que hay que bordear hasta entrar al mismo y encontrártelo frontalmente. El caso es que mientras uno bordea el escenario se oye la música y, si se para a mirar por algún roto de la valla, se puede ver a una distancia razonable al grupo que toca. Cuando llegué a la cuesta empezó el concierto; cuando la bajé ya estaba absolutamente extasiado y en un pequeño hueco que había entre dos vallas paré para ver si es que los Moldy Peaches habían bajado del cielo de mis ilusiones folk para redimirme de mis errores primaveriles pasados y darme otra oportunidad. Y entonces los ví, había dos tíos con guitarra y bajo disfrazados con múltiples chaquetas y gorros en pleno sol de Barcelona, y otro detrás aporreando la batería que ya se lo había quitado todo excepto el bañador y la camiseta. Si no eran los Moldy Peaches lo parecían: frescos, puros, divertidos, rock, pop, punk, lo fi pero de muchos quilates, por mucho que a algunos les gustase la etiqueta anti-folk. Esto fue lo que oí y ví después de correr y llegar a las primeras filas.

Y es que cuando llegué al escenario, pues no había mucha gente y me acerqué hasta la segunda fila, ya me apercibí de que el que estaba allí arriba, debajo de un gorro de esos que deben usar en Alaska, aporreando la guitarra, debía ser Jeffrey Lewis, y entonces empecé a buscar a Kimya Dawson. Pero parece ser que el destino me tiene reservada una cruel broma consistente en impedir que vea aunque sea a tan sólo una parte de los Moldy Peaches, pues ese día Kimya falló. Así que me tuve que conformar con la gloria de escuchar a The Bundles. Sólo diré que me lo pasé literalmente pipa, pero pipa, pipa, pipa, se me pasó toda tontería posible, se me quedó cara de tonto, más todavía quiero decir, y disfruté mi mejor (empate con algún otro si seguís el report) momento del Primavera. Comparto un poquito y sigo relatando:

El caso es que después de tal joya de concierto la cosa ya difícilmente podía mejorar. Me pasé por The Antlers, para ver que tal, pero entre que comenzaron algo lentos y que a mí todo ese rollo no me mata, decidí acercarme al que para mí era otro momento fuerte del festival: Grizzly Bear primero y Built to Spill después. Ambos fueron dos grandísimos conciertos, el primero de unos que se consagraron en directo con un magnífico sonido y mucha entrega, y el segundo de una banda infinita que sonó como nadie lo había hecho, potente, contundente y pop a la vez. Grizzly Bear llenó el escenario Ray Ban, y fue de bastante a más en un concierto que fue un completo repaso a su magnífico último disco (tercero en 2010 según QPH?). Momentos álgidos del concierto hubo varios, pero me quedo con la maravillosa "While you wait for the others", y con "Two Weeks", de la que está este video que tiene mala imagen pero refleja perféctamente el magnífico sonido.

De Built to spill hay poco que decir. Vi el concierto desde muy lejos, pero es que da igual, lo de esta gente es superlativo. Si estos hacen pop-rock no sé entonces cómo deberíamos llamar a lo que hacen los demás. Sólo prestad atención a este minutito corto de vídeo de Carry the Zero. Magnífico. Fue para mí otro momento grande del festival, casi un regalo que me transportó a cuando empecé a darme cuenta de que había otros mundos pero estaban en este.

Decidme si esta banda no está a la altura de Wilco....(y después buscad el video completo en algún otro concierto y disfrutad)
Y después otro grande, Sunny Day Real State. Ese concierto lo viví de cerca, no se porqué pero me situé cerquita y poco a poco, conforme una cantidad importante de flipados iban saltando como locos, me fui alejando. Sunny Day real State hicieron simplemente un concierto "SIN CONCESIONES", de una potencia y agresividad espectaculares. Hasta el punto de que para mí fue demasiado: hubo un momento en que el hardcore, aunque algo menos acelerado, era evidente, demasiado para mi body.

Y Hablando de Body, llegó el que se presumía era el gran momento de la noche: Pet Shop Boys. Lo de estos chicos realmente tiene un mérito increíble: mantenerse en el éxito durante tres décadas y seguir pareciendo modernos y puros, a la vez, es algo realmente complicado. Yo he bailado a los chicos de la tienda..., tanto como el que más, y aunque nunca me he considerado un gran seguidor suyo, me lo pasé en grande viendo el montaje que tenían y disfrutando de sus hits que, aunque tardaron algo en llegar, cuando comenzaron a sucederse fueron imparables.

Antes de terminar me pasé por Lee Scratch Perry, que montó un muro de sonido reggea realmente espectacular; y terminé con Ben Frost, entre scratchs y ruidismo abstracto imposible y mirando al mar, desde una colina en Barcelona en la que me acabé de convencer de que si el fin de semana perfecto existía debía parecerse bastante a ese.

Crónica del Sábado en el Primavera (Parte I)

2010-06-06T20:25:00.004+02:00

Resulta difícil escribir una semana después las sensaciones percibidas en el que fue el último gran día del Primavera Sound. Me era imposible hacerlo antes, y por momentos me ha parecido imposible hacerlo ahora, cuando ya ha pasado lo que en el mundo digital es más que una eternidad. Pero ha sido abrir el folleto del primavera, ver algunos de los nombres de los grupos que más disfruté, y decidirme a disfrutar otra vez de la memoria de un día antológico en el que las sorpresas superaron a las confirmaciones y en el que la grandeza de un evento como el Primavera Sound volvió a demostrarse. Justo el día en que las sensuales Shakira y Rihanna triunfaron en el estratosférico Rock in Rio, yo me sumerjo de nuevo en la belleza de Clare and The Reasons, me emociono escuchando desde mis neuronas "While you wait for the others", y sonríe mi boca y mi alma hasta el máximo físico posible mientras vuelvo a ver en mi mente a The Bundles en el que fue uno de los momentos más felices de mi maravillosa experiencia periodística gracias a Hebe en el Primavera Sound.
Sin embargo, el primero de los momentos felices, quizás el que más fuertemente experimenté en todo el festival, tuvo lugar unas horas antes, a las seis de la tarde. De nuevo el primavera ponía las cosas complicadas desde el principio: la película de animal collective parecía un truño con tremenda capacidad de somnolencia teniendo en cuenta que el día anterior había terminado con The Bloody Beetroots Death Creaw 77 y que el susodicho film comenzaba a las 4; pero la cosa mejoraba a las cinco de la tarde: la gran Lidia Damunt en el Pitchfork y Bigott en el Vice podrían ser dos grandes conciertos, pero entre que tenía que elegir y que estaba reventado decidí apostar por pasar un ratito en el Auditori. La verdad es que tenía poca información de quienes eran Clare and The Reasons: neoyorkinos, en plan músicos de cámara haciendo pop y acompañantes de Van Dyke Parks en la gira que llevaba a este al Primavera. Sin embargo en mis primeras investigaciones había visto un magnífico vídeo, por naíf y envuelto en una música maravillosa, titulado Pluto que hacía que tuviera expectativas de ver un concierto cuanto menos interesante. Pero no esperaba lo que pasó.

El concierto de Clare and the Reasons fue uno de esos instantes gozosos que uno vive no en un momento y en un espacio determinados, sino en ningún lugar y ningún tiempo, dentro, tan sólo, de las emociones personales que quedan marcadas en la mente y que se agolpan a veces como si estuvieras viviéndolas en ese mismo segundo. Era como si las maravillosas, sencillas pero perfectas notas que surgían de los 8 integrantes de la banda hubieran creado un pequeño Aleph particular que apareció ante mí allá por la tercera o cuarta canción, en un instante, que no lo era, en el que ví a mi padre, su pelo blanco y su cabeza sin pelo, su sonrisa y su bata blanca el día que me enteré, y ví sus células y su lucha y su tristeza y alegría el último momento en el que le abracé, y ví a mi madre y mis hermanas llorando y abrazándome en Alcoy, y a Esther de visita en Alzira, y a María en mis brazos, a mí mismo llorando y manchándole el vestido blanco con mis lágrimas mientras la cogía y le decía ya estás ací, y ví su pelo rubio infinito y el pelo rubio y ensortijado que ya no era de ella si no de Esther, y entonces vi a Esther en Torreblanca mientras la invitaba a un café, y a ella y a mí desgarrados de dolor en la habitación de la que fué nuestra casa en benito pérez galdós, y de nuevo los dos agarrándonos y luchando por Alicia en una habitación en la que no podíamos estar más solos y más acompañados, y de nuevo a mi padre en mi tesis, y a Esther en la playa y en casa con las niñas, y vi a Los Planetas en Santa Pola el 29 de mayo de 2000, y a Hefner y a Astrud y a Red House Painters en benicassim, y a Spiritualized y The delgados y Clem Snide en el Pueblo
Español, y escuché las notas de Impossible Germany mientras me agarraba Isra por los hombros mientras, en realidad, estaba sentado bajo las estrellas del auditorio bajo un triángulo azul y plateado oyendo a Clare and the Reasons.
Tampoco yo entiendo porqué tuve uno de esos momentos, escasos pero no irrepetibles, en los que las emociones se agolpan y se siente más vivo que nunca, justo cuando tocaban Clare and The Reasons. Puedo intuir que no fué únicamente gracias a ellos, a su concierto, sino que tuvo que ver el haber sido un mes loco de trabajo y el estar disfrutando un festival único gracias al apoyo de mi familia y amigos, pero es indudable que ayudó a que surgiera el brillante grupo, desconocido hasta el momento, que hizo la música más bonita del día. Y es que esa es la clave de Clare and The Reasons, que hacen música bonita, bella, maravillosa, en ningún caso hortera ni empalagosa, pero sí hermosa y dulce música. Del grupo ya hablaré más adelante, cuando oiga bien alguno de sus dos discos; ahora sólo tengo en mente su concierto, ese que, como dijo Clare, hacían por primera vez dentro de un triángulo y no dentro de cuadrados, rectángulos o esferas, en el que se sintieron a gusto y crearon un muro hermoso de melodías y harmonías clásicas, casi cinematográficas, lejanas a los ruidos rock que predominaban en el festival. Porque, esto no puede negarse, Clare and The Reasons fueron una de esas normales anomalías del Primavera Sound, uno de esos bocados exquisitos que uno se suele encontrar a primera hora de la tarde pero sólo en un festival como el Primavera que, en eso, ha sustituido totalmente al primero que adoptó la filosofía de "calidad por encima de todo y para todos" que en algún momento de su pasado sustentó benicassim y hoy tan sólo se sigue en festivales más pequeños como el Tanned Tin.
En esa línea de calidad total, aunque no para todos, siguió el Auditorio con el concierto de Van Dyke Parks.

Son gotas de un elixir muy exclusivo las de este genio que nunca triunfó ni falta que le hizo. Su prestrigio es inmenso pese a que su disco más reconocido es un absoluto desconocido. Song cycle, una joya a reivindicar por lo única e inimitable que es, no es el único mérito de Van Dyke, sino más bien su mítica relación con Brian Wilson en la creación del nunca acabado, aunque reciéntemente editado como tal, disco Smile. El caso es que en la última canción de Clare and The Reasons ya apareció el bueno de Van Dyke al piano: un viejecito de 67 años acompañado por tres de los músicos del grupo de Brooklyn, irradiando personalidad y genialidad en cada nota, hablando en catalán y refiriéndose a Catalonia, contando el momento en el que compuso cada una de sus canciones, refiriéndose a su preocupación por la degradación del planeta y por la necesidad de una conciencia ecológica, o presentando por primera vez en directo una canción titulada Black Gold dedicada al terrible suceso del Prestige. Amor por la música, nada más y nada menos que eso en un concierto que fue más emotivo por lo que significaba que por lo que musicalmente el mismo representaba.

Ver a Van Dyke Parks había supuesto renunciar a Dr. Dog, uno de mis grupos del año sobre el que hablaré más adelante. Llegué en cambio a tiempo de ver a Nana Grizol, los que se venden como cenizas del mítico proyecto elephant 6 que tan buenos discos nos dio. Lo que ví, sin embargo, no tenía mucho que ver con Neutral Milk Hotel, sino que se acercaba a un pop con tintes punk debido a la rapidez de los temas y a las dos baterías que se aporreaban a la vez como en una especie de competición. Lo cierto es que no estuvo mal el concierto, pero nada más que eso. Por eso cogí el portante antes de que terminara el concierto y me fuí a ver a Sian Alice Group, con los que me pasó algo parecido. La estética era interesante, con ella monísima vestida con camisa negra y falda roja que se correspondían los labios rojos y el largo pelo negro, y la música sonaba bien, pero apenas transmitían, así que a los 10 minutos del concierto decidí irme a ver a The Bundles. !!!!Gracias a Dios!!!!
Sigo después

Nick Garrie - The Nightmare of J.B. Stanislas (1969)

2010-06-03T23:01:00.004+02:00

La historia de Nick Garrie es la historia de muchos músicos y de muchos grandes artistas que, por azares de la vida, nunca recibieron el reconocimiento que debían en función de los méritos que presentaban. La historia de tantos y tantos creadores geniales que alumbraron obras revolucionarias e imperecederas que quedaron postergadas a ser un tesoro escondido al alcance de unos pocos “entendidos” y vedado al disfrute del gran público.
La historia de Nick Garrie en este sentido es peculiar: un chaval inglés de unos recién cumplidos veinte años viaja a Francia para grabar un disco producido por Lucien Morisse para el sello AZ. La grabación es ambiciosa, pues Garrie a pesar de su corta edad se encuentra completamente embebido por la escena pop barroca y las figuras de personajes impresionantes como Brian Wilson, Van Dyke Parks, Left Blanke, Billy Nichols o Chad & Jeremy... y necesita para plasmar en vinilo el sonido que lleva en su cabeza, una banda de 56 músicos.
El disco finalmente se graba, debido al empeño de Lucien, que pone todos los medios a disposición del bueno de Garrie... Pero como decíamos al principio, Nick no es un tipo con suerte y a pesar de haber grabado una obra maestra, ve como a las pocas semanas Lucien Morrise, su único valedor, se suicida y el disco se queda sin promoción, arrinconado en las estanterías de algunas tiendas de discos.
Como podéis imaginar, la desilusión de Garrie es total y abandona prácticamente el mundo de la música. Todavía tendrá un efímero éxito firmando algún hit bajo el pseudónimo de Nick Hamilton, pero el disco grabado en 1969, queda olvidado.
Hasta que, poco a poco, un grupo de auténticos “frikis” lo redescubren y comienza a convertirse en una joya de coleccionista en ámbitos musicales cultos (como dato, diremos que los vinilos originales han llegado a venderse por 1200 euros) y, lentamente, lo que comenzó siendo un secreto compartido entre los doctos seguidores del pop barroco (la extraordinaria calidad de las canciones que integran el trabajo) pasa a ser un secreto a voces, gracias a las citas que muchas bandas empiezan a hacer de este disco como influencia y, sobre todo, a la capacidad amplificada del “boca a oreja” que nos trajo internet.
El disco del que hablamos se llama “The Nightmare of J.B. Stanislas” y es, sencillamente, una absoluta maravilla que ningún buen aficionado a la música debería dejar de escuchar, al menos una vez en la vida, aunque sólo sea para convencerse de que el mejor disco es aquel que aún está por descubrir. Canciones como la que da titulo al disco, Ink Pot Eyes, Stephanie City, Bungles Tours... deberían haber constituido auténticos clásicos generacionales si Nick Garrie hubiese tenido un poco más de suerte y no hubiese tardado ¡30 años! en publicar su segundo trabajo (“49 Arlington Gardens”, 2009). Todas éstas son canciones de pop perfecto, cercanas en su justa medida a la escena psicodélica inglesa, sin entrar nunca en ella, construidas sobre la base de una orquestación profesional y completa, que resumen una de las etapas más gloriosas de la música pop (los años '66 a '73).
En definitiva, como no sólo de novedades vive el melómano y la mejor sensación que éste puede tener es descubrir un disco que siempre estuvo ahí, aun cuando no lo hubiese escuchado nunca, os recomendamos encarecidamente que escuchéis “The Nightmare of J.B. Stanislas”, una auténtica joya oculta del pop.

Yo, por mi parte, cada vez que voy a una tienda de discos o a una feria del disco antiguo, no dejo de buscar este disco, a pesar de las caras de los pobres vendedores que me espetan, tras poner cara de "este es más friki que yo", un "¿Nick qué...?"... sé que un día lo encontraré...

Crónica del Viernes en el primavera (Parte II)

2010-05-31T09:49:00.011+02:00

Me había quedado en el concierto de WIlco. Leí en la crítica que hacía el periodista de La Razón (único periódico del hotel, que conste) que el concierto había sido “sólo correcto”, mientras que engrandecía la valoración del de los Pixies. Supongo que habrá argumentos emocionales, como los hay en mi caso pero en sentido inverso, que puedan a la razón, pues no se puede considerar correcto un concierto que empezó fatal y que sólo la profesionalidad y genialidad de Jeff Tweedy pudo conseguir que acabara siendo magistral. La cosa empezó con Wilco, the song, pero con unos problemas de sonido bestiales que hacían que sólo se oyera la guitarra de Jeff, el bajo y la batería, sin noticias, por tanto, de las otras guitarras (incluida la de Nels Cline cuyos dedos retorcían sus cuerdas inútilmente) ni de los teclados. Así continuó la canción con un Jeff que no hizo ningún aspaviento a la mesa del tipo “súbeme aquí”, “bájame allá”, “dame más de esto”, “lo otro se oye demasiado”, o parecidos. Por el contrario se centró en la canción, que sonaba fatal, pero había que acabarla. Parecía que no le importara, pero era todo lo contrario. Terminó la canción con una leve mejora (se oía al grande Nels), y continuó con la siguiente del repertorio mejorando poco a poco el sonido, y mientras la segunda canción sonaba Jeff se acercó a cada uno de la banda a decirles algo. Al finalizar la canción paró el concierto, dio la bienvenida al público y dijo, bueno, “supongo que os habréis dado cuenta de que tenemos algunas dificultades. No parece que podamos tocar bien las guitarras y eso, así que ¿Por qué no cantamos juntos una canción?” Entonces cogió la acústica y sólo con el teclado y la batería se puso a cantar “Jesus, etc.”, dejándole todo el peso de la canción al público que se entregó por completo a su grupo mientras éste aprovechaba la inteligente comunión creada por Jeff para arreglar con los técnicos los problemas en la guitarra de Nels y alguna cosa más. Aquello fue ¡INCREÍBLE!, alucinante. No puede considerarse meramente correcto un concierto en el que su líder, en vez de quejarse del sonido, lo soluciona con la maestría con la que lo hizo Jeff Tweedy, creando una atmósfera especial con la gente que, a partir de ese momento, ya estaba entregada.

En la siguiente canción, y después de la primera estrofa, Jeff dijo “We´re back”, y era cierto. Ahí estaba Wilco, el gran grupo, la mejor banda de rock del mundo, la que tiene el mejor repertorio y los mejores músicos, la del mejor batería y el más espectacular guitarra, la del líder enamorado de la música hasta los poros. Y claro, tanta calidad y amor no pueden más que acabar en el mejor concierto del festival, rock estratosférico basado en los cuatro últimos álbumes de la banda que tuvo momentos álgidos como en One Wing, I´m trying to break your heart, I hate it here, heavy metal drummer, Bull Black Nova o la esperadísima imposible Germany que nos hizo llorar a muchos que la estábamos esperando aun antes siquiera de haberla ellos creado.

La guitarra de Nels, de nuevo, se levantó sobre el mar de Barcelona y arropó la bella letra de Jeff para permitirnos a cada uno de los que allí estábamos cogerla y hacerla nuestra, convertirla en lo que cada uno necesita en ese momento. La magia existe, allí se hizo.
El festival había terminado, pues, ya nada hacía falta, todo lo que después vendría no cambiaría el hecho de que nuestras esperanzas estaban absolutamente colmadas. Pero ello, en vez de hundirnos, nos relajó: ya habíamos visto lo que había que ver, ahora sólo quedaba seguir disfrutando. La primera apuesta tras Wilco era arriesgada: entre Cold Cave y Shellac aposté por Cold Cave, esencialmente porque comenzaba quince minutos antes y estaba mucho más cerca del escenario principal que el grupo de Steve Albini. Probablemente si hubieran estado en el mismo lugar hubiera ido a ver a Shellac a saltar y disfrutar, pero quería estar puntual con los Pixies, así que aposté por los, para mí desconocidos, Cold Cave y, acerté. No es difícil en un festival así hacerlo, pues como diría el genio de hortaleza, “aquí el más tonto hace relojes”, pero lo cierto es que Cold Cave fue una agradable sorpresa. Un batería detrás y tres teclados delante, todos de negro, y uno de ellos una chica con la melena rubia cayendo incesantemente como lluvia sobre el teclado que bolpeaba con fuerza, la potencia estética del grupo ya era realmente magnífica. A ella habría que sumar un sonido atronador de teclados que remitía a algún lugar entre New Order, por el fondo pop, y Kraftwerk por que ni se esperaban a las guitarras ni falta que hacía, que consiguió por un momento hacernos olvidar Impossible Germany y volvernos zombies moviendo la cabeza arriba y abajo tal y como hacían ellos. Grandes en directo Cold Cave, grandes.
Y después nuevo momento grande del festival: los Pixies, los papás del indiesmo, si es que eso ha existido alguna vez, los que se adelantaron tanto a su tiempo que cuando volvieron, décadas después, aún eran (son) actuales. Actuales pero clásicos, como sus canciones que, una detrás de otra sonaron como si estuvieran compitiendo entre sí por ver cuál era más berreada por el público.

Éxito tras éxito no les fué nada difícil conectar con un público que a partir de la hora de concierto ya comenzó a echar en falta el "Where is my mind" que fue la última canción de un concierto rotundo y muy profesional. ¿Es posible que se echara de menos un poco de caos? La verdad es que los Pixies estuvieron impecables, y eso era algo extraño: Franck prevalecía enormemente frente a una Kim desdibujada que no demandaba nada de protagonismo, y quizás esa ausencia de lucha de egos se dejara notar ante el público. Demasiado pulcro para ser los Pixies.

Eran las dos de la noche cuando decidí dejar los últimos temas para el resto e irme a la que sería otra de las grandes sorpresas del festival. La verdad es que lo tenía apuntado como imprescindible en mi agenda, pues lo que había visto por Internet de ellos me había impactado. Black Math Horseman son una extraña banda en los tiempos que corren por varias razones: en primer lugar porque suenan casi heavys, muy potentes y poderosos; en segundo lugar porque mezclan tal estilo con pura psicodelia; y en tercer lugar porque suman a todo ello un predominio de la parte rítmica poco frecuente.

A ello habría que unir la presencia de la vocalista, Sera Timms, que también tocaba el bajo, morena de pelo largo de personalidad arrolladora y aspecto algo tenebroso, que con sus sonidos guturales iba tejiendo una maraña hipnótica de la que es difícil salir una vez entras. Es como si a Low les hubieran puesto pilas: más rápidos, más potentes, pero igual de intensos (o casi). Grandísimo concierto el de Black Math Horseman.
Y el último regalo de la noche fue The Bloody Beetroots Death Crew 77. A priori se trataba de un grupo de caña al mono en plan chemichal Brothers baratos pero con estética Trash, y a posteriori se convirtió en un grupo de caña al mono en plan Chemichal Brothers, pero para nada barato, con estética Trash. Impresionante la que montaron los tres flipaos con máscaras de venom (que no bragas, que os juro que lo he leído en una crónica !bragas en la cabeza!) en un concierto que puso frenética a la gente. Lo cierto es que el sonido era alucinante y dentro de cierta aspereza techno se dejaban ver algunas melodías tipo Daft Punk que hicieron ma´s que disfrutable el concierto con el que acabé uno de los días musicalmente más completos de mi vida.

Resumen del primer semestre de 2010

2010-05-31T09:08:00.003+02:00

Una de las muchas virtudes del Primavera Sound (festival de música donde los haya) es marcar el ecuador musical del año, al estar programado a finales del mes de mayo. Alcanzamos ya el mes de junio, por tanto, de un año que está siendo realmente interesante en lo musical, con una serie de discos que nos están gustando mucho.

En QPH, estando como estamos locos por las listas, ya andamos pensando en las listas de fin de año y aprovechamos este momento para poner en orden los discos que llevamos escuchados y, sobre todo, tomar nota de los cientos de discos que aún nos quedan por disfrutar.

Ya que estábamos liados en semejante tarea, hemos aprovechado para prepararos una lista de reproducción (gracias a la inestimable ayuda del imprescindible hoy en día Spotify) con alguna de las canciones de los discos que hemos escuchados. No están todos (pues el Spotify, aunque completo, no lo tiene todo -por ejemplo, mi disco favorito del año, el de Clem Snide- ni las canciones seleccionadas son las mejores de cada disco -también es bueno apostar por la variedad-, pero los que están nos gustan mucho.

Bueno, esperamos que la disfrutéis: QPH? - Resumen 2010

Viernes en el primavera sound I (De Owen a Spoon)

2010-05-29T17:19:00.007+02:00

Aún tengo en la cabeza el concierto de Wilco de anoche, y no sólo figuradamente, pues me he levantado y lo tercero que he hecho, tras ducha y llamadas, ha sido ponerme el ipod para escucharlos. Lo emocional supera siempre a lo racional, y en este caso ambos factores, uno el no haber oído nunca a un grupo que formaba ya parte de mi vida como pocos, y el otro el que se trata de una de las bandas más potentes, profesionales y con mejor repertorio, por no decir la más, que existe en la actualidad, hacen que fuera el de Wilco el “concierto de la noche”.

Pero volvamos al principio y empecemos la crónica de un magnífico día por donde debiéramos haberlo hecho. Como un campeón me planté en el auditori para ver a Owen Pallett, el que debiera ser considerado “el hombre orquesta del futuro” o “él mismo con su mecanismo”, que, por cierto, y según me explicó un colega músico que tenía al lado, se llama Loop Station (o algo así).

Se trata de unos pedales bastante sencillos de utilizar aparentemente, pero con una gran complejidad para llevar a cabo el desarrollo perfecto de melodías concatenadas tal y como lo hace Final Fantasy (perdón) en directo. Comenzaba con el teclado o con el violín una pequeña melodía (algo pequeñito, perdón) y creaba un loop sobre el que empezaba a realizar otra música, y la repetía de nuevo por medio del Loop, y así sucesivamente, hasta que iba creando una música maravillosa en la que parecía haber cinco violines, tres teclados y cuatro personas cantando, y que iban apareciendo y desapareciendo como por arte de magia, y todo eso en directo y sin perder nunca el ritmo. ¡Alucinante! Le acompañaba un guitarrista que parecía tan traspuesto como el público, que respondimos a las maravillosas canciones de Owen, con un “todos arriba y a aplaudir” tan sorprendente como justo. Un 9, sin duda.
Muy distinto fue el siguiente concierto del Auditori, el de Hope Sandoval & The Warm Inventions.

La pureza tiene esas cosas, si uno quiere mantenerse separado del mundo y unido sólo a uno mismo como forma de creación personal universal, es posible que acabe transmitiendo cierta frialdad. La exigencia, repetida hasta la saciedad, de que no sacaran fotos “por petición expresa de la artista”, no fue más que un detalle respetable dentro de una idea de privacidad creativa que acaba por afectar a la relación con el público: el concierto empezó con demasiada distancia. Aun estando en primera fila, a menos de 10 metros de la bellísima Hope, parecía como si su fragilidad hubiera exigido la construcción de un muro de cristal imposible de traspasar. Vamos, todo lo contrario del concierto de Owen Pallett. Aun así, a partir de las tres primeras canciones, la belleza musical de una banda que está totalmente “hecha para ella”, llegó a transmitirse al público. El muro de cristal empezó a convertirse en “muro de psicodelia folk” de gran belleza al que uno podía acercarse y pasear entre guitarras eléctricas que no llegaban a explosionar, teclados evanescentes y otros muchos sonidos entre los que prevalecía la, todavía igual de maravillosa, voz de la ex vocalista de la irrepetible banda Mazzy Star.
Parece ser que todo lo contrario a frialdad fue lo que después transmitiría Low, pero no puedo dar fe de ello pues estuve en los New Pornographers. Los motivos de la elección fueron más personales que relativos a la importancia del concierto (Low tocando the Great Destroyer en el Auditori podía ser lo más), pero no me arrepiento pues fue grande el concierto de los canadienses. No debe ser fácil ser los primeros en abrir un escenario en el que, encima, van a tocar después grandes como Spoon, Wilco o Pixies, pero el entusiasmo vence cualquier barrera, y la banda de AC, Neko, Danny y compañía lo derrochó a raudales. Basando su repertorio en los dos últimos discos, y surtiéndolo de gotas de pop majestuoso de los anteriores, consiguieron The New Pornographers transmitir al público todo su vitalismo e inteligencia pop en un concierto que, como los buenos, fue de menos a más.

A partir de aquí la cosa empieza a diluirse hasta Wilco. En vez de ver conciertos completos me dediqué a ver trozos, unos más cortos otros más largos, unos buenos otros extraordinarios, de conciertos. Desde luego ninguno malo, y eso es algo realmente meritorio en un festival: fueras dónde fueras siempre había algo que te estabas perdiendo que era buenísimo, y algo que veías que hacía que mereciera la pena que te perdieras lo otro.
Empezamos por Scout Niblett, la nueva niña mala del rock cuyo aspecto desaliñado Grunge que te obligaba a preguntarte si se había puesto una falda encima del pijama, demuestra que las modas le importan un pedo.

Tan sólo escuché cinco temas, pero fue más que suficiente para quedarme embobado viendo la verdad de la niña: ella en la guitarra y acompañada por una batería marcaba un ritmo lento pero potente que te obligaba a pensar en PJ pero, también, en otras buenas chicas malas de los 60 y 70 como Janis Joplin o Grace Slick, no tanto por la música, que no se acerca nada a la psicodelia, como por la actitud. El momento (que pude inmortalizar en esta foto) en que dejó la guitarra, se sentó en la batería dejando a su acompañante como espectador, e improvisó un rock garajero sin nada más que las baquetas y su voz, fue ¡acojonante! Me quedé con ganas, la verdad, de haber estado desde el principio.

Después tocaba el momento chungo: elegir entre Beak, Spoon y Condo Fucks. Yo había elegido Spoon, pero también tenía que trabajar, y había quedado con un entrevistado con el que hubo más que buena sintonía y quería ver a Condo Fucks. Siempre entrevisto a gente inteligente, y decidí hacerle caso e irme con él a ver a mis chicos preferidos disfrazados de revisionistas garajeros. Y lo que me encontré fue a Ira, Georgia y James con un sonido distinto a aquél con el que nos deleitan desde hace muchos años, pero con la misma profesionalidad y pasión por la música de siempre. Nada más llegar al escenario pensé, pero si son ¡Yo la tengo!, y lo eran, ella en la batería, como siempre, James en un aparente segundo plano pero llevando la cuerda que ata a Ira al suelo, y éste disfrutando como nunca con la distorsión guitarrera. Enlazando canciones una detrás de otra y sin parar Condo Fucks hizo un gran concierto que no terminé del todo pues decidí acercarme a ver algo de Spoon. Poco, tres canciones, pero suficiente para percibir que debió ser un grandísimo concierto de una banda que ha encontrado el reconocimiento cuando ya eran mucho.

Tras Spoon estaba previsto ver a Beach House, y aquí el único “pero” al festival. Dentro de una organización realmente extraordinaria sólo podría alegarse una queja relativa al hecho de poner a Beach House en un escenario tan pequeño como el ATP. Quizás el año pasado cuadrara, pero este grupo es ya demasiado conocido e importante como para eso. Competía con pesos pesados como Coco Rosie o Wire, pero todos quisimos ver a los de NY y no todos pudimos hacerlo. Yo los ví muy de lejos, demasiado, no tanto como para no apreciar el maravilloso y cálido sonido de una de las mejores bandas de pop etéreo-acuso-moderno-collectiviiano, del momento, pero sí para perderme los detalles emocionales de un grupo que debe ganar en las distancias cortas. Y de allí a Wilco. Pero eso, y lo que vino después, será en otro post. Ahora tengo que prepararme para otra complicada sesión de trabajo ;)

Adèle Blanc-sec Vs Century 1910 La liga de los hombres extraordinarios: el retorno del folletín y la aparición del cómic-musical

2010-05-26T20:43:00.005+02:00

He tenido que esperar más de 10 años, desde que leí en un mítico especial de factory sobre los mejores cómics de la historia una reseña de "Adele y la bestia" (el cual ya he perdido), para leer en castellano Las extraordinarias aventuras de Adèle blanc-sec, el cómic de Tardí que comenzó a editar en 1976 y que es reeditado en España ahora por Norma aprovechando que Luc Besson ha rodado una película sobre las historias de esta fascinante mujer que verá la luz dentro de poco en nuestro país. La primera vez que leí algo de Adèle fue en Alemán, gracias a un número extraviado de segunda mano del primer número de Adèle que compré en ComiX, la tienda del ramo de Friburgo; después conseguí el mismo ejemplar en francés, en otra extraordinaria tienda en la bonita ciudad de Estrasburgo. Ambos los leí y casi entendí, y ambos produjeron similar efecto sobre mí: la historia me parecía confusa, absurda y a veces deshilachada, pero había algo extraño que hacía que me resultara tremendamente atractiva: entre el propio personaje de Adèle, detective que me recordaba a un Holmes poco hábil pero con mucha suerte, elegancia, belleza y lengua viperina; las absurdas historias de pterodáctilos, momias vivientes y otros seres imposibles que recordaban a Julio Verne y otras historias de románticos, y el tono humorístico extraño que le imprimía a la historia Tardí gracias a su magnífico dibujo y sus giros inesperados y extraños, conformaban todo ello un pastiche extraño que dejaba en poco relevante la algo caótica estructura narrativa y otras aparentes deficiencias.

Esa misma sensación, reconozco que acrecentada, experimenté algunos años después cuando leí "La liga de los hombres extraordinarios" la que, a mi humilde parecer, es la auténtica obra maestra absoluta de Alan Moore, el padre de varias de ellas. Eran muchas las historias románticas que, con una narrativa absolutamente perfecta, confluían en una amalgama de cuentos fantásticos, personajes perfectos y dibujos extraordinarios, que configuraban un cómic extraño y nuevo pero claramente reconocible por sus miles de guiños a la cultura del folletín.

Y aquí viene el nexo de unión, el folletín, ese género esencial para la historia de la literatura que comenzó a desarrollarse primero en Francia y luego en Inglaterra como forma de vender periódicos, y en el que se contaban por entregas historias fantásticas y terribles con el principal objetivo de excitar al lector. Aunque en aquellos momentos no era consciente de ello, cuando leí "La liga" mi mente se trasladaba a Adèle, y ahora que he leído el primer tomo de Adèle, me he retrotraído a "La liga", pero también a Julio Verne, a Dumas, al Barón de Ballantry, a los asesinatos de la rue Morgue donde aparece el primer detective moderno, a Chesterton y al gran Stevenson, y a, en definitiva toda la literatura romántica que me apasionaba como pocas cosas lo ha hecho en la vida. Momias, dinosaurios, policías idiotas e incompetentes, sectas secretas, elixires que dan la vida, pócimas que la quitan, túneles infinitos debajo de las ciudades, científicos locos, artefactos voladores imposibles, y muchos otros elementos más que aparecen en "Las extraordinarias aventuras de Adèle blanc-sec" nos llevan a una época mágica de la literatura que hacen que reconozcamos y disfrutemos lo que leemos. Pero ello es especialmente posible gracias al elemento más importante de este que, incluso por encima de la guerra de las trincheras, es a mi parecer el cómic más importante de Tardí, el humor que impregna cada viñeta, personaje e historia. Al fin y al cabo también el humor estaba en el folletín, aunque aquí es mucho más pronunciado: no se trata sólo de contar historias imposibles, sino de burlarse de la propia historia en una especie de auto-parodia que mezcla momentos de desarrollo de la trama con lo más parecido a sketches televisivos que puede haber en el cómic.

Este humor también estaba presente en los primeros tomos de "La Liga de los hombres extraordinarios", especialmente en los primeros números en los que la negrura de muchas historias no impedía una sonrisa cómplice con el autor al observar cómo iba desvariando. Este elemento, en cambio, casi ha desaparecido en el otro cómic que quería reseñar, y que es el último número de "La liga...", después de un largo parón, y que se titula century 1910. Mina, la mujer vampiro, sigue acaparando el protagonismo, pero ahora la acompañan otros personajes en una historia mucho más "seria" que las anteriores: una investigación sobre una especie de secta que quiere que nazca "el hijo de la lun"a para acabar con el mundo, se mezcla con la historia de las consecuencias de la violación en una zona portuaria de una mujer que era mucho más de lo que parecía (algo similar a lo que ocurre en Dogville, sin que todavía haya desvelado nada). El humor macabro y negro de Moore apenas aparece pero un genio no puede dejar de crear, y pocos como él para hacer lo que, por lo menos para mi humilde conocimiento, no se había hecho nunca de esta forma: un musical dentro del cómic.

No es que el cómic emita música, sino que en determinados momentos aparecen en sus viñetas el símbolo de la nota musical y lo que brillantemente dibujaentonces Kevin O´Nell (como siempre, increíble) es a los personajes cantar o la múscia sonar mientras aparece la vieja Londres y sus terribles enclaves. Lo curioso es que la maestría de Moore y O´Nell hace que casi tararees una música que no sabes como es pero que intuyes suena a "un musical", y no es que haya muchas diferencias entre muchos de ellos. y eso mientras te cuentan una truculenta historia con centenares de muertos y en la que se ven las sombras del capitán nemo y de otros maravillosos personajes de folletín.

Dos cómics, en definitiva, muy recomendables, uno la humorística adaptación al cómic de todos los tópcios de la fantasía detectivesca del folletín, y otro que supone la incorporación al cómic del muscial de una forma más que original y brillante. Mucho que leer, vamos.

No estaban muertos, !Estaban de parranda!: Final de lost con y sin spoilers

2010-05-25T12:24:00.002+02:00

Bueno, pues ya está. Se acabó, se finní, yatá, ala, venga, a otra cosa mariposa, y todo lo que se os ocurra.

La cuestión es que Lost ha terminado, y lo ha hecho a mi parecer con total coherencia con lo que ha sido la serie más importante y más tramposa, por venderse como un producto de culto cuando no era más que un culebrón comercial para apocalípticos en vías de integración, de las últimas décadas. La importancia de Lost difícilmente puede ser puesta en duda: no sólo ha sido un éxito comercial increíble, sino que ha supuesto una revolución televisiva en cuanto a la capacidad de las temáticas de ciencia ficción rayando la serie B de auparse a lo más alto del mercado televisivo. Quizás muchos tengan que aceptar, después de Lost, que hay mucho friki viendo televisión que quiere productos complejos que le hagan pensar, que le exciten intelectualmente hasta llevarles casi al paroxismo. Esto lo ha conseguido Perdidos como no lo había hecho ninguna serie de ciencia ficción antes. El apocalíptico, que diría Eco, aquél que que se opone a la vulgaridad de la muchedumbre que ve series españolas o de mala calidad en general, se siente ahora casi mayoría y se acaba integrando en un sistema de masas en el que "lo raro" tiene ya un peso muy importante para el sistema. Ahora el raro es aquél que no entiende el lenguaje críptico de Lost, el que no se pregunta por todas sus preguntas, el que trata de banalizar sus respuestas, o el que trata de buscar sentido racional a lo absurdo.

Habrá que convenir, sin embargo, y eso lo haría el lostie más acérrimo, que la serie es una trampa de dos pares de cojones. No estaban muertos, estaban de parranda, podríamos decir una vez visto el final de una serie que no sólo ha engañado al televidente o internauta (más bien), sino que se ha engañado a sí misma sin ningún tipo de vergüenza con la finalidad de mantener su hegemonía como producto comercial-intelectual sin parangón. Recuerdo mi discusión con un amigo mío, inocente, que decía hace casi tres años, allá por la segunda temporada para él, que en Lost todo estaba pensado. Yo que ya había padecido la ilusión JJAbramsiana de creer que Rambaldi iba a aparecer en algún momento en Alias, y que soy más mayor, sostenía que no había nada previsto, pero ni entonces ni después, pues esa era la gracia (y desgracia) de la serie: se iba improvisando poco a poco.

Ahora resulta que todos estaban muertos, o no, que han ido muriendo poco a poco, aunque no sepamos cuándo, ni entendamos qué coño hace Penny rodeada de cadáveres, ni tenga sentido porqué un asesino se queda fuera de la iglesia y otros se quedan dentro, ni comprendamos porqué eligen una iglesia tan pequeña para que no quepan los muertos de raza negra, ni........................ Todo eso da igual, y muchos ahora lo saben: no era necesario cuadrar absolutamente nada, !pues todos estaban muertos!

Algunos podrían, y con razón, cabrearse, sentirse engañados y aceptar de una vez que se han tragado como verdad un auténtico bodrio farandulero cuya estupidez esquizofrénica de ir ahora por aquí y ahora por allá y defender, al mismo tiempo, que no se dan bandazos, sólo se acerca a la de algún político conocido. Pero también puede pensar uno, y acertaría, que esto no era más que un show televisivo que ha conseguido como pocos el objetivo más difícil: entretener y hacer pensar a la vez. Efectista, sí, falso, también, tramposo, por supuesto, brillante, claro, magnífico, en muchos momentos. Ese es el mérito de perdidos, aparte del otro que no es un mérito por sí mismo pero sí un hecho consistente en engancharnos a millones de nosotros, el de haber creado momentos irrepetibles de la historia de la televisión y personajes absolutamente geniales: Desmond, Faraday, el Ben de la segunda y tercera temporada, el Jack de la primera, segunda y última, al igual que su antagonista (o no) Locke, el Sawyer de todas menos en su lamentable temporada final, y momentos geniales de Sayid, Hurley y muchos más, en cuanto a los personajes; y muchos capítulos y momentos memorables como los juegos con el tiempo de Desmond y Faraday, o el capítulo genial de los dos no-hermandos que se matan entre sí, o capítulos magistrales del hijoputa Sawyer, o secuencias de "soymásmaloquelaquina" del gran Ben antes de ser un pelele ridículo...., o el pobre Eco dándole al botón y tantas otras cosas más.........

La cuestión, como dije hace poco en un post sobre el cómic que más me ha impactado en los últimos meses, no es el destino, sino si ha merecido la pena o no el viaje. Yo creo que sí, pero ¿en serio eran necesarias tantas alforjas para llevarlo a cabo?

The primavera sound Project (episode II): De nuevo sobre el horario del viernes

2010-05-24T23:08:00.007+02:00

Al final habíamos quedado en que de toda la oferta festivalera del primavera nuestro "calendario-infernal-ideal" para el viernes iba a ser el siguiente:

16:00 Owen Pallett
17:30h Hope Sandoval & The Warm Inventions
18:15h The New Pornographers
19:00h Low
20:20h Spoon
21:40h Beach House
22:30h Wilco
23:00h Les Savy Fav
23:30h Panda Bear
00:30h Shellac
01:15h Pixies
02:00h Black Math Horseman
02:30h Yeasayer

La idea es empezar fuertes de ritmo pero con conciertos suaves para terminar con conciertos más largos de grupos más fuertes. Pretendemos comenzar, que no es lo mismo que lo hagamos efectivamente, a las 16:00 con Owen Pallet, al que problemas con el derecho de los bienes inmateriales le impidieron que siguiera llamándose Final Fantasy, y que ofrece unas expectativas de concierto más que interesantes al tener lugar el mismo en el auditori: a esas horas de solanera el aire "acondicionado" del autditori puede venir bien para escuchar a owen y su violín cantando preciosas y oníricas historias. De ahí a buscar unas cervezas y, sin moverse, a escuchar a Hope Sandoval, la maravillosa vocalista del añorado Mazzy Star que si empieza pronto, pues mejor. Y es que ahí empiezan ya las prisas: a las 18:15 está prevista la primera gorda del día: los New Pornographers, el grupo de pop más en forma de los últimos cinco años, en el escenario San miguel. Dependerá mucho de cómo vaya la cosa con la pequeña y preciosa Hope, pero es que ver a AC Newman, Danny Bejar y Neko Case en un mismo escenario debe ser grandioso. Yo lo voy a intentar.

Otra opción, sin embargo, consiste en saltarse a los pornógrafos y seguir el ritmo cadencioso inaugurado por owen, seguido por Hope, y finalizarlo con mimi y Alan. Madre mía, qué dilema!!! New Pornographers Vs Low. En condiciones normales creo que me decantaría por Low, pero eso de ceñirse a un disco, aunque sea buena idea y se trate del majestuoso The Great Destroyer, no me acaba de convencer, así que quizás pase de ellos. Si así fuera la siguiente parada es Spoon, otra banda de auténtico lujo, también con disco este año, y también siendo el nuevo algo inferior al anterior. En todo caso en directo Spoon puede valer la pena, y aunque Beak, el proyecto de Geof Barrows, es realmente interesante con ese aire Krautrockiano que parecen tener, será mejor empezar a oir rock esperando a Wilco.

A partir de ese momento la cosa se relaja: ya no estamos hablando de 45 minutos entre concierto y concierto sino más tiempo. Después de Spoon optaría por escuchar a Beach House. Lo siento por las hermanas raritas, pero es que a mí la casa de la playa me puede. Tengo mis dudas de cómo será el directo, pero habrá que probar.

Y llega el momento de la noche: Wilco. ................................ .......... .................... .......................... ............... Tengo una deuda personal con esta gente: no los he visto nunca y no me parece tolerable, así que renunciaré a Les Savy Fav y a Japandroids con todo el dolor de mi corazón, y probablemente a la primera parte de Panda Bear, y dejaré que fluya la música de esa banda superlativa. Después, según como vayan las fuerzas, si hemos llegado al Oso panda, pues a reventar con Steve Allbini o a esperar a los Pixies. Y !cuidado!, poco después de empezar los pixies, a las dos de la mañana, uno de los grupos que más me llaman la atención sin haberlos escuchado más que un par de canciones en directo y a través del tubo: "Black Math Horseman". Es posible que a esa hora Isra se deje llevar e interrumpa a los Pixies para ver un capricho. Después está el tema Yeasayer, que a mí no me acaba de convencer, pero que si va bien la noche puede dar para saltos y risas.

Con eso habremos terminado el viernes. Queda el sábado, con el siguiente horario propuesto:

HORA GRUPO
17:00h Bigott
18:00h Clare And The Reasons
18:45h Dr. Dog
19:00h Van Dyke Parks
19:00h Michael Rother & Friends present NEU!
19:50h Nana Grizol
20:30h Roddy Frame
20:50h Florence + The Machine
21:00h Standstill
21:55h Grizzly Bear
22:00h Camaron, La Leyenda Del Tiempo
23:00h No Age
23:00h Built To Spill
00:05h Sunny Day Real Estate
00:00h Za!
00:15h Dum Dum Girls
01:15h Pet Shop Boys
01:30h Lee "Scratch" Perry
02:00h Ben Frost
03:00h The Field

En otro post termino de comentar la jugada

El fascista (aunque idiota) bienintencionado II. Kick - Ass, los superhéroes y la novedad "intersubjetiva"

2010-05-24T00:14:00.008+02:00

El género de super-héroes debe de ser el más difícil de la actualidad en el mundo del cómic, y no precisamente porque sus reglas no estén bien definidas, sino más bien por lo contrario: lo están tanto que innovar en él resulta casi imposible. !Pues rompamos las reglas!, podríamos decir, pero también eso se ha hecho ya centenares de veces: els uperhéroe malvado, el superhéroe perdedor, el malvado bondadoso, la muerte del héroe, los universos paralelos, los contextos imposibles, parece que todo ya haya sido utilizado alguna vez por alguien y que eso impida la novedad u originalidad, teórico presupuesto de cualquier creación artística. No en vano hoy el cómic que consigue todos los premios, el más valorado en los circuitos culturales, el que acerca el noveno a los otros artes, no es precisamente el género de los supehéroes, sino más bien el cómic experimental, el cómic más social, el autobiográfico, el histórico,y otros géneros en los que el cómic no ha campado tanto a sus anchas como el de los tíos con calzoncillos por fuera del traje con capa, y en los que aún parece haber hueco para la innovación.

He de decir, sin embargo, que la originalidad, cuanto menos en el sentido de originalidad objetiva, prácticamente equivalente a novedad, está algo sobrevalorada. No voy ahora a ponerme a darle caña a Animal Collective, prototipo del exceso de valoración de la importancia de la "originalidad" en la música (no hay tiempo para expresar lo que me la suda el sonido acuoso, aunque tengan dos canciones por disco que me gusten), ni a explicar porqué, por el contrario, creo que no podría considerarse tal ejemplo equivalente al de Chris Ware en los cómics. Simplemente diré que frente a la novedad objetiva creo que en la creación artística lo realmente relevante es la originalidad inter-subjetiva: aquella que se manifiesta en que es el propio creador el que genera algo nuevo para sí mismo y le da una impronta personal tal que, aun no siendo puramente novedoso 8en sentido objetivo), se convierte en original y universal, trascendiendo su propia visión y convirtiéndose en algo válido para los demás.

Aunque no me pueda considerar un experto en la materia, pues yo también encuentro más atractivos en la actualidad otros géneros distintos al de los supehéroes, lo cierto es que hay ejemplos recientes de obras maestras del cómic en los que la forma del tratamiento de los personajes o del propio género no son auténticamente novedosas, sino que más bien recuperan o revisan tópicos tradicionales del género, pero lo hacen con tal personalidad que acaban por convertirse en auténticas genialidades creativas. Dese All-Star Superman, pasando por "invencible" y Nextwave de Kirkman y Ellis (probablemente los mejores ejemplos de lo que quiero expresar), hasta los propios ultimates de Millar y decenas más, siempre hay excepciones que confirman la regla de autores que revolucionan el cómic de superhéroes no porque cuenten cosas diferentes, sino porque lo hagan "como nadie lo había hecho antes".

Pues bien, Kick-Ass no es una obra maestra equiparable a las que he citado anteriormente, pero se acerca mucho a esa idea del cómic en el que "se cuenta lo de siempre de forma distinta". Con el magnífico y expresivo dibujo de Romita Jr, Millar cuenta una historia mil veces contada a la que aporta elementos nuevos que la hacen interesante y divertida. Lo mil veces contado ya lo expliqué el otro día y no voy a ocuparme mucho más de ello: el héroe, o mejor, los héroes de Kick-Ass son auténticos fascistas bienintencionados, sujetos que creen aplicar la justicia y hacer el bien pero sin ser capaces de darse cuenta que su idea de justicia implica mutilaciones y asesinatos indiscriminados. Lo "nuevo", aquello que trata de aportar el gran Millar al género más trillado de todos los tiempos, son varias cosas: en primer lugar el tema de las redes sociales y youtube como forma de comunicación actual también para los super-tipos y super-villanos; en segundo lugar la posibilidad de que los super-héroes sean menores, incluso muy menores, de edad; y en tercer lugar el que los héroes sean auténticos tarados, idiotas integrales que son capaces de hacerse pasar por homosexuales delante de la chica que les gusta para poder estar cerca de casa y después irse a casa de un traficante a decirle que deje en paz a su ex novia porque ésta se lo ha pedido al "héroe" por el Facebook. En cuanto a lo primero, y aunque tiene su gracia, no aporta nada eso de que el héroe se haga famoso por un vídeo en el tubo: tiene su gracia, ya está. Lo segundo ya es más interesante, y no tanto por el hecho de la edad (al fin y al cabo son muchos los héroes, hasta los grupos de héroes como los TT, menores de edad y los cómics que han tratado esta problemática) sino por la brutalidad de sus acciones. Una cosa es pensar en la edad de starfire o alguna de esas crías, y otra es ver a una niña de 12 años decapitar a todoquisqui mientras les llama trozos de mierda y todo eso. De nuevo Millar rebasando los límites de lo políticamente correcto, y aquí ya tenemos su impronta personal que, en este caso, se podría resumir en "los tiene cuadraos".

En todo caso la aportación más interesante de Kick-Ass al género de superéroes es, como he anticipado, que el protagonista, y también los otros sujetos que van de héroes, aunque menos, son imbéciles. Bueno, imbélices no, pues eso es subnormalidad mental moderada, más precisamente idiotas, o por lo menos en tal categoría deberíamos situar a Kick-Ass. Y no sólo porque es él el que elige el nombre, sino porque todas y cada una de sus decisiones son auténticamente lamentables. Esa es la cuestión del cómic, como me insiste Isra¨¿qué pasa si el superhéroe es un auténtico gilipollas inútil e incapaz de 15 años cuyo único mérito es haber recibido previamente tal paliza que ahora tiene la cabeza tan llena de hierro que ya puedes pegarle que el tío ni se entera? No me estoy refiriendo, por tanto, a que el protagonista sea un poco lelo estilo Peter parker, sino a que sea un auténtico desecho de la inteligencia. Pues bien, tampoco esto puede considerarse novedoso, u original en sentido objetivo. Recuerdo ahora mismo uno de los mejores punisher que he leído, de Ennis, como no, en el que a raíz de la lucha de Castle contra el crimen aparecían otros sujetos disfrazados que comenzaban a aplicar cada uno su idea de justicia y con el único punto en común de ser rematadamente tontos todos ellos. ¿Un antecedente de Kick-Ass? es posible, pero la cuestión es ¿qué más da?

Como dije anteriormente la originalidad está sobrevalorada, pues muchas cosas son nuevas y no aportan nada y otras son aparentes repeticiones de obras anteriores que, al estar planteadas desde la personalidad de un genio creativo, acaban por aportar algo nuevo o, por lo menos, válido para muchos. Y esto es lo que le pasa a Kick-Ass, un cómic de Millar que sin llegar a ser, pero ni de lejos, uno de sus mejores cómics, es un nuevo tebeo de superhéroes digno de ser leído porque es extremadamente violento, porque es divertido, porque es entretenido, porque es sorprendente, porque tiene algún momento antológico como el que ya cité anteriormente, y porque tiene un personaje único, esa hit-girl tan fascista como fascinante.

The primavera sound Project: o cómo ver todo lo que hay que ver sin reventar en el intento (Episode I)

2010-05-21T00:32:00.003+02:00

El mejor festival de música en el que he estado en mi vida fue el Primavera sound de, mejor no lo digo, cuando todavía se hacía en el Pueblo español. Recuerdo a Jarvis Cocker saltando de bafle en bafle en mitad de una imitación de la plaza de España, a Stuart Staples llorar con 20 violinistas detrás, a howe Gelb tocar un piano con una mano y la guitarra eléctrica con otra en medio de un sampler de Kyllie Minogue, recuerdo mi piel estremecerse en el concierto de The Delgados, y mi sonrisa idiota durante una hora que duró el concierto de Clem Snide, recuerdo catalanas de jamón y mucha cerveza con Echo and the bunnymen de fondo, recuerdo el magnífico ambiente que tuvimos Josele, Javi y yo, el taxista empastillado que nos llevó al hotel, así como recuerdo el dolor de mi muñeca abierta cuando me atendían en enfermería después de saltar como un poseso durante el apoteósico concierto de spiritualized. Pueden hacer 8 o más años de eso, y puedo decir ahora que ese fue uno de los momentos de mi vida, de los que, como autor del guión, me cabrearía que cualquier director quitara en una hipotética película de mi existencia.

Dicho lo dicho, The primavera sound Project podría verse como un vacuo intento de recuperar los viejos tiempos, pero no sería cierto. Es más bien un proyecto consistente en aprovechar los actuales. La idea no es complicada: aprovechar una jornada de trabajo y bastante tiempo libre para unir los ingredientes perfectos: amigos y el mejor festival de música al que se puede ir en la actualidad en España y, probablemente, en Europa, el Primavera Sound de Barcelona. Es lo que tiene esa ciudad, aparte de Messi, un espíritu algo soberbio y pretencioso de "ser lo más" que les acerca más que otros a serlo; y lo demuestra con un festival que se ha consolidado, quizás seguido de cerca por el concepto más limitado y también más puro del Tanned Tin, como el auténtico macro festival independiente, una vez Benicassim ha decidido rendir pleitesía a la aún poderosa libra esterlina. El Primavera, por su parte, ha decidido seguir fiel a su idea, e incluso a ahondado en ella: ser un festival que marque tendencias musicales, no sólo que las muestre, para lo cual se ha apoyado en las colaboraciones del, quizás, mejor festival del mundo (cuanto menos conceptualmente), el All Tomorrow´s Parties, y la mejor y más influyente revista de rock independiente del planeta, Pitchfork. Todo eso y el gen catalán de los de rockdeluz y compañía suponen un cocktail de música de gran calidad y que resulta difícil de ver si no es en un evento de estas características.

Bueno, todo eso ya lo sabéis, pero ¿qué es el Primavera Sound Project? Consiste en tratar de aprovechar el tiempo el máximo posible sin morir en el intento. Ahora mismo puede parecer una exageración, pero podéis fijaros de momento en el horario que me he impuesto el viernes:

HORA GRUPO
16:00 Owen Pallett
17:00h Wild Honey
17:30h Hope Sandoval & The Warm Inventions
18:15h The New Pornographers
19:00h Low
19:15h Thee Oh Sees
20:20h Beak
20:20h Spoon
20:30h Condo Fucks
21:25h Coco rosie
21:40h Beach House
22:00h Wire
22:30h Wilco
23:00h Les Savy Fav
23:30h Panda Bear
00:05 Marc Almond
00:15h Cold Cave
00:30h Shellac
01:15h Pixies
02:00h Black Math Horseman
02:30h Yeasayer

Y eso dejando a una veintena de grupos más, entre ellos algunos realmente interesantes como Ganglians, Junip (proyecto paralelo de Gonzalez), Fuel Fandango o A Sunny Day In Glasgow. Es evidente que, por no poseer el don de la ubicuidad o el poder de la tele-transportación, aquellos casos en los que hay dos grupos a la misma hora tendré que elegir. Pero aún tratando de ser racional fijaros de qué estoy hablando:

16:00 Owen Pallett
17:30h Hope Sandoval & The Warm Inventions
18:15h The New Pornographers
19:00h Low
20:20h Spoon
21:40h Beach House
22:30h Wilco
23:00h Les Savy Fav
23:30h Panda Bear
00:30h Shellac
01:15h Pixies
02:00h Black Math Horseman
02:30h Yeasayer

13 conciertos, mal número o, más bien, cifra irreal. Está claro que todo no va a poder ser pero ¿en serio pensáis que puedo dejar de ver a los pornógrafers?, y Les Savy Fav, si todo el mundo dice que son el mejor grupo del mundo en directo, ¿tendré que pasar de ellos?

Bueno pues eso es el Primavera Sound Project, eso y hacer un par de entrevistas para Hebe y tratar de contaros lo de .... ..... que me lo voy a pasar.

Pd. Se aceptan sugerencias de lo que no debería perderme ;)

The New Pornographers - Together (2010)

2010-05-17T21:02:00.010+02:00

Lo han vuelto a hacer. Y lo han vuelto a hacer por quinta vez consecutiva.

Como si se tratase de auténticos alquimistas del power pop, esta superbanda de Vancouver (hace ya tiempo que me convencí que este término nació para ser aplicado a este grupo, formado entre otros por el gran AC Newman a la cabeza, la cada vez más imprescindible Neko Case y el absolutamente increíble Dani Bejar) parecen tener la fórmula perfecta para sorprender con cada disco, aunque en realidad no incluyan en cada nueva entrega nada realmente sorprendente y revolucionario respecto de la entrega anterior. No. En realidad, se limitan a hacer algo mucho más sencillo, pero en verdad más difícil: hacer discos con grandes, grandísimas canciones. Y claro, si como siempre recuerda Fernando, un disco son las canciones que lleva dentro, estos siempre firman grandes discos.

Y es que con cada nuevo disco que lanzan estos nuevos pornógrafos, me sucede siempre lo mismo: lo empiezo a escuchar con expectación, buscando si van a evolucionar o modificar la fórmula y termino rendido ante las canciones de pop perfecto que integran sus discos. Lo suyo quizá no sea la experimentación psicodélica, ni la orquestación epatante, ni tan siquiera la investigación vocal. No buscan fusionar estilos, ni buscar en las raíces del género... no, no lo hacen. Ellos tienen otro don, que es la capacidad de crear canciones que se te meten en el cerebro, que te conquistan y te terminan dominando hasta que caes rendido ante ellos y no puedes parar de esperar a que llegué ese momento del día en el que las obligaciones cotidianas te dejen ese preciado momento de volver a escucharlos. De volver a tomar tu dosis de pop sin condiciones; ese pop de guitarras, de energía, de baterías, de ritmos desbocados... eso es, lo que estáis pensando, simplemente la dosis diaria de pop sin aditivos ni conservantes.

Podríamos hablar en este momento de que en realidad este disco parece ser el de la toma de relevo para Neko Case, que aparece más presente que nunca en las canciones, asumiendo un protagonismo que el proyecto musical hace tiempo que parecía reclamar de ella. Podríamos debatir sobre la posición de este disco en la historia de la banda, lo que nos conduciría a la cuestión de si el fantástico 'Challengers' fue un disco de transición después de los geniales 'Electric version' y 'Twin Cinema', que sigo opinando que constituyen la cima creativa de AC Newman ('el jefe de todo', parafraseando al bueno de Pepe Domingo Castaño)... pero creo que eso carece ahora en realidad de importancia, sobre todo para quien se vaya a iniciar en este grupo tras la lectura de este post. No es, ni siquiera, aquello de lo que me apetece escribir ahora, después de una semana escuchando este 'Together' (espléndido título, por lo demás, para el disco conjunto de un conjunto de músicos -valga la redundancia- acostumbrados a publicar por separado), lo que apetece, en realidad, es abrir las ventanas y gritar a los cuatro vientos que el verano ha llegado por fin, que es tiempo de fiestas, de salir, de bailar, de divertirse, que creo que es en lo que consiste, en muchos aspectos, este disco.

En fin, no creo que 'Together' sea un disco mejor que 'Electric Version' ni que 'Twin Cinema', ni siquiera que 'Challengers'; pero claro, en el caso de The New Pornographers, sigue siendo un disco superior al 80 % de los discos que se publicarán este año y, es, desde luego y desde ya, en mi modesta opinión, uno de los firmes candidatos a disco del año.

Además, algunos tendrán -lo digo por Fernando- la suerte de verlos en el Primavera Sound. Menuda envidia!!!!

Rafa.

Edito para dejaros el link del disco en el spotify: The New Pornographers – Together

The Soft Pack - The soft Pack (el rock y la genética)

2010-05-11T10:13:00.010+02:00

Pues que digo que lo del rock debe ser cosa de genética y no de aprendizaje. Y me refiero tanto a hacerlo como a sentirlo, que es casi lo mismo, en cuanto a actitud, aunque lo primero debe molar muchísimo más.

Se que me estoy cargando algunos de los principios básicos de la psicología social, y que, por ejemplo, parece que la velvet sólo se podría entender en el marco freak de la Factory y alrededores. Pero, ¿en serio pensáis que sin los genes extraños y maravillosamente únicos de Lou, John, Sterling y Moe hubiera servido de algo el ambiente social de Nueva York? Lo siento, pero estos tíos hubieran salido hasta de Gor, que no es la capital de Mordor sino un pueblo de Granada, siempre que hubieran tenido las células adecuadas.

¿Sino cómo se explica lo de The Soft Pack? !SON DE CALIFORNIA!, y en la portada del disco están !EN UNA PLAYA! Es decir, que Vampire Weekend hacen horchata en Nueva York, y estos tíos reencarnan a los Modern Lovers y al sonido punk-art-rock neoyorkino desde San Diego. Genética, pura cuestión genética. O eso o una malísima educación de algún padre desalmado que en vez de atiborrarles de productos Disney pop que acaba degenerando en la adolescencia en la genial psicodelia de la costa oeste, se dedicó a joderles la vida con las historias turbias de Verlaine, Reed o Richman. !Eso no está bien, hombre! Después pasa lo que pasa, y te sale un tío como Matt Lamkin, lo juntas con un guitarrista genial como Matty McLoughlin, con un tal David Lantzman y con Brian Hill, y pasa lo que pasa, que se juntan, se ponen como nombre The Muslims (hay que tenerlos cuadrados, como mola), todo el mundo les dice que se han pasado que se cambien el nombre, ven un anuncio de pichas flojas de mentira ante lo cual deciden llamarse The Soft Pack, y acaban así.....

AHHHHHHHHHHHHHHHHHHHHHHHHHHHHHHHHHHHHHHH!!!!!!!!!!!!!!!!!!!!!!!!!!!!!!!!!!!!!!!!!!!!!!!!!!!!!!!!!!!!!!!!!!!!!!!!!!!!!!!!!!!!!!!

Lo siento, me puede, no es racional, no me educaron tan mal, pero ya he dicho que el rock es emocional y genético, también para quien lo escucha. Reconozco que a mí esto me puede, así que no esperéis aquí reflexiones pensadas sobre la influencia de fulano o zutano, sobre la falta de originalidad de una banda de cuatro que hacen lo que ya habían hecho otros antes, sobre la necesidad de frescura en un momento musical en el que sólo parece interesar la producción aun a costa del alma de la canción, ni nada de eso. A mi todo eso me da igual, me pones un temazo como Pull out, potente y directa al alma, o unos hits acojonantes como c´mon, Down on Loving, Answer to yourself, o parasites, y una pequeña joya que recuerda a los feelies como More or Less, y me da igual la influencia, la trascendencia y su P... M.... Sólo escuchad una más, y en directo, donde se demuestra si hay o no hay banda en el mundo del Rock and Roll

Vaaaaaaaaaaaya final, apoteósico. Estos niños son de verdad, y tenían malos padres o malos genes, una de dos

Y ahora unos cuantos singles

Lo siento, os dejo, tengo nueva banda favorita del momento, y sólo quiero ser gruppie de Matt.

The National - High Violet (2010)

2010-05-06T17:46:00.008+02:00

En la carrera de todo grupo con un recorrido medianamente largo, llega un momento en el que la carrera de la banda se define y que marca una especie de ecuador, invisible pero perfectamente apreciable para quienes les seguimos; un momento en el que deben presentar su revalida y en el que deben dejar sentado si su carrera continuará transitando por los caminos medios hasta el momento en el que, como una estrella vieja, se vaya apagando o si, por el contrario, terminan de materializar los pasos firmes y a veces brillantes que han dado con sus primeros discos, dando con ello el pistoletazo de salida a una nueva etapa de crecimiento en su carrera. Es, éste, ese punto que siempre ha fagocitado a las grandes promesas y ha dado vida a las nuevas estrellas; es un punto sin retorno, en definitiva, que distingue a las bandas con muchas cosas aún por decir, de aquellas otras que ya lo han dicho todo y que, a partir de entonces, se limitarán a volver, una y otra vez, a publicar el mismo disco.

A lo largo de los últimos años, hay una banda que viene conquistando a los miembros que, semana a semana, hacemos QPH? y que nos tiene literalmente enamorados. Son The National. Tras varios discos notables, los cinco chicos de Cincinnati que integran este grupo publicaron en 2005 el sugerente 'Alligator', alisando el camino de llegada para el realmente magnífico 'The Boxer' (que recordamos ocupo el cuarto puesto de la lista de mejores discos del año de QPH en 2007). A todo ello siguió el nunca suficientemente valorado, pero brillante, 'Virginia EP'. Con estos discos, pasaron a convertirse en uno de los grupos más interesantes de la escena independiente y, desde luego, en uno de los favoritos de muchos melómanos.

La fórmula patentada por The National en estos discos es realmente sencilla, pero a la par muy compleja, pues bebe de muchas influencias que son capaces de asumir, integrar en su discurso y devolver convertidos en ingredientes de un todo, que nunca es sin embargo la simple suma de sus partes.

The National se forma a partir de la extraordinaria voz y forma de cantar de Matt Berninger, que resulta inconfundible y reconocible en cualquier lugar. A partir de él, las guitarras de los hermanos Dessner van dibujando sucesivas capas de sonido, que guardan parentescos con el post punk elegante de Interpol, el slowcore de Red House Painters, el mejor sonido pop de los ochenteros The Sound...

Y el resultado es un sonido íntimo y elegante; ese tipo de sonido que huye de lo inmediato, que requiere de mimos y tiempo, de encontrar el momento adecuado para dejar que vaya calando, que se vaya entrelazando a nuestras vivencias... pero sobre, el resultado es el grupo con el sonido más elegante de la escena actual (con permiso de The Clientele, eso sí...).

Tras la fulgurante carrera reciente de The National, el grupo se había situado, conscientemente o no, en ese momento decisivo de su carrera. La atención, en gran medida, estaba centrada en su nuevo disco y en cómo serían capaces de resolver la complicada papeleta en la que 'The Boxer' les había colocado. Este era el momento de marcar la tendencia de su carrera, de confirmar lo que se esperaba de ellos, creando un disco que hiciera crecer aún más su proyecto musical, o de simplemente repetirse, pasando a ser una nueva banda menor, que sacó dos buenos discos.

Y en este sentido 'High Violet' creemos que resuelve muy bien estas variables, en una apuesta del grupo por crecer, por seguir hacía adelante.

La portada del disco, abandonando los negros que marcaban las portadas anteriores, y optando por una ruptura colorista, basado en el violeta, es un claro síntoma de esta apuesta, una especie de aviso visual para navegantes de que el disco no quiere ser sólo una continuación, sino que aspira a ser algo más.

Y el contenido no defrauda. Creado sobre la base de los mismos elementos conceptuales que han gestado a lo largo de sus anteriores trabajos, el disco crea nuevos escenarios, nuevas formas de reinventar ese sonido tan personal de The National...

El disco, empero, y aunque aún tenemos que darle margen de tiempo, pues no sólo aguanta el primer impacto, sino que va creciendo y creciendo con las escuchas, no llega al nivel de 'The Boxer', quizá por la ausencia de los grandes temas/singles que aquél contenía, pero tampoco le desmerece y, desde luego, está muy a la par del 'Alligator'. Y es que este disco está siendo una de las sensaciones de esta primavera, habiendo tenido acceso incluso a los medios generalistas (la disponibilidad -por streaming- en la página del New York Times es la cima de este movimiento, quizá).

En definitiva, y como se dice actualmente, de manera harto pedante, este disco es un must de la temporada musical de primavera.

No digáis después que los de QPH? no os lo avisaron....

Rafa.

El fascista bienintencionado en los cómics I. Introducción a Kick-Ass

2010-04-27T23:17:00.013+02:00

Ayer salía una noticia en los medios con un titular muy curioso: "Un antifascista propina en el metro de Madrid una brutal paliza a un fascista". Está claro que el titular era tendencioso (periodismo, al fin y al cabo) pero se basaba en las propias manifestaciones del agresor: !odio a los fascistas, y cuando los veo si puedo los mato! El caso es que la noche anterior había terminado de leer Kick-Ass, el cómic de Millar y Romita Jr. que ha sido sensación en EEUU y que lo va a ser en España teniendo en cuenta que en junio llegará la película basada en el cómic y que ya ha sido un éxito de taquilla (nº1 la primera semana) en EEUU. Y claro, no pude más que relacionar una cosa con la otra. Por ejemplo con el siguiente momento totalmente antológico:

Escena: Una prostituta yonki se arrastra por un suelo lleno de extremidades, entre ellas algunas de su(ya ex)novio traficante de drogas, tratando de acercarse a una puerta cerrada para huir cuando oye una voz que dice: "¿Dónde coño vas, gilipollas? ¿a llamar a tu abogado con la esperanza de que alguien se compadezca de tu trágica infancia? , pues hay malas noticias, saco de mierda" Y se ve entonces como dos catanas samuráis atraviesan ensangrentadas la puerta en la que se apoyaba". Quizás sea relevante reseñar que en la siguiente escena del cómic se ve a una niña de 10 años con antifaz sacar las dos catanas apoyando un pie sobre la espalda de la víctima, y decirle a otro chaval disfrazado que la contempla horrorizado "tranquilo, estamos en el mismo bando, Kick-Ass, los superhéroes tenemos que estar unidos". En el caso del metro de Madrid los chavales también eran jóvenes aunque no tanto. Es posible que a todo el mundo le parezcan los dos casos muy distintos. No creo que lo sean tanto en esencia. En todo caso, en ambos el sujeto se cree en posición de la verdad y actúa contra "el mal".

La idea de que el fin justifica los medios está absolutamente enraizada como tópico esencial de las historias de superhéroes, y viene a ser, unida a la unilateral definición de "lo que está bien y lo que está mal", la base que construye la ideología fascista que, bien para ser criticada, o bien para ser planteada, es común al género. El fascista bienintencionado, aquél que actúa fuera de los márgenes de la ley pero "para hacer el bien", de modo tal que es él y no la colectividad la que define lo que se puede hacer y lo que no se puede hacer, es un prototipo de superhéroe mucho más generalizado y antiguo de lo que parece. En realidad esta modalidad superheróica vino pegada a la propia idea de superhéroe como personaje que tiene que salirse de lo establecido para hacer "lo correcto". Así era, por ejemplo, el Superman de 1938 en Action Cómics, que al ver cómo un amigo suyo moría en accidente de tráfico era capaz de coger un coche con un conductor temerario y empotrarlo contra un muro (sin causarle la muerte) para que se diera cuenta del riesgo que corría, entre otras muchas cosas. Claro que eso fue a más, y se desarrolló de múltiples formas, tantas que casi podríamos hacer un tratado sobre el fascismo y su crítica en el cómic de superhéroes.

Porque, y esto es conveniente dejarlo claro, en muchos casos el posible fascismo de un concreto superhéroe no es más que la forma de plantear hasta qué punto el fin justifica los medios y se puede ser justo sin tener éstos en cuenta. Esto ocurre en muchos cómics, bien por medio de personajes que representan el ejercicio de la "!violencia justa!", o bien por medio de grupos (o personajes) que hacen el bien aun utilizando el mal. Por comenzar por esta última modalidad podríamos citar el conocido Watchmen: la idea del fascismo impregna todo el cómic, pero aparece muy especialmente en el sujeto que es capaz de masacrar a parte de la humanidad para evitar precisamente que los humanos se acaben destruyendo unos a otros. También V de Vendetta, extraño superhéroe, va por esos derroteros, y no digamos The Authority, particularmente el escrito por Millar, en el que hay una página muy reveladora: se trata de la entrevista que el presentador de un late night show le hace a Hawksmoor, el nuevo jefe de The Autority:

" (Periodista) - No recuerdo ningún cómic en el que masacraran a sus enemigos y amedrentaran a líderes mundiales para obligarles a adoptar políticas más favorables para con sus ciudadanos. ¿No cree que existe el peligro de que The Authority se convierta en un poder fáctico tan despótico como las fuerzas que se supone que combate?

(Hawksmoor) - ¿Por qué piensas eso? ¿Porque derrocamos un régimen en el sudeste de asia que aprobaba la violación, el asesinato y la tortura? Nuestras acciones han salvado más vidas de las que se han perdido, y han sido una advertencia para cualquier otro violador de los derechos humanos, Ed. ¿Acaso crees de verdad que los chinos se habrían retirado del Tíbet pacíficamente si no creyeran que mis colegas y yo íbamos en serio?

Los fascismos que aparecen a los ojos del lector son pues, varios, el que se pretende combatir y el que, con el combate, puede acabar sustituyéndolo. Y aquí la crítica no siempre es tan obvia: ¿está el cómic legitimando el actuar del gurpo de superhéroes que son capaces de matar al presidente legítimo de un gobierno porque eso salvará muchas más vidas, lo están criticando, o tan sólo están planteando el conflicto moral existente?

Junto a estas historias aparecen otras, muchas más, en las que el problema no es el conflicto entre los superhéroes y el propio estado o sistema social, sino entre el Superhéroe y las normas, que por tibias, garantistas, o lo que sea, no logran su propósito. Ante ello es el héroe bienintencionado el que surge como juez, jurado y ejecutor, el que hace "lo que tiene que hacer", sea legal o no, para que prevalezca "La Justicia". Quizás uno de los casos paradigmáticos (aunque no el único, pues allí podría estar Batman, o Rorschach del citado Watchmen o muchos otros) sea el de Punisher, Frank Castle que no puede soportar la muerte de su familia y dedica su vida a ir cargándose a cualquier sujeto que tenga que ver con el tráfico de drogas y otras formas de delincuencia. Recuerdo una secuencia apoteósica, de lo mejor que se ha escrito en el género de superhéroes, en la que se enfrentan las dos concepciones de la justicia, la más poética, procedimental y legal de Daredevil (el abogado ciego que por las noches utiliza sus sentidos...., bla, bla, bla) y la más brutal, absoluta e "injusta", de Punisher. Éste piensa matar a unos traficantes de drogas, y Dan Defensor (como aquí se le llamaba al principio a DD) le dice que es mejor entregarlos a la justicia y le insta a hacerlo: empieza una pelea por la justicia en la que gana Punisher, que después de maniatar a DD sigue con su rifle de mira telescópica esperando a que vengan sus malvadas víctimas. Eso sí, Punisher le ha dejado libre un dedo a Daredevil, situado precisamente sobre el gatillo de una pistola que le apunta a él, a la cabeza de Frank Castle. Cuando Daredevil vuelve en sí, Punisher le dice, -yo voy a hacer lo que tengo que hacer, si quieres evitarlo puedes, haciendo lo que hay que hacer también. Después de muchas dudas, pero antes de que Punisher se encuentre con su víctima, Daredevil decide que hay que frenar a Punisher como sea, y dispara. Por supuesto, la pistola no estaba cargada, y Punisher le da una paliza tremenda mientras le repite -eres igual que yo.

Al final parece que, conforme a esa concepción, el fin justifica los medios y que el fascismo es la forma superheróica más común para acabar con la delincuencia. Y por esos derroteros va Kick-Ass. Si es o no algo más este cómic, lo dejaré para otro post.

Delorean - Subiza (2010)

2010-04-26T21:56:00.012+02:00

El año pasado Delorean confirmaron,mediante la publicación del excelentísimo EP "Ayrton Senna", la calidad y el talento que algunos les veníamos presuponiendo desde hace algún tiempo. Gracias a él, a los pepinazos inapelables que lo abrían (Seasun y Deli), a las buenas críticas internacionales que cosechó (destacando entre ellas la magnífica reseña de Pitchfork) y sin cambiar realmente de registro a pesar de lo que pudiera parecer a primera vista, estos cuatro amigos de Zarautz traspasaron las fronteras españolas, situándose en el centro de la atención mediática (sin que eso existe en el mundo del indie).

Pero con "Ayrton Senna", Delorean lograron en realidad que se produjesen una serie de efectos sumamente interesantes, que van más allá de la atención mediática que el mismo les deparó, que no sería más que su lógica consecuencia.

En primer lugar, pusieron la guinda del pastel a la escena musical que en los últimos años viene gestándose en Barcelona y que, tras la de Nueva York, se nos antoja de las más interesantes de la actualidad. Tras el Guincho, Delorean vinieron a internacionalizar la repercusión de una escena en plena ebullición creativa, cuya importancia era por entonces un secreto a voces en la prensa española especializada.

En segundo lugar, demostraron que la música no entiende de fronteras ni de compartimentos estancos; que desde Zarautz, vía Barcelona, es posible "apuntarse" a una de las escenas musicales más importantes de la actualidad, como es el pop electrónico de base acuosa y ritmos pseudoafricanos, que está marcando el mundo musical en los últimos tiempos, en todos los estilos musicales, desde el pop más experimental (Panda Bear, Animal Collective...) hasta el pop más bárroco (Grizzly Bear, Beach House) o el pop a secas (porque no, Vampire Weekend...), pasando por el folk más moderno (Fleet Foxes...) o la electrónica más actual (Cut Copy, Air France...) y todo ello no sólo para copiar en clave nacional lo que se hace en otros países, sino para aportar un elemento más de evolución en el discurso musical actual.

Por último, y quizá lo más importante, demostraron que todo esto se podía hacer con "sólo" cuatro canciones.

En este contexto "indie-global" es, pues, en el que nace y se inscribe "Subiza", el nuevo álbum de los Delorean.

Creo que no me equivoco al afirmar que pocos discos habían levantado en la escena musical española mayores expectativas que este disco y esto, como siempre, puede ser una losa muy pesada para un disco. Como apuesta, en todo caso, hay que reconocerle gran valentía a la estrategia de los vascos: cuando tenían cuatro grandes canciones deciden lanzarlas como adelanto del disco. Pero como técnica de promoción es posiblemente un suicidio.

Y es que el peso de esa losa que se cernía sobre "Subiza" es difícil de quitárselo de encima cuando uno comienza las primeras escuchas del disco. Sólo, con sus cascos y el disco de por medio, el oyente se encuentra dándole al play con una idea muy bien formada de lo que espera del trabajo: que trasponga al formato de larga duración la magia del EP precedente. Y medido con esa vara, es claro que el disco fracasa; pero eso no es un problema, es simplemente lógico. Es una consecuencia de la intensidad de las cuatro canciones del EP, que se presentaban como cuatro tiros certeros, sin posibilidad de reacción. Ante él, cualquier disco que hubieran hecho Delorean, hubiera palidecido. Tras "Ayrton Senna", en definitiva, lo que viniera después sólo podía jugar a empatar. Y ya se sabe lo que dice la conocida ley del fútbol: si sales a empatar, acabas perdiendo. Lo dicho: en cierto modo, el EP fue un suicidio. Un valiente y dulce suicidio, eso sí.

La reacción en los foros los primeros días después de filtrarse el disco, vino a confirmar esta sensación. Leyendo las opiniones, la palabra que más se leía era "decepción".

Pero pasados los días, y a medida que el disco empieza a crecer con las escuchas y a ser valorado por sí mismo y no por el reflejo que nos da frente a su hermano "mayor", la sensación que nos deja es otra bien distinta: estamos ante un señor disco, o por decirlo de manera más pasional, ante un discazo.

"Subiza" viene en cierto modo a ser una versión extendida de lo que formulaba el EP, que de este modo se nos presenta como un disco de presentación o planteamiento. En él, las referencias son muchas, casi tantas como las capas de sonido que se superponen en sus pistas, pero una destaca, a juicio de quien firma, por encima de todas: Animal Collective / Panda Bear.

De ellos, Delorean toman la visión y el concepto; el formato que estos perseguían y planteaban en su aclamado "Merriweather Post Pavillion": ese sonido acuoso, ese fluir de las melodías, las pistas y las capas de sonido; ese intento de que todo simplemente fluya, entre ecos, coros y sonidos africanos... Pero con un añadido, que creo es uno de los grandes aciertos del disco: la recuperación de la melodía. Este, que quizá era uno de los elementos que más se criticó al disco del colectivo animal, aparece brillantemente resuelto en "Subiza" y representa el punto en el que Delorean difieren de la fórmula de Panda Bear & Co.... constituye el elemento que aportan: neopsicodelia pop aplicada a las pistas de baile, podríamos decir.

Como hemos señalado, ésta es una referencia...pero hay más. A medida que uno va escuchando el disco, los sonidos se agolpan en los oídos: ¿reminiscencias a Vampire Weekend? (es curioso, pero cuando más escucho el disco, mayor paralelismo les encuentro), ¿ramalazos de electrónica noventera? (abriendo, quizá, el revival que se avecina de esta década), ¿muchas capas propias de los mismísimos Cut Copy o Air France? (leía, sobre esto, a quien señalaba que 'Subiza' es el disco largo que nunca hicieron estos últimos)....

Esta riqueza de influencias nos habla, por lo demás, de lo bien tratadas que están las pistas y sus mezclas, lo bien montadas que se encuentran. Lo armónico de los miles de detalles y sonidos que componen cada entrega del disco. Nuevamente, lo hermoso del fluir; en definitiva, la quimera del sonido acuoso.

En el debe del disco, para que no todo sean alabanzas, se debe anotar la ausencia de un single claro, quizá debido a lo imposible de repetir, en este registro, las mencionadas canciones del 'Ayrton Senna' (Deli o Seasun).

Al final, después de muchas escuchas, en las que he disfrutado como hacía tiempo que no lo hacía, a uno se le agolpan, sobre todo, tres ideas:

1) Que Delorean ha logrado hacer, gracias al rescate de las melodías, el disco accesible que se esperaba de Animal Collective, y que estos apuntaron en el 'Merriweather Post Pavillion'

2) Que si hubiesen guardado las cuatro canciones del EP y las hubiesen publicado dentro de este LP, posiblemente estaríamos ahora hablando de uno de los grandes discos de la década que acabamos de inaugurar. Yo, precisamente por eso, he refundido EP y LP en mi reproductor, y he decidido pasar a disfrutarlos como una unidad.

3) Que, por qué no decirlo, da gusto que cuatro chavales de Zarautz -de aquí cerca, en definitiva- se marquen semejante discazo y se codeen con lo mejor de la actual psico-electrónica pop.

Edito para dejaros el link del disco en el spotify:

Rafa.

"Viaje" de Yuichi Yokoyama

2010-04-26T09:53:00.011+02:00

Si quieres vivir una experiencia intelectual-emocional del máximo nivel no sigas leyendo este post. Tampoco te vayas a entrecomics o a "La Cárcel.." que tienen posts mucho mejores que este sobre el cómic de Yokoyama, aunque igual de reveladores de lo que no deberías descubrir antes de llegar a las últimas páginas de "Viaje". Va en serio, te dejo unas líneas más para que comprendas lo que te estoy proponiendo: que dejes de leer este sitio web para que tu mente, desnuda y libre de preconcepciones, pueda disfrutar al máximo de un cómic que parte de una idea sencilla que, si es desentrañada, pierde potencia. No nos equivoquemos, el cómic te seguirá pareciendo genial, pero no será lo mismo, habrás perdido una oportunidad única de emprender un viaje maravilloso.

¿Sigues aquí? Estás a tiempo, total, si te pica la curiosidad, puedes leer el blog después. ¿No? Vas a seguir aun arriesgándote a que te desvele el misterio que encierra "Viaje" y lo que ello implica, pues vayamos a ello.

El misterio de "Viaje", aquello que vale la pena no saber antes de empezar a leerlo es..............NADA. Nada, absolutamente nada, o, quizás mejor, aparentemente nada. Viaje no va de nada, no tiene trama de fondo, no hay nada que contar, su historia no lleva a ningún sitio, no termina en nada, estás esperando a entender qué es lo que ocurre y en realidad no ocurre nada, sólo tres personas que suben a un extraño tren del futuro, emprenden un viaje, y llegan a su destino. Nada más, ningún misterio de fondo, ninguna trama extraña, simplemente un viaje del que no sabes ni el destino, ni el objetivo, ni el sentido, pero que llevas a cabo exactamente igual que sus protagonistas.

Y esa es la genial trampa de "Viaje", y esa es la maravillosa sensación que uno experimenta mientras espera a "los malos", o a "los buenos", mientras piensa si los viajeros huyen, persiguen o llevan una bomba, mientras se pregunta por sus objetivos, mientras, sin quererlo, uno se fija en cada detalle para intentar comprender qué está pasando. Mientras todo eso ocurre, o, mejor dicho, parece que nada ocurre, el lector acaba viajando entre gentes extrañas, con camisas y peinados imposibles (que diría Nacho Vegas) redondos por arriba, haciendo círculos o espirales, cortados en tres partes o dibujando siluetas sobre la cabeza; observa como los viajeros buscan su asiento en vagones futuristas en los que cada silla es distinta; recibe miradas de los que ya están acomodados, unas inquietantes otras vacías; descubre grupos extraños de personas; y empieza a fijarse en el paisaje..........

Cortado por la velocidad del tren aparece ante nuestros ojos un mosaico de Ciudades de aspecto futurista pero reconocibles, ciudades de aspecto futurista absolutamente irreconocibles, extraños túneles de vegetación que van formando bloques que pueden ser casas; puentes infinitos que bordean ríos sobre los que flotan extrañas barcazas que parecen meros troncos de madera; aves que vuelan al pasar del tren pero, también, yerbas y tulipanes que parecen haber surgido de forma salvaje de las propias vías y que al ser cortados por éstas crean sobre las ventanas un mural de colores en blanco y negro; caras, de nuevo imposibles algunas de ellas, de pasajeros de otros trenes con los que se cruza el nuestro; nieve, lluvia y, de repente, luz, que al filtrarse por las ventanas y mezclarse con el agua crea ondas, brillos y reflejos mágicos similares a los que surgen más adelante del humo de los cigarros que los pasajeros echan de sus bocas poco antes de senatrse de nuevo y enfrentarse a nuevos paisajes de rascacielos, parques con animales vagando tranquilamente, lo que parece una academia de tiro en los que se dispara a extraños patos que vuelan impasibles, y hasta llegar a la estación final de la que descienden y desde la que caminan hasta el lugar extraño que parece ser el final de su "Viaje".

Y allí, observando esos raros bloques de hielo o de cristal que flotan en el agua, mientras los tres protagonistas te dan la espalda, te das cuenta por fin de que el viaje, este, pero cualquiera de ellos, no tiene un sentido u objetivo separado del suyo mismo: el viaje.

Número 3 de hebe: parade y la soledad y más cosas chulas

2010-04-23T01:16:00.004+02:00

Pinchad la imagen, fijaros bien y alucinad con la ilustración, al más puro estilo Miyazaki, que sirve de portada al número 3 de Hebe. Una auténtica joya que anticipa lo que hay dentro de ese extraño proyecto de magazine que un par de colgados y muchos seres extraños más están haciendo realidad. De verdad, deteneros un momento en la revista, soltad el ratón un segundo después de clickear en alguna sección que os llame la atención, leed, mirad y escuchad. Hebe os dará un ratito de felicidad. O por lo menos eso figuraréis que está pasando.

En este número tres QPH? colabora, además, de forma muy especial, con un pequeño homenaje al que ha sido, y sigue siendo, uno de nuestros discos favoritos de los últimos tiempos, La fortaleza de la soledad, de Parade. Gracias a Hebe, a su empuje y talento, conocí a Antonio Galvañ y su maravillosa gente, y tomé con ellos unas cervezas (precisamente en el sitio de tapas del barrio donde celebré mi plaza, ¿os acordáis mis colegas?) antes de su concierto en una sala de la zona de la madera de Alicante. En aquél momento, y al saber que volverían a Elche en poco tiempo (en L´escorxador en un concierto en familia el 15 de mayo, si no me equivoco) decidí no hacer la entrevista y simplemente hablar un poquito con Antonio, su hermano, su cuñada....., vamos, toda la family. Precisamente hablamos de family, de Ibon y las aventuras de Kirlian (que declaró Antonio como su influencia más evidente y esencial), de Carlos Berlanga, de Vainica Doble, de los ochenta, de las listas, de la bien querida que les ha ganado en todas menos en la nuestra, y un poquito de la soledad.

Después de hablar un rato con un Antonio felíz, le dije que tenía suficiente y que nos volveríamos a ver. Seguro que será así. Lo que saqué de todo ello, y mucho más de ilustradores, fotógrafos y escritores de gran nivel (entre ello un cómic corto desternillante de uno apellidado !!Galvañ!! y que hacía unos coros muy profis), está en el número 3 de Hebe, que ya está en vuestro quiosco digital (http://www.hebemagazine.com/es/) y sin pagar. No os lo perdáis.

Los planetas y la nueva prensa musical: !toda la vida la misma canción!

2010-04-20T12:38:00.007+02:00

Así que algo importante
está a punto de ocurrir.
Despiértame un poco antes,
tal vez me pueda divertir.
Todo lo que pensé
que nunca haría anda por aquí.
Está tan cerca que casi
está dentro de mí.

Y si la próxima gran cosa
de pronto va a suceder,
tendrás que darme algo de tiempo,
es algo que no me podría perder.
Y si has pensado
que estos chicos no parecen escuchar,
será mejor que no hables,
no digas nada más,
no digas más,
no digas más.

Y si has pensado que
las cosas se podrían mejorar,
será mejor que no hables,
no digas nada más.

No digas más,
no digas más,
no digas más,
mejor no digas nada más,
podría ser que alguien se enfade,
no digas nada más.

Viene esto a raíz de la publicación en el blog musical de El Mundo (http://www.elmundo.es/blogs/elmundo/rockandblog/2010/04/20/mas-droga-para-los-planetas-por-favor.html) de un artículo crítico, pretendidamente demoledor, de "Una ópera egipcia", el último disco de Los planetas, y también del propio grupo. En primer lugar hay que avisar, para los que no lo conozcáis, que el blog del que hablamos es algo tópico, en el sentido de que es muy del tipo: "soy un periodista super malo que tengo criterio propio y por eso me cago en todo aquello que no sea lo que a mí me de la gana que mole. Voy de "enterado musical" pero no de "independiente", por lo que de vez en cuando me desmarco con algo comercial. Escribo y valoro sin ningún respeto, dado que soy malo y muy chulo, pero en el fondo soy un relativista absoluto, pues critico las cosas sin argumento o con razones que van cambiando sobre la marcha". Es decir, un blog que vale la pena leer para divertirse, incluso para reírse, un rato, pero desde luego no para descubrir cosas nuevas ni para leer opiniones interesantes y bien escritas sobre las tendencias musicales actuales".

La última machada del bloguero de El Mundo ha sido poner a parir a los planetas. En un momento en que parecen ser casi intocables para la prensa musical especializada, quizás por ser los supervivientes de una generación musical que dió mucho de que hablar y quizás no tanto de qué oir, el periodista musical se desmarca poniéndolos a parir:

"Los Planetas debieron disolverse hace ya muchos años, quizás una década. Concretamente cuando se disolvió su cerebro, lo que probablemente acaeció por escribir siempre la misma canción y no (sólo) por su amistad con determinadas sustancias". "Los Planetas siguen poniendo cara de mala persona como nadie, pero han preferido hacer siempre la misma canción como camino a la inanidad. Ahora han llegado a su destino: 'Una ópera egipcia' es una brasa en que todo suena igual de anodino y previsible. Un coñazo pseudoflamenco de nulo pellizco. Y ya van demasiados. Un poco de dignidad y menos arrastrarse, Jota. No hay nada menos gracioso que oir el mismo chiste 20 veces; Los Planetas lo llevan contando 1.000. Los engañabobos de las revistas de tendencias se esfuerzan en camelar a sus rebaños de lectores-oveja, pero los granadinos llevan demasiado tiempo de espaldas a la inspiración y no hay cojones a decirlo. Son la prueba muriente de la anorexia del panorama".

Lo cierto es que si dejamos a un lado el evidente mensaje egocéntrico que se refleja en el "no hay cojones a decirlo", me parece que es interesante, e incluso necesario (dentro de lo irrelevante que es todo esto), el debate de si realmente los planetas llevan haciendo toda la vida la misma canción y si eso es malo. Está claro que para gustos, colores; pero aquí estamos hablando de una banda que, para muchos, es casi el referente de la música "de calidad" hecha en nuestro país. ¿Es posible que se hayan agotado las ideas de Jota? ¿Qué debería hacer, tomar drogas como le sugiere el sutil periodista de El munndo, o dejar la música al no saber más que hablar de........? ¿De qué habla siempre la misma canción de los planetas....?

Vamos, que me parece buena idea la de hacer un post, como al fin y al cabo ha hecho este periodista musical, para que la gente entre en el blog y deje su comentario sobre si realmente repiten Los Planetas la canción y si ello es tan reprobable como opina este chico. Yo no voy a ser menos. Un saludo.

Sam Amidon - I see the sign (2010, Bedroom Community)

2010-04-17T23:34:00.004+02:00

Hoy escribo una entrada para recomendaros la escucha del último disco de un artista que, tras sus dos últimos discos, se está convirtiendo en una de mis debilidades personales: Sam Amidon.

No es ésta una recomendación fácil, porque el estilo de la música que hace el amigo Amidon no se inscribe en la corriente general de los gustos mayoritarios y, desde luego, no es "easy listening". Y es que este americano, nacido en 1981, practica un folk muy alejado de las nuevas corrientes musicales electrónicas tan en boga. Lo suyo es un folk intimista, muy de escuela clásica de los años cuarenta (guitarras, banjos...), donde la voz y las historias que nos cuenta son normal y "casualmente" acompañadas de una música que se decanta por lo intimista, dibujando atmósfera grises y densas, cargadas de recogimiento y reflexión.

Su anterior disco, publicado en 2008 bajo el insuperable (para un album de folk) título de "All is well", era ya un disco fantástico que apuntaba grandes maneras y que lo elevó, en los sectores especializados, a la categoría de la nueva gran promesa del género y en el compositor con más proyección de su generación. Lástima que esa proyección no se transformara en la popularidad que se merece dentro de la escena músical actual, quizá debido a coincidir en ese mismo año con un disco muy parejo en concepto y ejecución, que fue el que finalmente se llevó el reconocimiento general, como fue el también excelente disco de Bon Iver "For Emma... forever ago".

Pero, tras muchas escuchas en paralelo (llevo sumido en esta dulce labor un par de días) lo menos que se puede decir de este "I see the Sign" es que el mismo está a la altura del "All is well" y que, en muchas ocasiones, lo supera, al presentarnos a un Amidon más seguro, más confiado en sus propias capacidades, que es capaz de materializar con mayor acierto el talento natural para contar buenas historias que posee.

El disco tiene momentos simplemente soberbios, como son 'How come that blood', que abre el disco, "You better mind" o la deliciosa 'Way go Lily', entre otras muchas.

En definitiva, este disco se nos antoja como una de esas preciosas joyas que pasarán posiblemente desapercibidas entre la gran oferta musical de estos tiempos, pero que pasa a forjar, poco a poco, la carrera de un singer/songwriter que puede llegar en un futuro mediato -pues argumentos no le faltan- a construir una carrera musical a la altura de un Will Oldham o un Bill Callahan.

Así que ya sabéis, si buscáis en un momento dado un disco íntimo e introspectivo, no dudéis en darle una oportunidad a este disco de Sam Amidon.

Rafa.

Standstill - Adelante, Bonaparte (2010)

2010-04-14T23:01:00.010+02:00

Uno de los elementos más importantes que siempre he tenido en cuenta a la hora de valorar un disco es la sensación que el mismo me provoca, las emociones que me genera. Lógicamente, ese no es el único criterio que tengo en cuenta ni que creo que haya que tener; en realidad, puede que ni tan siquiera sea el esencial, pero si es determinante. En definitiva, si el arte es comunicación, la emoción que el mismo genera constituye su objeto.

Pero con los años, y a medida que me voy haciendo mayor y voy teniendo mayor bagaje musical a mis espaldas, empiezo a tomar conciencia de un aspecto relevante de la emoción: su perdurabilidad en el tiempo. En efecto, una característica que parece consustancial a la emoción es su inmediatez: escuchamos algo y nos emociona y eso sería lo aparentemente importante; aquí y ahora esto me emociona, es bueno.

Pero esto, que no deja de ser cierto y, en gran medida, una verdad de perogullo, no debe hacer que olvidemos que el objeto del arte no puede ser lograr la mera emoción inmediata, sino que, yendo más allá, debe buscar trascender a lo efímero y lograr la nota de la permanencia, lo que lógicamente resulta más difícil de conseguir. La diferencia entre un buen disco y un gran disco se encuentra (junto a otros factores), precisamente en esta capacidad de perdurabilidad sensitiva; en esa capacidad para erizarnos el bello cada vez que lo escuchamos.

Todas estas reflexiones las traigo a colación en este momento, a resultas de mis experiencias con el disco recién publicado de Standstill, llamado "Adelante, Bonaparte".

Presentado en la forma de EP, compuesto por tres discos, nos encontramos ante un ambicioso proyecto en cuanto a su planteamiento, que pretende reflejarnos la trayectoria vital y emocional de un sujeto a resultas de la muerte de su padre.

Este "Adelante, Bonaparte" es un disco que entra muy bien, especialmente por haber situado en su segunda pista la emocionante y directa "Hombre Araña" y tras las primeras escuchas, a medida que uno va desentrañando la historia, no siempre evidente, que se esconde tras las letras, las sensaciones que causa en el oyente son muy poderosas. No sólo me ha pasado a mi, varios amigos con quienes he comentado el disco se encontraban en el mismo estado de "enamoramiento puramente emocional" hacia él. No en vano, la blogosfera parecía haberlo recibido como el nuevo gran disco del pop español.

Pero a medida que pasa el tiempo y las escuchas se suceden, el disco se va tornando cada vez más en uno de esos globos de nuestra infancia: reluciente y pleno de vida durante los primeros días de juego, y deshinchado y olvidado en una esquina a los pocos días, hasta que termina siendo pinchado.

El trabajo de Standstill emociona de primeras, pero no supera el reto de mantener esa emoción en el tiempo; no consigue perdurar. Fracasa. Se deshincha.

Ello quizá sea debido, en gran medida, a lo ambicioso del proyecto o tal vez (y más seguramente) a la sensación que las escuchas dejan en el oyente de que el disco no fue creado para comunicar, sino especialmente para emocionar; tras cada canción, tras cada letra que se encierra en el disco, pasada la primera impresión, uno no puede dejar de entrever recursos que buscan emocionar. El disco, en definitiva, no parece creado desde la sinceridad, sino desde el intelecto y eso es algo que se encuentra reñido con los sentimientos.

En definitiva, si esta entrada hubiera sido escrita hace unas semanas, os estaría contando las maravillas del disco, lo majestuoso de su sonido... escrito ahora, sólo refleja la decepción del niño que una mañana descubre su globo pinchado en una esquina de la habitación.

Rafa.

Internet no será otra TV (Ojalá, Miguel!!!!!!!!)

2010-04-10T17:36:00.003+02:00

Miguel Brieva es uno de los personajes más peculiares y más importantes del cómic español de las últimas décadas. Su magnífico trabajo plasmado en la revista, luego cómic integral, "Dinero", y en la genial "enciclopedia universal clismón", y el carácter claramente ideológico anti capitalista que ambas expresan, lo sitúan como alguien absolutamente imprescindible en el panorama artístico underground español. Digo el de verdad, no el pretendido andergraun. Brieva es un gran dibujante y un brillante narrador, pero es el hecho de su ferviente, incluso radical, defensa ideológica lo que le sitúa, a mi parecer, unido a su brillantez, en un lugar clave en el mundo de la historieta. Las personas realmente libres y radicales son esenciales para el arte que, sin ellas, se estancaría.

Ahora, fiel, como no, a sus creencias y a su lucha, publica el siguiente poster tan de actualidad. Os ruego que lo repaséis bien y que penséis hasta qué punto es posible, y qué tendríamos que hacer, para lograr ese propósito, yo creo que imposible, de "Internet no será otra TV". Así sea.

Por cierto. Si queréis leerlo bien, o incluso imprimirlo, aquí tenéis la página de descarga:

http://internetnoseraotratv.net/downloads/

Un saludo a todos.

Este regalo sí que ha sido brillante

2010-04-08T11:22:00.003+02:00

Regalar es una de las actividades lúdico-sociales más divertidas que existe. Me parece muy curiosa la utilización del castellano que hacemos en relación con ello: hablamos de !Hacer un regalo!, mucho más que de "dar un regalo", probablemente porque asumimos que regalar implica un proceso, un desarrollo que no se agota en el entregar lo regalado sino que exige, esencialmente, la selección del objeto. Y aunque el proceso de entrega también puede ser creativo y original, la fase más divertida y compleja es precisamente la de elección del regalo. Podríamos hacer un post de treinta páginas sobre los desarrollos existentes en la "teoría dogmática del regalar", con desarrollos interpretativos interesantes de sus claves como el de quienes piensan que el regalo tiene que buscar el interés personal y utilitarista del reglado, hasta quienes creen que el objeto que se regala tiene que ser una impronta personal del sujeto regalante, pasando por las teorías eclécticas que ponen el acento en uno u otro aspecto según múltiples condicionantes que van desde la relación personal con el regalado, hasta la época del año en que se va a entregar el presente. Lo que es indudable es que hay maestros del regalo, genios absolutos que son capaces de conjugar en el objeto el que el mismo sea una plasmación de la personalidad del reglante, a la vez un bien deseado por el sujeto regalado y, en última instancia, una demostración de cariño y afecto que defina la relación personal entre ambos.

Pues bien, mis amigos son auténticos genios del regalo, cracks del obsequio, que son capaces de regalar un cómic que se convierte en preferido en pocos días, pasando por un robot de cocinera asesina con rayos cósmicos, y un magnífico mini juguete torero con su toro, hasta llegar a un pedazo de papel escrito a mano en el que pone "vale por un libro, cuando llegue". El libro era, ya es, "Suena Brillante", y aunque ha llegado casi dos meses tarde se ha convertido inmediatamente en mi regalo favorito y el objeto de este post, por obra y gracia de mis colegas y, muy especialmente, del maravilloso e intrincado cerebro de Manolín.

Suena Brillante es una canción de Joe Crepúsculo de Escuela de Zebras, su primer LP en solitario; también es un genial video-clip dirigido e ideado por Luis Cerveró, y ahora es un extraño librito de unas 60 páginas editado por Superserie S.L y, de algún modo, por Jesús Umbría y Ping Pong. También es una página web donde venden ¿?, más o menos, esta pequeña joya. Vamos, que "Suena brillante" es ya casi un concepto que reúne a un conglomerado de gente de lo más friky e interesante que existe en la actualidad.

El vídeo ya lo conocéis, y si no, deberíais hacerlo:

El libro "suena brillante" es un extraño manuscrito sobre el videoclip, su gestación, su producción, su grabación y su esencia y sentido. Aunque se presenta en la segunda portada como "Joe Crepúsculo, textos de Oscar Romagosa, Luis Cerveró y Jöel Iriarte", en realidad el libro está escrito casi en su totalidad por Luis cerveró, y es él el que aparece como auténtico protagonista, con Joe como maravillosa e interesante contexto, de la obra. Que Luis Cerveró es lo más es algo que ya sabe todo el mundo que se dedica más o menos a la farándula barcelonesa, pero este libro le sitúa en una dimensión realmente especial. Desde el prólogo, el guión con dibujos y rallados del videoclip, la historia personal de cómo nace su relación con el gran Joe y el proyecto de hacer el vídeo, hasta la explicación final de qué significa cada una de las imágenes de siete minutos que son mucho más de lo que parecen y, a la vez, todo lo que reflejan; suena brillante, el libro, plasma de forma espectacular la personalidad creativa de un artista, de un genio personal de los que hay pocos en el mundo. Y lo hace, además, en relación con otro genio absoluto, Joe Crepúsculo, cuya grandeza y genialidad impregna todas las páginas de suena brillante.

Hay momentos absolutamente ontológicos en el libro: la explicación de Joe de la letra de "suena brillante": "sobre la mediocridad de raza humana y de un Dios omnipotente que baja a la tierra para decir que todo es una mierda excepto lo que él hace. Y que ese Dios era Joe. Bueno, que la letra estaba cantada desde la perspectiva de ese Dios"; el momento del relato de Luis Cerveró los condicionantes personales que le llevaron a idear "suena brillante" como una mezcla entre un compendio de ideas sobre la alquimia y los party shows televisivos que Glenn O´brien producía en una televisión por cable local en Nueva York en los 70 y en el que participaban frikis de todo tipo sin guión ni sentido; y muy especialmente quedarán en mi memoria las páginas en las que Luis, con una pluma de nivel, cuenta cómo se desarrolló la grabación de "suena brillante", con la decisión de darle una botella de cognac a Joe y alcohol a todos los demás, y el consiguiente caos incontrolado, pero ideado, que dió lugar a ese vídeo maravilloso.

En definitiva, "suena brillante" es una idea genial que nos enseña un mundo que algunos sólo observaremos de lejos, como el astrónomo melancólico de parade, pero que está ahí cerca de nosotros: el de los genios creadores que viven por y para la genialidad. Llámales frikis o lo que quieras, pero es indudable que "Esto sí suena brillante"

Pd. Gracias amigos por el regalo

El retorno de las moralejas (II) The eternal smile, un cómic que hay que editar en España

2010-04-07T01:13:00.000+02:00

En realidad la gracia de los cuentos con moraleja no es el contenido moral de esta, no es la enseñanza lo que hace que el relato quede grabado en la mente del lector, es el ejemplo utilizado, el caso propuesto para demostrar la validez del dogma, el que hace que el cuento sea bueno o no. La afirmación de que las mentiras tienen malas consecuencias, más que discutible por otra parte en sentido general pero válida en muchos casos en referencia a los niños a los que sólo se puede proteger si se sabe qué les sucede o qué están realizando, no da por sí misma para contar un cuento, necesita de un buen simil para que el mensaje se transmita con fuerza. Lo de que le crezca a uno la nariz por mentir es una buena idea, muy buena, como también lo es la historia de un Dios-Rey Mono de poder casi ilimitado que. sin embargo, y después de machacar a decenas de dioses que se habían reído de su aspecto de mono, vuelve a su palacio y cuando entra a su cámara real percibe un denso olor a mono que nunca antes había apreciado y comienza a pensar en cómo deshacerse de él.

En chino americano, el primer cómic que leí de Gene Luen Yang, autor principal del cómic que estoy recomendando con más rodeos que Old Shatterhand tratando de espiar a los indios, la moraleja tiene que ver con la necesidad de reconocerse a uno mismo antes de iniciar cualquier camino vital. Pero la fábula es buena no porque sea cierto, válido o necesario el mensaje, que lo es, sino por la brillante forma de contarlo: tres historias separadas entre sí, la autobiográfica de un asíatico americano que, como cualquier adolescente, sólo desea integrarse en una clase de instituto, la historia de un joven americano bien considerado por amigos y amigas que recibe la visita de su insoportable primo Chin-Kee, y la del rey mono que tiene la difícil decisión de elegir entre quedar enterrado para siempre en una montaña de piedras o aceptar que es lo que es, un mono; conforman unidas un mosaico sobre la difícil búsqueda de la identidad en la adolescencia que no tiene parangón en el mundo del cómic y que fue reconocido con todos los premios habidos y por haber en este mundillo. Parece ser, sin embargo, y según me comentó el jefe de Freaks en Barcelona, que Chino americano no se vendió bien en España. Recuerdo a mi amigo Isra diciendo: "tío, veintiséis euracos por un librito así". Lo cierto es que la edición de la cúpula era buena, especialmente el entintado y el acabado del papel, pero era un libro muy caro y, también hay que decirlo, con un estilo de dibujo muy novedoso, entre el manga y el cómic infantil americano de influencia Dysneyniana, que no parece ser del gusto del consumidor español más cercano al dibujo ultrarrealista americano o al de estilo afrancesado.

Este factor -escaso- éxito es importante a la hora de que las editoriales decidan qué obras se van publicar en España en un momento en que hay mucha oferta proveniente del extranjero. También ha sido determinante para que me decidiera a publicar esta crítica a un cómic que fue editado en mayo de 2009 en EEUU y que todavía no lo ha sido en España. ¿Apostará La Cúpula por ello¿ ¿Será otra la que decida dar una opotunidad a la nueva obra de Yang? Yo voy a tratar de aportar mi granito de arena para que así sea.
The eternal Smile es el nuevo cómic de Gene Luen Yang y Derek Kirk Kim (el primero como guionista y el segundo como dibujante) los dos máximos representantes de la generación de autores de cómic de origen asiático-americano que en sus libros han expresado la problemática social de la integración de este numeroso grupo de americanos. Lo hizo Yang en Chino americano, como ya he comentado, y lo hizo Kim en "La misma diferencia y otras historias", una recopilación de historias en la que destacaba la que da el título principal que narraba con una sutilidad exquisita la intromisión, sin malicia ni razón, en la intimidad de un joven que no había encontrado aún su lugar en el mundo por parte de otros dos inadaptados. La moraleja aquí era más sutil, pero también existía: no juzgues a los demás si no eres capaz de juzgarte a tí mismo. Kim ganó por este cómic los tres grandes: Eisner, Harvey e Ignatz.
La unión de ambos genios, pues, difícilmente podía dar mal resultado, aunque tampoco garantizaba un cómic tan original y sugerente como "The eternal smile". De forma similar a lo que ocurre en Chino americano, aunque con enlaces más sutiles y más de espíritu que de trama, la sonrisa eterna, que así podría traducirse el título, está formado por tres historias aparentemente desconectadas entre sí pero que, juntas, forman un puzzle precioso con piezas tan unidas que parecen imposibles de separar. La moraleja, en este caso, tiene que ver con la tendencia a huir de la realidad, a crearse un mundo imaginario desde el que encontrar sentido a lo que no parece tenerlo en la "vida real". Su sentido, sin embargo, y al igual que ocurre en algunas grandes fábulas, no es totalmente unívoco, sino que tiene matices que la convierten en una enseñanza aún más real: en ocasiones la fantasía no es más que una maraña de excusas tejidas por el miedo a enfrentarse a una realidad que, una vez afrontada, se torna imprescindible y deseable para el protagonista; en otras creemos vivir en un mundo que no es más que una mentira, y cuando la misma se desmorona nos damos cuenta que todo aquello que considerábamos esencial no lo es tanto, y que la nueva realidad merece tanto ser vivida como la anterior; y, por último, hay casos en los que, al igual que en el primer caso, somos nosotros mismos los que construimos la fantasía para huir de la realidad pero, por el contrario, esa idealización nos sirve como apoyo desde el que afrontar una realidad que no ignoramos pero que nos gusta disfrazar para vivir más felices. No se si habréis entendido nada, pero eso es simplemente porque no habéis leído esta delicia de fábula en la que, de nuevo, lo importante no es tanto la moraleja, como la genial forma de contarla: el joven soldado Duncan que tiene que matar al rey de las ranas para poderse casar con la hija del monarca que ha sido por aquél asesinato; la ambiciosa y codiciosa rana Gran´pa Greenpax que construye un complejo religioso-turístico para sacar dinero de una extraña sonrisa que ha aparecido en el cielo en medio del desierto y que todo el mundo mira con devoción, y la tímida Janet que harta de no prosperar en el trabajo de oficina decide contestar al correo electrónico del príncipe Alembu en el que le cuenta que es un rico heredero africano que necesita que alguien le ayude abriendo una cuenta corriente en la que irá ingresando toda su fortuna. Todos ellos viven en fantasías y en realidades de las que huir y de las que crear, y todos ellos conjugan un cómic maravilloso que de llegar al mercado español haría las delicias de muchos seguidores de las mejores joyas del noveno arte.

Moraleja: Si quieres leer buenos cómics, ten paciencia o aprende inglés.

"Neil Young - Zuma (1975)"

2010-03-25T09:00:00.011+01:00

Como ser humano que soy y, por lo tanto, con la necesidad de socializar lo que veo, siento y disfruto, soy de los que suele de vez en cuando hacer referencia en el facebook a los discos que escucho y me tienen emocionado. El caso es que coincidiendo con el día del padre, mi mujer y mis hijos me hicieron uno de los mejores regalos que se le pueden hacer a un padre melómano: una edición original de 1975 del grandísimo "Zuma" de Neil Young, en vinilo.

Fue ponerlo y, como podréis imaginar, empezar a sentirme totalmente rendido a los pies del maestro Young y, cuando empezaron a sonar los acordes de la grandísima "Cortez the Killer", no poder evitar el impulso de compartir "con el mundo" y gracias al facebook, la pequeña experiencia que estaba viviendo; "Neil Young - Zuma (1975)", fue cuanto escribí en mi perfil (en un ejercicio de extremada mesura para lo que suele ser habitual en mi).

Cuento todo esto porque la reacción que se produjo entre mis contactos fue cuanto menos curiosa, aunque ciertamente no sorprendente. Esa simple frase desencadenó una "conversación" con 39 intervenciones (de muy distinto estilo), que en el internet 2.0 es cuanto menos significativa. A cuatro amigos les gustaba el Zuma de Neil Young (tienen buen gustos mis amigos, lo sé). Pero lo más interesante es que a otros contactos mi referencia les sirvió para lanzarse a opinar cuál era su disco favorito de Neil Young. Uno apuntaba el "Everybody Knows this is nowhere", siendo replicado por alguien que le recordaba la dupla "Rust never sleeps" y "Rust never sleeps live", lo que era contradicho por quien prefería el "After the Gold Rush" o quien llamaba la atención sobre lo impresionante del "Harvest". ¿Y el "Tonight's the Night"?, decía otro...

Y es que esta conversación pone el acento en una cuestión que por cotidiana quizá nunca es lo bastante puesta de manifiesto: la grandeza del señor Neil Young. No es sólo ya que comenzará su carrera con "Buffalo Springfield" o "Crosby, Stills, Nash & Young", si no que sus primeros discos encierran una discografía absolutamente impecable y apabullante.

Si lo pensáis, entre los grandes artistas suele ser habitual que cada uno de ellos tenga varios discos de alta calidad, pero en general, y dejando las preferencias personales al margen, generalmente vinculadas a recuerdos y situaciones vivenciales individuales, suele existir un acuerdo en cuál es el gran disco de cada uno de ellos: "Blonde on Blonde", de Dylan, "Velvet Underground & Nico", de la Velvet, "Sgt. Pepeer's Lonely Heart Club Band", de los Beatles, "Pet Sounds", de los Beach Boys, "Ziggy Stardust" de Bowie, "Rain Dogs" de Waits... Pero en el caso de Neil Young no existe este acuerdo. Cada oyente cuenta la película según lo ha oído... y lo interesante es que no dejan de tener razón cada uno de ellos, pues sus argumentos serían probablemente convincentes.

El "Everybody Knows this is nowhere" es el primer gran disco de Young, el que rompe con la acústica de Crosby, Stills, Nash & Young e introduce las guitarras. "After the Gold Rush" es un clásico, un disco mítico. "Harvest" fue el disco de su consagración, el disco de "Alabama", "Old Man" y, sobre todo, de "Heart of Gold" y su lírica y coros. En "Zuma" está "Cortez the Killer", que es, ella sola, más grande que la discografía entera de muchos músicos. Pero "Rust Never Sleeps" es uno de los precursores de tantas cosas (garaje, shoegaze y porque no, punk...)....

El intercambio de impresiones en el facebook, pues, me puso de manifiesto un dato que siempre ha estado ahí, ciertamente, pero que muchas veces se nos olvida cuando hacemos listas, hablamos de los mejores, etc.: la grandeza de Neil Young, padre destacado del sonido de la música americana de hoy en día.

Pero quiénes y en qué medida sean el Padre, el Hijo y el Espíritu Santo de la música actual es otra discusión, que sólo tiene sentido si median unas cañas de por medio...

Rafa.

El retorno de las moralejas (I) Introducción innecesaria a un cómic imprescindible

2010-03-24T09:43:00.000+01:00

Uno de los recuerdos más claros que tengo de mi infancia es el de mi madre leyéndome el cuento de "los siete cabritillos", ya sabéis, el de los cabritillos que se quedan solos en casa y la madre les dice que sólo abran a quien enseñe la patita por debajo de la puerta, y que termina con el lobo manchado de harina en una pata zampándose seis de las crías y la madre aprovechando la siesta de la bestia para abrirle la tripa y cosérsela después de cambiar a los cabritillos por piedras. Me horrorizaba y me encantaba a la vez, como también lo hacían otros muchos cuentos como el de los tres cerditos y el lobo, Pinocho o el de Hansel y Gretel, cuentos en los que la historia era casi una excusa, a menudo genialmente ideada, para contar una moraleja.

No he buscado en ningún diccionario la definición de moraleja, pero todos sabemos lo que es: una enseñanza moral, un juicio ético sobre un comportamiento que funciona como una valoración de lo hecho en retrospectiva y un modelo de conducta para el futuro en prospectiva. La moraleja, además, utiliza el sistema inductivo de forma totalmente interesada: se muestra un caso concreto y las consecuencias que tiene el actuar (consciente o inconscientemente) conforme a un principio ético determinado, y luego se critica dicho principio moral y/o se muestra otro alternativo que hubiera llevado a unas consecuencias más deseables (o menos, según la estructura narrativa). Así funcionan gran parte de los cuentos de Perrault, los Grimm o Andersen (también el traje del emperador, citado recientemente en un brillante post de Rafa QPH?), o por lo menos así lo hacían hasta que han sido mutilados para el público infantil por parte de muchas editoras de material escolar (y no sólo) de la actualidad. No os podéis imaginar lo curioso que es escuchar o leer los cuentos de toda la vida en versión "no creemos traumas a nuestros niños": desde los tres cerditos en los que no se nombra el material que cada uno utiliza para sus casas no sea que al niño le caiga mal alguno de los gorrinos, pasando por un pinocho descafeinado que dice mentiras pero no le crece la nariz, hasta llegar a una caperucita roja en la que la abuela no ha sido todavía devorada por el lobo y está amordazada en el armario mientras su nieta tiene la mítica conversación que no acaba con el cánido engullendo a la niña sino muriendo a manos de un cazador que !pasaba casualmente por allí!

Aunque aparentemente todas estas, y otras muchas, modificaciones de los cuentos dejen intacta la esencia de los cuentos, no es así: se puede mitigar o disimular el horror, pero si se elimina del todo entonces también muere la moraleja. Tomemos como ejemplo el cuento popular sobre lo seguro y lo peligroso en su versión de Perrault:

La niña bonita,
la que no lo sea,
que a todas alcanza
esta moraleja,
mucho miedo, mucho,
al lobo le tenga,
que a veces es joven
de buena presencia,
de palabras dulces,
de grandes promesas,
tan pronto olvidadas
como fueron hechas.

Que quedaría de esa mítica moraleja si pensamos que siempre aparecerá un cazador que nos salve del peligro, y que queda de Pedro y el Lobo si al final tiene la suerte de que las ovejas consiguen escapar al lobo, o de Pinocho si al final da igual que mienta o no pues siempre acaba con Gepeto, etc.... El cuento sigue, pero la moraleja pierde fuerza y sentido.

Y no creo que esta moderación de la moraleja en la narración de cuentos clásicos en la actualidad sea sólo una dulcificación (a veces recomendable y a veces no). Es decir, no creo que se deba sólo a un paternalismo irracional que piensa que es posible apartar el horror de las vidas de las personas por el hecho de no nombrarlo, de ignorarlo y de negar su existencia, y que pretenda dejar intacta la enseñanza (como ocurre en algunas versiones recomendables) pero eliminando lo traumático de la historia. Más bien creo que las moralejas, y todo lo moral en general, son políticamente incorrectas en la actualidad al representar una declaración de verdad, una proposición de lo que está bien y lo que está mal en un momento actual en el que, en ocasiones para bien y en otras para mal, tal dicotomía está totalmente puesta en duda.

La moraleja implica una actitud moralizante, una declaración del que la realiza llevada a cabo con sentido ético, con propósito, además, o por lo menos eso se sobreentiende, de que el receptor adecue su conducta a la dirección moral marcada por el principio declarado a partir de la constatación de su validez en un caso concreto. Y parte de razón no falta en esta visión crítica de las moralejas por lo engañoso que es el proceso de derivación de lo éticamente correcto en los cuentos: se declara como universalmente válido un principio a partir de un hecho concreto que, sin embargo, no tiene vigencia universal: el peligro viene de lo desconocido, no de lo conocido, se dice en caperucita, cuando podríamos poner muchos ejemplos de casos en los que no es así.

Sin embargo la crítica, a veces influida por un relativismo moral mal entendido, olvida que las moralejas son como las lentejas, si quieres las tomas y si no las dejas. Las enseñanzas éticas se pueden tomar como axiomas universales, como proposiciones válidas para cualquiera y en cualquier situación, o bien como reflexiones derivadas de experiencias individuales o colectivas que pueden servir para formar la propia moralidad. Al fin y al cabo nuestra construcción personal, con su componente moral o ético, requiere del aprendizaje personal y, por tanto, de la percepción de distintas visiones del mundo que al interaccionar con el día a día y con las consecuencias y argumentaciones sobre las mismas den lugar a nuestra propia concepción ética. Pero para eso, para poder ser nosotros y para poder construir nuestra propia visión ética del mundo, es necesario que se nos ofrezcan concepciones determinadas, visiones sobre el bien y el mal, pues para decir que algo es regular, o para afirmar conscientemente que "!!!!!!depende!!!!!!!", es necesario previamente haber escuchado, leído o planteado un esto es correcto y un esto es incorrecto. Vamos, que al relativismo sólo se llega desde el absolutismo.

Madre mía que paja. Y todo esto venía a cuento de un cómic, y de uno de sus autores, que recupera la moraleja como centro del sistema narrativo "cuento" y la lleva a su máxima expresión de genialidad de "moraleja ambigua" sobre un tema realmente difícil de tratar: el escapismo o la tendencia de muchas personas a buscar realidades paralelas para huir de la ¿auténtica? Pero bueno, eso será otro día, en el (II).

Un guiño para los que hayan llegado hasta aquí ;)

Barcelona es friky si la bolsa........ (Loa y propuesta de un deseado plan F para ZP)

2010-03-23T00:46:00.001+01:00

Los Frikis estamos de moda, tanto que damos sentido a la paradoja Umberto-econiana de los apocalípticos que acaban integrados en el propio sistema que detestan: hoy la palabra Freak es sinónimo también de in, de cool, y de cualesquiera otras que vengan a decir que eres guay, que te enteras, que estás en lo que hay que estar, o parecido. Vamos, que como diría el tema (en momentos detestable) "le Freak c´est chic", tanto que hay que tener un montón de pasta para poder seguir siéndolo.

Por lo menos así me sentí el otro día visitando la espectacular joya de la corona catalana de las tiendas frikis, Freaks en Ali Bei, cerca del Arc de Triumf con tres tiendas separadas una dedicada exclusivamente al cine, otra al cómic y otra, más cajón de sastre, a los libros de ilustración, música, arte raro y otras frikadas. En la primera duré cinco minutos, los que tardé en darme cuenta de que tener dos niñas y un doctorado ha servido para arruinar todas mis posibilidades de ser un experto en cine B italiano o coreano, !!!!!!!con lo que me pierdo!!!!! En la segunda tardé algo más, unos 12, dedicados especialmente a hojear un precioso libro sobre "La muerte y los ilustradores mexicanos" que costaba un dineral pero que me hubiera gastado sin mínima consciencia ni remordimiento si no hubiera sido porque me apercibí de que si eso es lo que había encontrado en la tienda de libros, ¿qué podía haber en la de cómics? A ella fuí, y tardé un poco más, una horita, repartida así: los primeros cinco minutos de disimulada sorpresa y paseo relajado por las mesas de impor donde las joyas ignoradas para un imberbe español como yo se apilaban de forma ordenada (contradictio in termini). Los siguientes 10 minutos los dediqué a situar sobre mis brazos sólo aquello que desde mi ignorancia se me antojara absolutamente imprescindible para mi desarrollo cultural como persona civilizada y decente en tiempos de relativismo moral-cultural. Es decir, que antes de llegar a la segunda mesa ya tenía diez o doce "tomacos" en inglés, de lo más variado (un recopilatorio canadiense sobre un ídem que publicaba tiras cómicas de un niño que dedica su leve existencia a putear a sus padres sin el mínimo remordimiento, otro de quince autores que cada uno cuenta una historia con un color determinado, otro que no se de que va pero parece un recopilatorio y la portada es chula y es de Seth, y así), y de lo más caro, hasta el punto que mi primera conversación con el vendedor que me miraba absorto fue: -hola, aquí estoy, ¿por cuánto debo ir? -¿300, 400?, una pasta vamos, por mí, tú sigue. La tercera fase consistió, pues, en deshacer la segunda: devolver a sus lugares todos aquellos tomos que no fueran realmente imprescindibles, vitales y esenciales para mi futuro como padre responsable. Vamos, que dejé cuatro o cinco cosas, e incluso cogí otra que se me había escapado.

La última fase la ocupé hablando con el dueño de Freaks, del que no recuerdo el nombre, sobre el cómic, en una conversación divertida y apasionante en la que cada uno soltó lo que quiso sbre sus preferidos, la industria y varias chorradas más. La verdad es que fue un rato muy agradable el de la charla, durante el cual el barça ya estaba metiendo dos goles al Stuttgart, vaya por Dios. Pero mientras el mundo observaba la gloria del que todo lo puede (futbolísticamente hablando), yo divagaba sobre Gene Lueng Yang y él sobre Crumb y yo me dejaba una pasta tremenda en su tienda.

Y de ahí el título. Lo he dicho otras veces, aunque nunca en público, o no tanto. Yo debería estar subvencionado. No es justo que mi maravilloso y exquisito gusto por las joyas del cómic, por ejemplo las que se presentaron ante mis ojos el otro día en la que quizás sea la mejor tienda del medio en España, se vea trabado por estúpidas limitaciones económicas que no tengan nada que ver, desde luego, con mi exquisita capacidad cerebral para degustar el arte sino, más bien, con mi absurda tendencia a lo vocacional y emocional y no a lo económicamente rentable en lo laboral. En tantas cosas que se gastan los gobiernos nacionales, regionales, locales, territoriales, suburbanales, extraterrenales, forales, vecinales, o espaciales sus infinitos recursos ¿y no hay una mísera financiación de mil euros al mes para un genio lector de cómics, para los ojos portadores de los nervios más elegantes y afilados para la apreciación del noveno arte? Hágase, pues, citando a Crumb, un plan F (Fernando, Freaky, Financiando al devorador de arte), que retribuya el esfuerzo económico que llevamos acabos aquellos, pocos, que tenemos inmensa capacidad para disfrutar del cómic y de otras actividades lúdicas pero que tenemos que acabar dejando en Freaks aquello que se sale de un presupuesto que ni siquiera en la moderación lograría ser denominado razonable. Ahí queda eso.

Pd. La web de Freaks

http://webson.elssons.com/Webs/Freaks/plt_Home.aspx

Una ópera egipcia, lo nuevo de Los planetas, en QPH? vía Disco Grande

2010-03-16T00:45:00.002+01:00

Los planetas presentan nuevo disco en Disco Grande, el programa que les vio nacer allá por el 92 cuando ponía sábado sí y sábado también mi hermana pequeña hasta que se convirtió en un himno generacional. Ahora nos adelantan esta Una ópera egipcia, un disco que parece estancado entre un pasado reciente grandioso y un pasado no tan reciente aún más inmenso. Aún es pronto, pero demasiado buenos para ser malos.

Aquí está el podcast gentileza de Julio Ruiz y su magnífico Disco Grande

Los Planetas incrementan su leyenda (Disco Grande)

Si yo votara........ Premios del 28 Saló

2010-03-14T17:26:00.000+01:00

La cita del Salón internacional del Cómic de Barcelona se acerca, y ya se han presentado las candidaturas a los premios que votan los profesionales del sector del cómic y cuyos ganadores se conocerán el viernes 7 de mayo en el propio certamen. Dado que no soy profesional del sector, puedo votar ya mis preferencias. Ahí van las categorías:

Mejor obra extranjera publicada en España en el 2009
All Star: Superman de Grant Morrison y Frank Quitely (Planeta DeAgostini)
El gusto del cloro de Bastien Vivès (Diábolo Ediciones)
Génesis de Robert Crumb (Ediciones La Cúpula)
Pinocchio de Winshluss (Ediciones La Cúpula)
The Acme Novelty Library de Chris Ware (Reservoir Books)

Está claro que le daría el premio a The Acme Novelty Library, al igual que lo está que habría otros nominados junto a, quizás, Pinocchio (que sube por días) y All Star Superman. Pero vamos, que Chris Ware.

Premio Josep Toutain al autor revelación del 2009
Íñigo Aguirre
Álvaro Ortiz
Tomeu Pinya
Max Vento
Alfonso Zapico

En esta categoría tengo bastantes dudas, Me gustó Café Budapest de Alfonso Zapico que le confirma como tío a seguir desde ya, también me quedaría con Álvaro Ortíz por Julia y la voz de la ballena, me va el mar de Tomeu Pinya, y tiene mucho mérito lo de los ibéroes de Aguirre, pero me quedaría con Max Vento. Sus perdedores merecen ganar.

Mejor obra del 2009
El arte de volar de Antonio Altarriba y Kim (Edicions de Ponent)
El vecino 3 de Santiago García y Pepo Pérez (Astiberri Ediciones)
Endurance de Luis Bustos (Planeta DeAgostini)
Ken Games 1: Pierre de José Manuel Robledo y Marcial Toledano (Diábolo Ediciones)
Las calles de arena de Paco Roca (Astiberri Ediciones)

Aquí tengo claro que ganará El arte de volar, auténtica genialidad que por temática, grafismo y guión podría ser premio cualquier año. Compite Paco Roca con un cómic sencillo como sólo él sabe hacer y que sólo tiene el pero de haber sido creado después del que ya se llevó el premio hace poquito. Vamos, que ganará El arte de volar, aunque yo votaría a Las calles de arena.

Mejor guión del 2009
El arte de volar de Antonio Altarriba (Edicions de Ponent)
El vecino 3 de Santiago García (Astiberri Ediciones)
Ken Games 1: Pierre de José Manuel Robledo (Diábolo Ediciones)
Las calles de arena de Paco Roca (Astiberri Ediciones)
Silvio José, emperador de Paco Alcázar (Ediciones El Jueves)

No me voy a repetir. Lo merece Antonio Altarriba y lo ganará, también lo merecería Paco Roca.

Mejor dibujo del 2009
El arte de volar de Kim (Edicions de Ponent)
El juego de la luna de José Luis Munuera (Astiberri Ediciones)
Ken Games 1: Pierre de Marcial Toledano (Diábolo Ediciones)
La isla sin sonrisa de Enrique Fernández (Ediciones Glénat)
Las calles de arena de Paco Roca (Astiberri Ediciones)

Pues aquí votaría ex a equo a El arte de volar y Las calles.... No es mejor el dibujo que el guión de El arte..., pues creo que es especialmente este último el que le da toda su fuerza al cómic, pero hay que reconocer que Kim da vida a una obra muy complicada ocn un dibujo que llega y mucho. Lo de Paco Roca es debilidad.

Mejor revista del 2009
Cthulhu
¡Dibus!
Dolmen
Dos Veces Breve
Le Potage

No conozco algunos (Le potage y Dibus!) así que me declaro desierto a mí mismo. Si no hay más remedio, pues dos veces breve que es la que más me gusta.

Mejor fanzine del 2009
Adobo
Andergraün
Carne líquida
El Dios Mofeta
Gato Negro

Gato negro, a ver si tiene suerte.

Premio a la divulgación de la historieta 2009
Manuel Barrero
Borja Crespo
Pepo Pérez
www.entrecomics.com
Yexus

Elegiría a entrecomics, por ser del medio.

Premio a la librería especializada 2009
Espacio Sins Entido
Joker
Madrid Comics
Norma Comics Lleida
Universal

El Espacio Sins Entido mola, y Joker Cómics mola y Universal también y no he estado en lleida, pero es que Madrid Comics es mucha tienda, mucha pero mucha, y bajar su escalerita pequeña me encanta!!!!!!!

Benjamin Biolay - Brandt Rhapsody

2010-03-12T09:06:00.000+01:00

Muchas veces pensamos que en el arte todo esta inventado y que ser original es muy difícil. Pero de vez en cuando surgen genios de la creación que nos demuestran que no hay límite, que el límite es la imaginación y que siempre hay nuevos caminos para emocionar.

En 'Brandt Rhapsody', Benjamin Biolay nos cuenta la historia que el cine, la música y la literatura nos ha contado millones de veces: chico conoce a chica, chico y chica se enamoran y se prometen amor eterno, tienen un hijo, la relación se enfria y chico y chica se separan. Pero lo hace de forma totalmente distinta.

Debemos ponernos en situación. Debemos imaginar una cocina. En la cocina hay una nevera y en esa nevera, él y ella van dejándose post its a lo largo de los años que dura la relación.

La letra de la canción son esos post its.

Ella: Tenemos que volver a vernos

Sabes, desde el martes he pensado mucho en ti

me puedes encontrar en el 06060606 y por la noche, en casa.

Él: He pasado una noche deliciosa,

aunque ahora tengo un poco de migraña

Estás tan guapa cuando eres odiosa

Ya te contaré en una semana

Ella: Sueño con tu cuerpo, sueño con tu boca

te quiero cerca de mi, quiero que me toques

Sueño con tu piel y tus manos, sólo pienso en ti

ya no salgo de juerga, no hago nada

Él: Cariño, dormías tan bien que no he osado despertarte

Trabajo hasta las 07:20, si quieres después podemos llamarnos

No sé lo que haces esta noche, yo no tengo nada previsto

si tienes trabajo me despido y te beso el culo

Ella: Te pertenezco, te quiero, pienso en nosotros

Eres mi hombre, eres mi ideal

Te deseo todo el tiempo, en todas partes

Eres mi gran proyecto, te seguiré a todas partes.

Él: Porque te quiero, porque me haces feliz,

porque tener flores en una cocina es bonito

te beso, una y otra vez

Sí, ahí también.

Ella: Cariño, mañana nos vemos en el aeropuerto

Orly, terminal 2 nueve y media

no hagas preguntas, coge sólo tu pasaporte

Te quiero, te quiero, buenas noches

Él: Cariño, hay comida en el frigorífico

hoy llegaré tarde, seguro que después del último metro

al final vas a poder pasar una noche tranquila...

Te Q (y ahí, hay un corazón dibujado al estilo bille)

Ella: Estoy embarazada...

Ella: Cariño, tu madre acaba de telefonear

creo que todavía no se ha atrevido a avisar a tu hermana

tu padre ha vuelto a tener un ataque esta noche

Te quiero, llamamé, pienso en ti, pienso en él

Él: Ayer por la noche olvidé decirte algo importante

¿podrías llamarme en cuanto te levantes en cualquier momento?

(se abre paréntesis) importante, pero no grave (se cierre el paréntesis)

Un beso.

Ella: Cariño, no me esperes esta noche

tengo mucho trabajo y es probable que llegue tarde

creo que debe quedar media pizza en algún sitio

pero comprueba la fecha en la caja

Él: No te olvides que cenamos en casa de mi hermana

si te ocupases del vino serías un cielo

pues puede que llegue tarde

(un poco más abajo) te vuelvo a dar la dirección y los códigos:

59 boulevard Menilmontant code AB 1981

Ella: La vecina ha dejado una nota sobre el palier

el gato ha gritado toda la noche en la escalera

si te apetece cuando salgas tira la basura

y piensa en llamar a tu madre, me acosa

Él: El tío del cable vendrá entre las 7:15 y las 9:15

intenta estar despierta

(Más grande, en un lenguaje diferente, una cosa que no tiene ninguna relación

estilo número de pasaporte)

Ella: Pagar EDF, Orange, abono del Canal

más el regalo común para mi hermano el fin de semana que viene

no encuentro el talonario ¿lo tienes tú, verdad?

Si es así, ponlo de manifiesto en el salón

Él: La reunión es a las 19:30 h en punto en la escuela ('en punto' está subrayado)

F. ha vuelto a llamar, me ha dicho algo de un chalet

no lo he entendido, en fin... tú tienes que saberlo mejor que yo!

A más ver (el más es una cruz)

Ella: Romper tres huevos, añadir medio litro de leche

incorporar 100 gramos de harina progresivamente

añadir de un golpe 50 gramos de materia grasa

pones mitad de mantequilla mitad de margarina

y mezclas

Él: Código de reserva qwxxcj

Palabra clave: Casablanca

Salida Orly 9h47, vuelta el 23 a las 7h15

Llegada a París 11h03 Charles de Gaulle Terminal 3

Ella:Una baguette, gambas, 3 aguacates, sopalin

tampones normales, lavavajillas

leche semidesnatada bio, 6 huevos bio

bolsa de basura 50 litros

Él: (con una letra diferente en papel con membrete):

Effexor 75 mg lp 1 cápsula 3 veces por día

Alprazolam 0,50 mg y 6 tomas por día máximo

(seguido de una firma, informe seguido de una caducidad)

Ella: Te recuerdo que tienes un hijo que va a la escuela todas las mañanas

y al que le gustaría desayunar con su padre de vez en cuando

Saludos.

Él: La visita es a las 16h y todavía hay un montón de cosas tuyas en el despacho del fondo

Sin duda querrás recuperarlas

Llamamé, mi nuevo número 0662734963.

Joanna Newson - Have One on Me (2009, Drag City)

2010-03-10T08:56:00.001+01:00

Hace ya algún tiempo que cuando repaso la actualidad musical no puedo parar de pensar en el cuento de Hans Christian Andersen 'El traje nuevo del emperador'. En este caso, el emperador no tiene corona ni trono, sino más sencillamente (como suele ocurrir en esta sociedad del Internet 2.0 en la que vivimos) una dirección http:// y un espacio web y se hace llamar Pitchfork. Este curioso emperador reina en el mundo de la independencia y sus órdenes se contienen en su particular Boletín Oficial, llamado "Album Reviews". Desde él, el emperador va emitiendo sus opiniones; opiniones que por ser alojadas en la web se convierten inmediatamente en una verdad revelada, que parece que no es susceptible de recurso. Si Pitchfork dice que tal disco es malo, tal disco es malo. Si Pitchfork opina que tal disco es simplemente bueno, es simplemente bueno. Y si Pitchfork opina que tal disco es genial, se monta un revuelo en la red al que yo nunca había asistido antes.

El disco elegido por Pitchfork es objeto de comentario inmediato en blogs, foros, revistas musicales de todo el mundo y en todos ellos para ensalzarlo como la nueva muestra de la orfebrería pop, la nueva gran joya de la actualidad. Lógicamente, en este esquema no cabe la disidencia: nadie puede decirle al emperador que en realidad va desnudo. Serán muchos a quienes el disco no les guste nada o, aunque gustándoles, no crean que merezca ser para tanto, pero no nadarán contracorriente; lo comentarán en privado, pero en la red se limitarán a guardar silencio, a decir que es bueno y dedicarán tardes y tardes a escucharlo en solitario intentando desesperadamente que les guste. Y, lo más importante, ese disco será el número 1 en todas las listas de lo mejor del año. No se te ocurra hacer lo contrario: no serías moderno y no tendrías criterio.

En todas, menos en las del Emperador, que caprichosamente se situará por encima del bien y del mal y colocará otro disco, desconocido, por encima de él, demostrando la supremacia e independencia de su criterio.

Lo que cuento, aunque para quien no se mueva en este mundillo pueda sonar extraño y exagerado, resultará sin embargo sumamente familiar para quien invierta algo de tiempo en navegar y en leer blogs, foros, revistas y lastfm.

Ocurrió con el Third de Portishead, con el Merriweather Post Pavillion de Animal Collective y este año previsiblemente ocurrirá lo mismo con este "Have One on Me" de Joanna Newsom.

Y es que el emperador le ha puesto un 9,2. Y toda la blogsfera no para de hablar de las maravillas, las excelencias y lo irrefutable de la suprema calidad de este disco.

Yo, que sigo viendo al emperador desnudo por mucho que intento ver su traje nuevo, trato de abstraerme de lo que Pitchfork y sus súbditos dicen (aunque a veces es difícil) y trato de seguir teniendo ese mínimo de independencia musical que a todos no es exigible. Concordé con Merriweather Post Pavillion y disentí con el Third de Portishead.

¿Y el album de Joanna Newsom? Es un muy buen trabajo. Incluso por momentos brillantes. La orquestación es preciosa, simplemente deliciosa. Quizá, como en todos los discos de la Newsom, este es el aspecto más destacable, por su capacidad para transportar, para capturar sentimientos y para emocionar profundamente.

Pero es un album de Joanna Newsom: canciones de siete minutos y dos horas y media de duración total. Pero sobre todo, es un album plagado de recursos impostados que buscan la emoción fácil y epatar al oyente para que éste no pare de pensar todo el tiempo lo "único" que es el disco. Además, la voz y la forma de cantar de la Newsom siguen siendo 'particulares', por decirlo de manera suave, y a muchos os desesperará.

Éste no es un album para recomendar de manera general, pues aunque es su disco más accesible, es tremendamente denso, oscuro y difícil de escuchar. Pero en QPH no queríamos dejar de dar noticia de él, al ser lo que se ha marcado como más importante en esta temporada para ser moderno y tener criterio.

En resumidas cuentas, es un disco que debe ser escuchado para hacerse una idea propia y poder opinar; es un buen disco, con momentos brillantes que llegan a emocionar, pero no creemos que sea un disco que merezca un 9,2 y que, con esa puntuación, se acerque necesariamente a los discos más importantes de la historia de la música. Es más, este mismo año nos están gustando más otros discos (Clem Snide, Beach House o Radio Dept., Standstill...). Si entramos al juego de poner notas, yo personalmente, con las escuchas que le llevo dadas (más de diez) le pondría un notable alto.

Eso sí, si os animais a escucharlo, tened cuidado: es un disco excesivo en todos los sentidos y a quien no esté acostumbrado le costará mucho entrar en él.

En definitiva, el Emperador tiene buen gusto, ha destacado un disco que marca diferencias y apunta nuevas maneras en la escena folk, dónde pasará a ser imprescindible; pero que no deja de ser un disco contemporaneo cuya influencia no puede ser marcada ahora, como pretenden hacer Pitchfork y sus súbditos, y que necesitará de la prueba del tiempo para ver como envejece.

Y, en todo caso, toda esta entrada viene en realidad a cuento de dejar sentado un presupuesto esencial: no hay que perder la capacidad para seguir diciéndole al emperador que se está paseando desnudo por las calles de la blogosfera.

Rafa.

QPH? - Remezclas de los '90, con Josele

2010-03-01T12:11:00.001+01:00

Os dejamos con el último programa de QPH?, en el que tuvimos la suerte de contar con Josele, quien nos trajo unas fantásticas remezclas de canciones de la década de los '90.

Un programa muy especial. Esperamos que lo disfrutéis.

Remezclas con Josele

qph?

Clem Snide - The Meat of Life (2010, 429 Records)

2010-02-24T22:24:00.000+01:00

Después de mucho pensarlo, he llegado a la conclusión de que existen tres tipos de artistas / bandas en función de los recuerdos que el oyente tiene sobre el momento en el que los descubrió.

En primer lugar están "los consagrados", esas bandas que siempre han estado ahí, que has escuchado desde siempre y respecto de quienes resulta prácticamente imposible determinar cuándo uno los descubrió realmente. Estas bandas son algo así como el hilo musical de la infancia / adolescencia del melómano. Ejemplos de este grupo hay muchos: Beatles, Stones, Bowie, Pink Floyd, Beach Boys... Son unos cuantos, pero no demasiados.

En segundo lugar encontramos "los indiferentes", bandas que no destacan especialmente de acuerdo con este criterio de sistematización: simplemente no recordamos cómo y cuándo las descubrimos y empezamos a aficionarnos a ellas. Eso no quiere decir que sean secundarias o de menos calidad. Eso son otros criterios. Puede que incluso alguna de ellas sea una de nuestra bandas favoritas. Pero si un amigo nos preguntase cómo las descubrimos, no sabríamos contestar. Las bandas que forman este grupo son las más numerosas, por no decir casi todas. En mi caso, bandas como Wilco, Radiohead, Animal Collective, Tom Waits, Nick Cave... las adoro, pero no recuerdo cómo llegaron a mis oídos.

El último grupo de bandas son las más especiales. Son aquéllas de las que uno recuerda el preciso instante en el que las descubrió. Es capaz de rememorar el momento, las circunstancias, el estado de ánimo en el que se encontraba, la canción que escuchó, el sentimiento que le embargó... incluso es capaz de volver a sentir lo mismo si vuelve a ponerse la misma canción. Estas bandas son las "bandas especiales", las bandas del "amor a primera escucha". Las bandas que te cambian la vida. Lógicamente, cuáles sean estas bandas depende de cada uno, pero lo que es común a todas ellas es que son muy especiales para cada oyente y no suelen ser muy numerosas.

En mi caso no son más de cuatro y, de todas ellas, Clem Snide es la más especial.

Recuerdo perfectamente el momento en el que los escuché por primera vez: en el FIB 2004. El cartel del escenario verde de una de las noches parecía especialmente diseñado para mí: Morrisey, Lou Reed, Belle and Sebastian y Los Planetas. Bufff, todavía me estremezco cuando lo pienso...

Y recuerdo que allí me planté yo, dispuesto para la gran noche. Pero llegué a las cinco y había que hacer tiempo. Un vistazo al cartel y en un escenario veo que actúan unos tal Clem Snide. No recuerdo cuales eran las bandas que actuaban en los otros escenarios, pero si recuerdo que el concierto de Clem Snide fue elegido por descarte: su nombre sonaba mejor (!).

Delante de mi aparecieron cuatro sujetos tocando instrumentos nada evidentes (desde tubas a ukeleles, pasando por banjos eléctricos) y, sobre todo, un frontman (Eef Bazelay) indescriptiblemente hipnotizante y carismático, por actitud, movimiento, desparpajo, voz... por la suma de todo en definitiva.

Nunca los había escuchado, pero nunca desde entonces he vuelto a ir a un concierto que me hiciera sentir igual de vivo. Ni siquiera tras ver después los cuatro conciertos que formaban el "cartel de mis sueños". Volví a casa y ya no pensaba en lo fantástico que había sido ver a Lou Reed cantar 'Sweet Jane', en lo mágico que resultó "cantar con" Stuart Murdoch "Judy and the King of Horses", en el chasco de la cancelación del concierto de Morrisey o en mi primer concierto de Los Planetas.

No, sólo pensaba en que debía conseguir todos los discos de Clem Snide. Debía aprenderme todas sus canciones.

Toda esta larga introducción viene a cuento de dos cosas, en realidad. La primera, que acabo de descubrir lo difícil, por no decir imposible, que resulta escribir con un mínimo de objetividad sobre una banda de la que uno se siente seguidor acérrimo. Es una batalla pérdida. Aunque pretendas disimular, el lector descubrirá tu pasión y lo que digas será leído con reticencia y lejanía. Ante esto, creo que lo mejor es ser sincero, proclamar ese "amor pasional" a los cuatro vientos y humildemente recomendar la escucha y esperar a que la banda cause en el otro un efecto similar al que causa en ti. Asumir, en definitiva, el excelso papel de introductor.

En segundo lugar, todo esto viene a cuento porque Clem Snide acaban de publicar su segundo álbum tras la reunificación. Y es que tras el irregular "Hungry Bird" (2009), un disco que fue abandonado en su momento a mitad del proceso de grabación debido a la ruptura de la banda y que fue retomado y publicado tras su reunificación, llega "The Meat of Life", un disco en el que los neoyorkinos vuelven a preparar un plato con todos los ingredientes que han ido aderezando su carrera discográfica desde sus inicios: letras muy cuidadas (incapaces de dejar indiferente), un sonido totalmente volcado hacia el americana, hasta el punto casi de establecer el canon de este género y, por encima de todo, la presencia y la voz de Eef Barzelay.

Quien conozca a Clem Snide sabrá perfectamente de lo que hablo. Quien aun no tenga esa suerte, acaba de encontrar en esta recomendación la excusa para descubrirlos. Tan solo espero que, también en vuestro caso, esta banda pase a formar parte de los grupos especiales.

20 mejores cómics del 2009 III (del 6 al 1)

2010-02-19T14:04:00.000+01:00

Aquí termina la lista de uno de los mejores años que recuerdo. Probablemente los tres primeros podrían estar en una hipotética lista de los 10 mejores de la década. En todo caso se trata de seis cómics que he disfrutado muchísimo y que merecen ser leídos. Lo del orden ya es otra cosa.

6. Las Calles de arena - Paco Roca - Astiberri

Quizás por el impacto mediático que tuvo el magistral "Arrugas" pueda entenderse que uno de los mejores cómics españoles de todos los tiempos haya pasado casi desapercibido. Quizás también por la necesidad de diversificar los premiados en el saló. En todo caso las calles de arena es, a mi parecer, la obra de madurez del autor más importante de los últimos años en nuestro país. Un cómic delicioso que permite saborear la literatura romántica-fantástica que todos leímos de niños y que evoca y sugiere como pocas obras literarias lo pueden hacer. Maestro Roca.

5. Fábulas (La Gran Guerra, y +...) - Willingham y otros - PlanetaDeAgostini

Mientras Wilingham da rienda suelta a todo su humor en Jack, el drama sigue en Fábulas. "La gran Guerra" parecía el apoteósico punto final, pero con "Las edades oscuras", también de 2009, nos demuestra que en realidad nada acaba nunca del todo. Es difícil comparar un cómic que es parte de una colección con cómics de número único como son la mayoría de esta lista, pues siempre puede perjudicar la desventaja del menor contenido y expresión de loq ue no es más que la parte de un todo, así como beneficiar el "peso histórico" que lleva el desarrollar a los personajes en otros números anteriores. En este caso el peso a favor es inmenso: Fábulas es la mejor colección de vértigo creada en los últimos 10 años, y eso es decir mucho.

4. Paquidermo - Frederik Peeters - Astiberri

Dediqué un post a Paquidermo el otro día que se titulaba: ¿mejor cómic del 2009? Resulta que olvidé a tres obras maestras que al final han estado por encima. Ese es el mérito de Paquidermo, la obra maestra de Peeters, que te hace olvidar lo demás: que, como a la protagonista, lleva a tu mente a un lugar aparentemente nuevo y no tanto por lo que cuenta sino por el camino que lleva a ello. Este cómic es realmente precioso y, aunque no se si tiene sentido lo que digo, aun no considerándolo el mejor cómic de 2009 es, sin lugar a dudas, mi preferido de ese año.

3. George Sprott - Seth - Random House Mondadori

Que George Sprott ocupe el número tres de la lista viene a reflejar la increible calidad de los cómics editados en España este año. Yo estoy enamorado de "La vida es buena...", (aunque me gustaba más la mala, pero bonita, traducción de "La vida está bien si no te rindes"), pero ni el amor me ha impedido ver como obra maestra absoluta esta foto de cualquiera que es George Sprott. Da un mal rollo de vértigo ese retrato de la decadencia de una vida que empieza casi en el principio de la misma. Caramelo envenenado, arte con muchas mayúsculas, George Sprott es la obra cumbre de un genio.

2. All Star Superman - Grant Morrison/Frank Quitely - Planeta DeAgostini

Ha sido mi gran duda y ha quedado por encima de George con algo de trampa. El peso histórico que decía antes. Superman es mucho superman, su espalda es muy grande y caben décadas de historia del cómic. Lo increíble, sin embargo, es que Morrison y Quitely hayan conseguido hacer precisametne eso: situar en cada página, en cada viñeta, a cada Superman que ha pasado por la historia del cómic. Su grandeza, su debilidad, su inocencia, su humor, su absurdo, su impotencia, su humanidad, su soledad, todo eso está en el mejor cómic de Supermán que yo he leido nunca pues es como El Aleph: todo y todos están en él. Dibujada como ninguna y escrita como pocas sitúa a sus autores, grandes que ya lo eran, en una cima a la que difícilmente llegarán.

1. Catálogo de novedades acme - Chris Ware - Random House Mondadori

Lo siento rivales, competía Chris Ware. Mejor cómic de 2009 y, quizás, sólo rivalizando consigo mismo, de la década. Leedlo y no a mí.

20 mejores cómics del 2009 II (del 13 al 7)

2010-02-18T12:48:00.002+01:00

Continuamos con una lista de 20 cómics en la que, para los que les de algo de morbo el tema estadístico, hay 7 cómics americanos (de los cuales 5 son del denominado underground y dos de DC, de los cuales 1 es de(l) superhéroe y otro de vértigo), 4 mangas, 3 franceses, dos españoles, un canadiense, un belga, un noruego y un manhwa coreano. En resumen, que en España, aunque tarde, comienza a publicarse muchísimo material y cada vez más variado. Sigamos.

13. Takemitsu Zamurai - Taiyou Matsumoto - Glénat

Un manga aparentemente típico de un ronin que aparece en un pueblo y del que se narran sus aventuras que es, en cambio, totalmente atípico, tanto por el dibujo que recuerda más a Frank Miller y al independiente americano que al manga post- Tezuka, como por el ritmo y las formas narrativas que generan una inquietud y belleza en la historia difíciles de encontrar generalmente en los cómics de Japón. Joyita.

12. El arte de volar - Antonio Altarriba / Kim - Edicions de Ponent

La vida de Antonio Altarriba pasa por delante de nuestros ojos mientras él cae por la ventana desde la que se suicidó en mayo de 2001. Eso es "El arte de volar" escrito por su hijo Antonio Altarriba y dibujado magistralmente por Kim. Eso y un relato por el siglo XX en España y por los azotes que sufrió: el hambre, la guerra, la posguerra, la dictadura. Un magnífico fresco que refleja una vida dura y cansada, tanto, que lo único fácil era salir de ella.

11. Rosalie Blum

Como en cualquier otro tipo de arte lo que manda al final, por encima de vanos intentos de objetivización, son las sensaciones; y las que produce la lectura de Rosalie Blum son verdaderamente recomendables. Publicados en 2009 los dos primeros tomos, puede decirse que Camille Jourdy ha creado un cómic costumbrista, simple y bello con personajes evocadores y reconocibles que te causa una extraña y agradable sensación en cada página. Como cantando bajo la lluvia, que la ves y no te ríes pero la sonrisa parece petrificarse en tu semplante.

10. Genesis - Robert Crumb - La Cúpula

Ambicioso como siempre y efectivo como pocas veces Crumb se va al texto de los textos, al libro de los libros, a La Palabra, para desarrollar allí, en ese mundo tan cercano a lo divino, sus personajes absolutametne humanos, carnales y mundanos. Quizás a veces obligado por el Texto, Génesis no deja de ser una obra de Crumb, quizás por que lo que allí cuentan fuera más humano de lo que parece.

9. Pluto - Naoki Urasawa - Planeta DeAgostini

Si Naoki Urasawa hubiera nacido en EEUU y no supiera dibujar se llamaría JJ Abrams o algo parecido. Si hubiera nacido en Inglaterra hace muchas décadas podría llamarse Hitchcock. Pero nació en Japón y es un grandísimo dibujante que, sobre todo, sabe cómo contar historias, cómo dotarles de ritmo y como crear tensión narrativa. Pluto, además, se nutre de los personajes geniales del gran Tezuka y, por todo ello, se convierte en el mejor manga que he leído en muchísimos años. ¿Por encima de Crumb?.....

8. Low Moon - Jason

Ya carece de sentido hablar de la genialidad de Jason, de su capacidad para expresar cientos de diálogos sin tan sólo una letra, para reflejar sentimientos y emociones de gran profundidad sin añadir ni una arruga a sus caras aparentemente inexpresivas de gatos, perros o patos, para transportarnos a sensaciones que ya conocíamos por medio de historias que parecen ser absurdas e imposibles. Carece de sentido, como no lo tiene la vida para muchos de los personajes que deambulan, pues eso hacen, por Low Moon, su (pen-)última obra maestra.

7. Pinnochio - Winshluss - La cúpula

El pinocho de Winshluss no es, y sí, como el de Disney. Es más oscuro pero sigue siendo un personaje complejo y con dobleces. El cómic, en todo caso, es una auténtica maravilla especialmente en el apartado gráfico donde Winshluss se muestra como uno de los franceses más en forma de los últimos tiempos y que convierte a ese país en la tercera gran potencia mundial de la historieta. Apabullante.

20 mejores cómics del 2009 I (del 20 al 14)

2010-02-16T21:47:00.000+01:00

Pues no hay mucho más que decir, salvo que el criterio esencial es que yo los haya leído, que hayan sido editados por primera vez (cuanto menos de forma completa) en España en 2009, y siendo indiferente si son parte de una colección (en cuyo caso valen todos los números editados en 2009) o lo que se llama novela gráfica. Vamos a ello

Nº. 20. Coches abandonados - Tim Lane - La Cúpula

Entre la oscuridad y la inquietante sensación del dibujo de Charles Burns y las temáticas negras y cotidianas de David Lapham, "Coches abandonados" es un más que recomendable cómic negro (o amarillo, según se prefiera) en el que los tópicos del género aparecen bien relatados y dibujados e, incluso, con momentos brillantes (como el viaje en tren presuntamente autobiográfico titulado Spirit).

Nº. 19. Ombligo sin fondo - Dash Shaw - Apa Apa Cómics

La, a mi parecer discutible, edición de Apa Apa, y el dibujo algo fallido en ocasiones, no restan un ápice a un relatosobre la identidad juvenil que va ganando en prfundidad conforme nos vamos metiendo en ese ombligo sin fondo. Con muchos momentos que sobran, el cómic de Shaw tiene algunos, quizás no tantos, que realmente conmueven. Eso ya es más que mucho.

Nº 18. Un zoo en invierno - Jiro Taniguchi - Ponent Mon

!!!Cómo dibuja este hombre!!! Quizás en "Un zoo en invierno" tenga aún más explicación al tratarse de un cómic autobiográfico en el que uno de los renovadores del manga recuerda sus comienzos en el mundo del dibujo. De nuevo, sin embargo, Taniguchi da más importancia a las sensaciones, a las emociones, en este caso las de las primeras experiencias vitales en el trabajo y el amor, que a la propia trama. El japonés más europeo de nuevo dando en el corazón.

Nº. 17. La virgen de plástico

A veces basta una ilustración de una página, un dibujo pequeño o grande, en color o en blanco y negro, para que te quedes absorto mirando y abandones el papel hacia recuerdos, sensaciones o deseos. En este caso es una mujer en una cocina tradicional mientras friega con su delantal y un traje rosa. Fue como el crítico de Ratatuille, que se transporta por un instante no temporal a la infancia en casa de su abuela. En mi caso fue a la imagen de mi madre hace 30 años en la antigua cocina en la primera casa en la que viví con mis padres. Un cómic genialmente dibujado, tierno y con mucho humor.

Nº. 16. Una vida errante - Yoshihiro Tatsumi - Astiberri

Otro relato autobiográfico sobre los inicios en el mundo del cómic. En este caso el dibujo, más Tezukiano, no prima tanto como la propia historia de una época, la posguerra en el Japón devastado de los 50, y de un mundo, el del manga tras la aparición del maestro Tezuka, que dotan al relato de gran intensidad y altura. Obra ambiciosa y profunda que encumbra a Tatsumi como un grande que, en realidad, ya lo era.

Nº. 15. Romance Killer - Doha Kang - Planeta DeAgostini

El Manhwa del ya conocido en nuestro país Doha Kang no sólo es altamente recomendable por su maravilloso dibujo y color, sino por ser un profundo y algo psicótico relato que mezcla grandes temas tabúes (pederastia, asesinatos, violencia doméstica, etc) con inocencia y hasta humor. De nuevo Corea nos enseña que gran parte de lo mejor del cómic, como también lo del cine, está allí. Ah!, y la edición de planeta: extraordinaria.

Nº. 14. Julius Knipl Fotógrafo inmobiliario - Ben Katchor - Astiberri

Como el protagonista, Ben Katchor nos hace una foto de algo que no nos debería ser tan extraño. También como él la perspectiva del genial dibujante de Nueva York no es única, y nos sumerge en un relato ni realista ni fantástico sino las dos cosas. ¿O no es fantástico sentirte parte de una realidad que nunca vivirás? Genial como siempre.

Guille Milkiway y el arte

2010-02-15T19:23:00.000+01:00

Aunque mañana mismo (más bien esta noche) publicaré otro post dedicado a la primera parte de los mejores 20 cómics de 2009, no puedo evitar hacer una pequeña referencia al maravilloso momento que presencié en la, algo menos, pero tampoco mucho menos, insoportable gala de Los Goya. Fue el momento Guille, el momento en que se daba el goya a la mejor canción original a Yo también, del genio de La Casa Azul.

A mí este chico me tiene absolutamente maravillado: no sólo su música, su arte romántico, utópicamente bello y certero, sino él mismo: desde su corbata (si me dices dónde la conseguiste me agencio una) hasta su estilazo, pasando por su irremediable verdad, lo de Guille me parece que no se valora como se merece. Somos muchos los que reconocemos el arte sincero de Nacho Vegas, el de Fernando Alfaro, J M Oliver, el de J o el de muchos otros, ¿Y no es lo mismo o más lo que hace este chico de sensibilidad incomparable y honestidad máxima? El arte de los citados, de todos ellos y de otros muchos, lo es precisamente por realizarse con independencia y verdad, sin ninguna concesión a los demás más que el propio resultado: la maravillosa definición del mundo a través de los únicos ojos de los que uno dispone. Eso es el arte, la representación verdadera del mundo que, por personal, acaba por ser universal y válida para muchos. Y me parece que como artista hay pocos como Guille Milkiway, no sólo por bellezas infinitas como Cerca de shibuya o La Revolución Sexual ya conocidas de sobra en el circuito independiente, y que todas han sonado ya en QPH?, sino también por la maravillosa Yo también que se ha llevado el citado premio.

Pero es que él en sí mismo es un ejemplo de actitud artística: un hombre que, en uno de los sitios más artificiales que puede existir (la televisión ya lo es en general, y cualquier entrega de premios por el estilo lo es más en particular), se atreve a desnudarse una vez más, a dar gracias a sus padres por el respeto a su intimidad, a reconocer que unos amigos suyos "le salvaron la vida" (frase maravillosa y llena de significado que a veces no sabemos apreciar en todo su sentido), a declarar amor a sus fans y a decir públicamente que sólo entiende el arte bajo las premisas de "independencia y autosuficiencia", me parece tan excepcional e imprescindible en un mundo muchas veces vacuo y artificial que creo que hace grande a un galardón como el Goya.

A veces se ha acusado a la música de La Casa Azul de artificial. No han entendido nada. Gracias, Guille, por dedicarnos este premio a tus fans, que te amamos como eres y queremos más.

Fernando.

Fanfarlo - Reservoir (2009, Atlantic)

2010-02-12T10:16:00.000+01:00

Hace años leí una frase (que ahora mismo no recuerdo de quien era) que a lo largo de este tiempo me ha hecho reflexionar en distintas ocasiones. La frase en cuestión venía a decir algo así como que “una idea no es de quien la tiene primero, sino de quien la tiene mejor”. En definitiva, esta reflexión plantea la importancia de la originalidad, el relativismo de la copia y la importancia del dejarse influir poderosamente. Un línea de pensamiento que enlazaría en gran medida con Franklin, cuando nos indicaba que el proceso de creación era un 99% de inspiración y un 1 % de expiración.

La verdad es que esta frase me ha hecho reflexionar en distintas ocasiones, porque nunca he estado muy seguro de que sea del todo cierto y, especialmente, lo he pensado cuando me he encontrado frente a obras que dejaban en mi una fuerte sensación de déjà vu, pero que a pesar de ello, me gustaban mucho.

Y esto es precisamente lo que sucede con el disco ‘Reservoir’ de Fanfarlo: un disco realmente especial que sobresale de la media y se presenta como uno de los discos que más llama la atención de entre todos los publicados el pasado 2009. No en vano, este disco ha sido elegido como mejor disco de 2009 por una de las listas de cabecera de este blog, la lista del programa '39 sonidos' de Juan Vitoria.

Fanfarlo apuesta en este disco por un pop épico y muy luminoso, donde los ritmos in crescendo, basados en armonías vocales y sección de vientos, son abundantes. Canciones en los que las melodías van creciendo a medida que se va produciendo la acelaración de la sección rítmica y que aparecen frecuentemente acompañados de violines y trompetas, que dotan a ese crecimiento de un sonido optimista y alegre. Y todo ello adornado por abundantes cambios de ritmo, voces que cantan sobre una guitarra que conduce hasta una nueva explosión de sonido...

Si habéis escuchado ya a Fanfarlo enseguida su estilo os habrá recordado a otros grupos y, si no lo habéis escuchado, y he conseguido transmitiros a qué suena Fanfarlo, enseguida habréis pensado “pero eso no es lo mismo que hacen...”...

Y esa es la sensación que surge al escuchar el disco y el problema que me plantea el disco de Fanfarlo a la hora de valorarlo. Me plantea la duda de si este disco es tan bueno como parece a primera escucha, a pesar de no haber tenido la idea primero, a pesar de ser más evidente que en otros discos que éste es 99% de inspiración y sólo un 1 % de expiración.

Un usuario de la imprescindible RYM, llamado SaschaM, resume perfectamente estas idea al hacer una reseña para este disco y señalar:

“Receta para esto:

1 copa de Beirut

1 copa de Arcade FIRE

1/2 copa de Talking Heads

Añadidos suavemente, pero no mezclados. Fuerte, pero no llena”.

Y es que ‘Reservoir’ rezuma por los cuatro costados Arcade Fire. Es Arcade Fire. Otro de los discos que nos ha gustado mucho este año (el disco de Edward Sharpe and the Magnetic Zeros) también es muy Arcade Fire, pero la referencia, aunque presente, no es tan fuerte. En el caso de Fanfarlo, uno no puede evitar mirar la caja del disco y buscar el nombre de sus componentes para ver si se trata del proyecto paralelo de alguno de los miembros de Arcade Fire. Otras veces, en canciones como ‘Comets’ o, especialmente, ‘The walls are coming down’, la referencia directa es Zach Condon y su proyecto Beirut. No es que se parezca a Beirut. Es Beirut. Incluso en momentos ('Finish Line') nos encontramos a Clap your hands say yeah!.

Pero por otra parte, ¡el disco suena tan bien! Tiene tanta fuerza, tanta energía. Lo escuchas y te dan ganas de salir a la calle, de ver a tus amigos, de vivir, de pasar de malos rollos y dejar de escuchar a tus demonios...

Y de nuevo la duda está sembrada: ¿es tan importante ser original? ¿se puede disfrutar tanto un disco cuando la razón te está gritando todo el tiempo que es una copia; muy buena, pero una copia al fin y al cabo?

A la hora de hacer listas, Fernando y yo siempre hemos primado -como uno de los criterios esenciales a tener en cuenta a la hora de valorar una propuesta- la originalidad, la capacidad de provocar evolución. Siempre nos hemos situado al margen de la cita: la idea es de quien la tiene primero, porque sin él ,el segundo no podría haberla tenido mejor.

Discos como el de Fanfarlo, excelente, siempre te hacen dudar de tus certezas.

Si usáis Spotify y queréis escuchar el disco, aquí tenéis el link: Fanfarlo – Reservoir

Paquidermo ¿Mejor Cómic del 2009?

2010-02-10T01:15:00.000+01:00

Me jode muchísimo que Peeters naciera en 1974. ¿Qué he hecho yo mientras él se ha convertido en uno de los mejores autores de cómic de las últimas décadas? Me pasa con otros, Miguel Brieva creo que también tiene mi edad, y reconozco que siento un enorme complejo de inferioridad ante personas que han sido capaces de explotar su talento creativo de forma tan maravillosa. En todo caso decía mi escritor favorito (que no citaré, pues ya lo hacía en mi último post) que él se enorgullecía más de lo que había leído que de lo que había escrito. Yo lo tengo aún más fácil. Y todo esto viene por el inmenso orgullo de haber leído (quizás mejor, haberme imbuido de) Paquidermo, el último cómic del suizo Frederik Peeters.

Paquidermo es, en primer lugar, un cómic que sólo podía ser eso, un cómic. Estoy seguro que Cortazar podría haber escrito algún relato similar en el que la fantasía llevara al lector a la realidad como se hace en esta historia. David Fincher con guión de Charlie Kaufmann podrían llevarnos al mundo mágico del hospital en el que está la protagonista de esta historia para explicarnos, con flashbacks, flashforwards y hasta los nuevos sideforwards, el peregrinar de una mente herida hasta recuperar la cordura. No creo, sin embargo, que ni la literatura ni el cine estén capacitados para igualar la fuerza narrativa de Paquidermo, para contarnos con tal perfección los enrevesados caminos de la mente, los caprichosos "twist of fate" (que diría Dylan), para conomovernos e inquietarnos con una historia que nos habían contado mil veces pero nunca de esa forma. Y no pueden porque no son cómic, porque el cómic es un arte maravilloso, una mezcla perfecta de literatura, pintura y fotografía (por lo inmóvil) que, en manos de un genio, puede llevarte a vivir, casi a pasear, de nuevo otros mundos, otros personajes, otros tiempos.

Ya sabíamos que Peeters es un genio, pero yo no esperaba el grado de perfección narrativa alcanzado en Paquidermo. He disfrutado cada página, cada dibujo, cada color; me he emocionado con cada sorpresa, con cada evidencia; y, al final, he leído una bonita historia que no necesitaba ni una línea más, de texto o de dibujo, para ser contada y enamorar al lector.

He titulado de la forma que lo he hecho este post porque Paquidermo acaba de entrar a saco en mi lista de candidatos a mejor cómic de 2009. Está George Sprott, está Las Calles de Arena que disfruté tanto como con Paquidermo; hay muchas cosas más, y no se finalmente cómo decidiré ese orden tan absurdo y divertido a la vez. Lo que si sé es lo que voy a hacer ahora. Me voy a leer Paquidermo otra vez.

Pd. Gracias Isra por acordarte. Otro punto más para quererte.

Fernando.

El fotógrafo: la realidad está ahí fuera

2010-02-07T12:21:00.000+01:00

Hay una frase que se atribuye a Erno Friedmann, co-creador del famoso personaje génesis de la agencia Magnum, Robert Capa, que reza así: "Si tus fotos no son lo suficientemente buenas es porque no te has acercado lo suficiente". Aunque para la fotografía parezca ser un mensaje de carácter espacial,y se haya relacionado con los reporteros de guerra y su obligación de contar con el objetivo la realidad de los conflictos, siempre he creído que esta frase reflejaba, más bien, una idea relativa a la implicación emocional con el arte y con la vida, y que se podía aplicar a cualquier tipo de creación artística, incluso personal: si una fotografía, canción, pintura, obra literaria, película o relación no es lo suficientemente buena, es porque el autor no se ha acercado lo suficiente.

El fotógrafo es una obra artística del primer nivel porque sus autores se acercaron lo suficiente, tanto en el sentido espacial, como en el emocional, a varias realidades casi ocultas: una, la de "las guerras de Afganistán" que cambian de actores pero no de víctimas; otra, la realidad de todo un conjunto de personas que huyen de la sociedad civilizada para encontrar su más absoluta felicidad entregándose a los demás, como lo hacen, en este caso, los miembros de médicos sin fronteras que se juegan la vida para atender a los afganos en su guerra contra los rusos. El primero en acercarse a ellas fue Didier Lefevre, el fotógrafo que viajó a mediados de los 80 a Afganistán para acompañar a Médicos Sin Fronteras en una misión de atención a guerrilleros afganos y las poblaciones afectadas en mitad de una guerra que parece eterna. Cuando volvió de un viaje que estuvo a punto de causarle la muerte en varias ocasiones, unas veces fruto de la soledad de algunas de las montañas más bellas y abandonadas del mundo, y otras fruto de la maldad o sentido animal de la supervivencia de algunos con los que se encontró, sólo consiguió la publicación de seis de sus fotos en el diario Libération, una furunculosis crónica, la pérdida de 14 dientes, y una historia absolutamente genial para contar a sus amigos. Afortunadamente entre ellos estaba Emmanuel Guibert, el genial dibujante de, entre otros cómics de la panda de Sfar y David B, la Guerra de Alan. Guibert, se unió a Lemercier (que ayuda en el dibujo) y el propio Lefèvre para desarrollar un cómic absolutametne genial.

El Fotógrafo, publicado en España en 3 tomos en una magnífica edición de Glénat de tapa dura y papel de calidad que respeta al máximo posible las fotos de Lefèvre, es un foto-cómic que mezcla los maravillosos dibujos de Guibert con las fotos de Lefèvre para narrar las peripecias de este último, las del grupo de Médicos sin fronteras al que se unió, y las de un país del que los autores nos muestran una imagen de su horrenda, maravillosa, fantasmagórica, mágica, terrible y acogedora realidad. Lo que me impacta del Fotógrafo es lo sencillo y, a la vez, innovador de la idea: utilizar el formato narrativo del cómic para incorporar el reportaje fotográfico.

Al fin y al cabo hay que reconocer que la fotografía es un arte que, pese a lo popular que es en todo el mundo, tiene un escaso desarrollo comunicativo a nivel de masas: sólo a través de exposiciones y de libros sin casi opciones comerciales es como se difunden los proyectos creativos de gente genial que sabe acercarse y elegir el momento. Lefevre era (murió en 2007 de un ataque al corazón con cincuenta años) uno de esos, y gracias al mundo del cómic no sólo tuvimos la suerte de disfrutar de su historia, sino de hacerlo a través de sus propios ojos.

Unos ojos que, en el tomo I, contaron su viaje de ida: desde su aclimatación en Peshawar hasta convertirse en un afghano más, por lo menos de olor y aspecto, pasando por las gentes que de todo tipo que conoce y que le acompañan en el viaje, y por los maravillosos paisajes naturales sólo interrumpidos por algún helicóptero ruso que causa el terror, hasta el recibimiento por las acogedoras gentes que saben agradecer la salvación que puede suponer la llegada de los médicos. En el tomo II Lefèvre nos narra el trabajo diario y las historias terribles y emocionantes que ocurren día a día en la improvisada "clínica" pro la que pasa la muerte y la vida sin que se pueda hacer poco más que dar las gracias o llorar, y en el que se da vida a unos médicos a los que no creo que yo sea realmente capaz de entender. Por último el tomo III narra el terrible viaje de vuelta de Didier hasta Pakistán. El relato, que hasta ese momento es duro, pasa a ser aún más inquietante al contar las terribles semanas que casi llevaron a la muerte al protagonista. La verdad se palpa, entonces, en cada foto y en cada dibujo que sustituye a la foto que no podía ser tomada por quien ya casi sólo quería morir.

El fotógrafo es un cómic maravilloso, una demostración más de que Francia es una primera potencia del séptimo arte: sin los recursos económicos del gigante americano que incluso fagocita a los mejores escritores y dibujantes británicos y de todo el mundo, Francia ha conseguido convertir el cómic en un arte mayúsculo que, incluso, como ocurre en este volumen, es capaz de acercar a todos a otro arte también injustamente tratado como es la fotografía.

Fernando.